王开岭《古典之殇》读后感。
2000字真的没有。
不过找到200字的了做精神明亮的人——读王开岭作品有感 (2013-03-18 08:36:34)转载▼标签： 王开岭 精神明亮的人 古典之殇 文化在杂志上偶遇了王开岭的两篇随笔，深邃敏锐、清新独特的文字品质让我眼前一亮，渴望阅读他的更多作品，于是一口气网购了《精神明亮的人》、《古典之殇》、《精神自治》和《当年的体温》，散文卷、自然美学卷、随笔卷、杂文卷，卷卷美不胜收，在春暖花开的季节，我游历了一个人的精神风光：郁郁葱葱的故事森林，率真烂漫的审美丰野，幽邃清亮的理性深潭，峻峭挺拔的良知峰峦，温润广阔的情怀天宇……我似乎看到了满天花雨轻轻洒落，带来欢愉、惊叹、陶醉和沉静。
王开岭，一个浪漫而冷峻的同时代人，在思想界，他被誉为新生代的旗帜人物，在文学界，他被视为优美的灵魂书写者，他的作品“题材之丰浩、细节之精准、纹理之细密、精神发现之独特、关怀视野之阔大、言说的锐度和思路的延展性”，让阅读过程充满灵动、激动和感动。
他保有一种古典纯真的热爱，一种高贵独立的思考力，一种披荆斩棘的勇决力，一种纵横捭阖的联想力，透过简单的日常情景进行精神提纯，透过我们熟视无睹的事物展开深入的理性思考，透过我们习以为常的景象延展美的联想与神奇，用他的清洁、激情和宽广让读者的精神明亮起来、思考敏锐起来、情怀愉悦起来，他说：“我们必须仰望点什么，必须时常提醒自己，让疲倦的视线从物面上移开，从狭窄而琐碎的生存槽沟里昂起，向上，向着高远，看一看那巍峨与矗立，看一看那自由与辽阔、澄明与纯净……” 在《古典之殇》一书里，他追溯那个天光明澈、风物灿烂的“原配的世界”，“从自然细节开始，从那些曾经来过却消失的风物开始，从那些被人类辜负的美好元素开始，从儿时的记忆和笑声开始，”努力修复人类童年的记忆，唤醒感官和心灵美学，呼唤保卫健康的生活，他的责备和爱，尖锐与温情，落魄和信心，如此矛盾又如此和谐，他把双脚插入泥泞和草丛，仰望着广袤的星空，以峭拔的姿态和锋利的目光守护着美与良心，对世界报以纯真、感恩和汹涌的爱意。
文学的、美学的、哲学的、宗教的，王开岭从容不迫地汇合多种元素，调制着丰饶味美的阅读盛宴，让我经历了一场精神的狂欢，在百花齐放的春天，心里芳香弥漫。
梦情的作家梦情
《青花瓷》——隐藏在釉色里的文字秘密 芭蕉帘外雨声急，青花瓷里容颜旧。
黯然销魂者，唯别而已矣。
从《东风破》里“一盏离愁，孤单伫立在窗口”，到《发如雪》中“你发如雪，凄美了离别”，再到《千里之外》里“我送你离开，千里之外，你无声黑白”，离恨是歌者永恒的主题。
《青花瓷》带来的惊喜，在于这种离愁别绪被描写得更加婉转细腻，隐藏得愈加含蓄而韵味别生，仿佛青橄榄在口，可以慢慢回味。
论意境，《青花瓷》宛如一瓢烟雨朦胧、水墨画般的江南山水，水云萌动之间依稀可见伊人白衣素袂、裙带纷飞；论词句，《青花瓷》却是一幅笔端蕴秀、临窗写就的素心笺，走笔曲折，只因心有千千结；论曲调，《青花瓷》仿如微风中静静流淌石上的山泉溪涧，清泠透亮而又蜿蜒回环。
这三者叠加至一处，成就了《青花瓷》一曲。
此曲正如其名，恰似那“自顾自美丽”的青瓷极品，洗尽铅华，古朴典雅，清新流畅。
古筝撩拨，牙板清脆，琵琶淙淙，《青花瓷》的中国风分外动人。
方文山用“素胚”、“仕女”、“汉隶”等系列词汇描摹了传世青花瓷的风采，周杰伦的唱腔柔情而古朴，略带江南戏曲的雏形，绝妙填词配复古音乐，构成了一阕R&B佳作。
在《青花瓷》里，听到了《东风破》里旧地重游物是人非般淡淡的哀愁，听到了《发如雪》里前尘后世轮回不息般轻轻的喟叹，也听到了《千里之外》天各一方生死难忘的一生等待，甚至听到了《爱在西元前》里风化千年而精魂不死的爱的誓言……心中五味杂陈，漫天思绪翻滚如潮，而耳旁回荡的却依然只是轻轻淡淡的浅吟低唱。
《青花瓷》里最感人的一个字，我以为是这个“等”字。
一个“等”字，唱尽多少无奈和惋叹。
这一等，是无望的等，是来生的等，是明知不可等的等……可是曲中却只用淡淡的语调唱来，再平常不过，仿佛只是每天等待日出那般简单。
等待的时候，可以看书写字，可以吟诗作画，可以赏花弹琴……只是时时不曾忘记等待的人。
云淡风轻的相思挥霍了千年的等待，铅华洗尽的月色晕开了无奈的痛楚，《青花瓷》里唱得如此悠然。
原来，真的可以凄美了离别；原来，真的可以诗化了悲哀；原来，满腹的离愁别恨也可以慢慢洗淡。
求不得、爱别离又怎么样呢
众生皆苦，等待也是一种美丽的心情，不如就当此生的相遇，只是为了来生的重逢埋下伏笔，这样想来，不禁释然。
就算不能再相遇，也应当感恩曾经那惊鸿一瞥的际遇。
至少，我们能够隔着千里山水遥遥眺望江南的袅袅炊烟，隔着茫茫人海默默想念回忆中那一抹淡淡的背影，正如隔着重重历史静静观赏传世青花瓷不变的美丽。
芭蕉帘外雨声急，匆匆而过的是时间；青花瓷里容颜旧，慢慢老去的是自己。
而你的美丽，永远定格在永不褪色的青花瓷里，可以欣赏，可以玩味，也可以守望……内容简介“他到底是怎样写出这样的词句
他为什么会想到用这个字
”在周杰伦模糊不清的演唱之中，竟然隐藏着这样优美的诗句和意境，这是我们每个人的“认识文山之路”。
用“常被模仿，未被超越”这句滥熟的话来形容方文山，似乎再准确不过了。
2000年至今，华语乐坛的“中国风”热潮在《娘子》《东风破》《千里之外》的引领之下一路升温，到《青花瓷》到达了一个顶峰，不单方文山自认这是他最满意的一首中国风词作，甚至有媒体评论：“《青花瓷》究竟是谁的胜利
与其说是周杰伦的，不如说是方文山的。
是他，令文字的美超越了偶像的魅力和声线。
”《青花瓷》这样令人惊艳的词作，并不是如神迹般突然降临文山脑海，它也一样经历了先立意，再定题的过程，而第一句被构思出的诗句，竟然是“天青色等烟雨”。
方文山的新书《青花瓷：隐藏在釉色里的文字秘密》，可算是对他近十年中国风歌词创作的总结。
书中收入了《东风破》《菊花台》《发如雪》《青花瓷》等十五首流传甚广的中国风词作，分别讲述了他创作这些歌词时的思考脉络与心得体会，使读者得以窥见这些绝妙好词产生的全过程：如何构思选题；如何选词；不同的用字又会引发出何种不同的意境与心情；该怎么用最少的文字，传递出最大的意义，让最浓厚的情感共鸣，穿透每个人的心。
方文山还在其间穿插讲述了自己对历史、文化及感情的看法。
由于对古老中国怀有浓厚情怀，方文山甚至自己制作了一座规模宏大、建制精细的长安城建筑模型，这座长安城是方文山心爱的私家珍藏，耗时近一年的时间花了约50万台币(约合人民币12.5万)才完成。
模型中的一草一木一城一瓦都是他亲手切割加工染色黏贴而成的。
这份心血连台湾十三行博物馆都万分佩服，并且力邀这件作品借出展览。
方文山谈起这座“唯一一座微型长安城”眼里尽是得意，他称当初是为写《青花瓷》一书突发奇想，虽然是无心插柳，但是长安城模型曝光后大受好评。
模型借新书首次向大陆读者展示，上百幅精美图片穿插在他或情意绵绵、或豪气万千、或俏皮洒脱的文字间，两者共同营造出一种怀旧、优美，又不乏阳刚之气的古典风格。
就让我们泡上一杯茶，在氤氲的热气与渐浓的秋意中，在方文山的娓娓讲述里，回忆起这些词作带给我们的最初的感动。
作者简介方文山，擅长拆解语言使用的惯性，重新浇灌文字重量，赋予其新的意义，纺织出新的质地，建构后现代新词风。
其创作的词中充满强烈的画面感、浓郁的东方风，是华语乐坛音乐文学的创作才子，更是各种音乐奖项的常客。
方文山独树一帜的文字，促发了音乐创作另类革命，歌词在他笔下，不再是单纯的流行文化，更是一种文学现象。
另外，其从职业背景歌词韵脚中所衍生出的素颜韵脚诗，则无疑是一股辨识度极高、旗帜鲜明的新兴新诗流派
获奖纪录 台湾地区曾连续八次入围台湾第十二至十九届金曲奖最佳作词奖，并在第十三届同时入围三首作品，最终并以《威廉古堡》荣获该年度最佳作词人奖。
入围作品有：《娘子》《上海一九四三》《爱在西元前》《爷爷泡的茶》《东风破》《止战之殇》《发如雪》《菊花台》《青花瓷》等。
荣获中华音乐人交流协会89.90.92.94.95.等年度十大单曲作词奖，入围作品有：《印第安老斑鸠》《威廉古堡》《东风破》《牡丹江》《菊花台》等。
2006年Hito流行音乐奖最佳作词人奖：《夜曲》第42届金马奖最佳原创电影主题曲入围：《飘移》第44届金马奖最佳原创电影主题曲奖：《不能说的秘密》第19届金曲奖最佳作词人奖：《青花瓷》 目录【自序】何谓中国风歌曲——从编曲、旋律、唱腔与词意去解读壹、歌词里的中国风1.《花恋蝶》由《花恋蝶》漫谈中国风创作花恋上了生性自由的蝶，却只能守着泥土引颈眺望，直到枯萎……我就像是在草地上无法移动的花蕊，只能被动苦等自由纷飞的那只我心仪的蝶。
一直等到盛开的花慢慢的枯萎，缓缓的凋谢，你却始终头也不回
2.《小小》当爱情来临时，每个人的心里都住了一个人童年总是特别令人回忆与珍惜，因为当时并没有后来那么多的烦恼，那么多的人情世故，那么多的欲望，那时的快乐是直接的，没有那么多的附加条件。
一段遥远的岁月，像泛黄的照片一样，一些小怀旧，一些对逝去岁月的小感伤。
3.《东风破》谁在用琵琶弹奏一曲东风破《东风破》是一首标准的中国小调歌曲，随着轻柔的小调娓娓道来的是一段带点甜味的忧伤，其浑然天成的旋律与词风，彷佛真有首宋朝传世的曲破词牌叫《东风破》流传至今。
4.《牡丹江》牡丹江，一个视觉上的美满我一直偏爱在歌词中经营具画面感的文字，总觉得这样的歌词比较有生命力，因为它有一个扎实的出生，一个可被想象的背景时空。
5.《千年之恋》其实能穿梭千年的，也就只有文章
其实能穿梭千年的，也就只有文章，藉由文章我们还原了好几个前世，那瞬间短暂的爱情却被一代代的恋人们寄予殷切的盼望、美好的想象，于是爱情透过文字，透过故事，被人传唱……6.《菊花台》菊花已残，两鬓已霜对于描述古代题材的新诗或歌词，我总信手拈来，下笔成文，自己也说不上来，为何对于一个已经消失的时空如此憧憬与向往。
我喜欢赋予一个已经消失的时空，一种关于那个年代的美学想象。
菊花台之白话散文象征着哀悼怀念的菊花，已经随季节的逝去而残破散落了满地，就好像是我俯拾皆是的悲伤。
而你惹人怜爱的微笑模样，也在我记忆里逐渐老去，像黑白照片一样的泛黄。
7.《娘子》我说店小二，三两银够不够在没有任何人为的干预下，是杰伦自己选用了《娘子》这首落差极大的歌词。
说它落差极大，是因为其词意跟原有的旋律给予人的想象画面感毫无相关。
8.《敦煌》敦煌，一个光听名字就具有历史感的地方敦煌，一个光听名字就具有历史感的地方，古来即为众民族间交战的古战场。
这样的一个敦煌，在千年的岁月里苍凉，在古往今来的历史中悲壮，在时空轮回交错的爱情里感伤……9.《发如雪》那一年，我们在长安那年你转身离开时，香肩上飘扬起如丝绸般的华发，在月光照耀下，宛如雪白的霜雪如瀑布流泻而下，在如梦似幻的气氛中，竟然美化了我们当下那段伤痛欲绝的离别。
10.《青花瓷》天青色等烟雨，而我在等你“雨过天青云破处，这般颜色做将来。
”此话据传是柴世宗对其御用柴窑的赞语，意思是：最上等的陶瓷色为雨过天青色，同时希望国家的将来也如同这种天青色一样，朗朗晴空没有任何阻碍。
11.《茶汤》茶汤，回荡在大年夜里的歌声不管你在哪个大城市工作或求学，不管你还有多少的理想尚未实现，也不管你在职场中遭遇什么挫折与打击，现在都暂且搁着，轻轻放下吧
12.《胡同里有只猫》憧憬中的北京胡同我在当地人陪同下捡拾了一些即将被拆除的胡同门牌。
如今那些胡同早已灰飞烟灭，彻底消失在北京的历史时空中，而见证过那个时期的一个具体而微的象征——胡同门牌却被我保存下来。
13.《上海一九四三》一九四三，一个充满魅力的年代
一九四三年，是一个时局混乱、动荡不安的大时代。
但这篇歌词中却没有任何的硝烟味与流离失所的场景描述，有的只是一段段关于回忆的倒述画面，甚至还有点小温馨。
14.《爷爷泡的茶》由茶道漫谈日本文化日本这种不受外国侵略与粗暴干预的稳定文化发展，长期以来形成宁静的、素雅的、接近“禅”的一种美学价值观。
一个民族对美学的认知是会直接反应在其设计层面上的。
15. 《周大侠》一边写中国风，一边搞笑中我有时会创作出感情丰沛内敛的情歌，有时则写一些轻松随性的快歌。
这就好像我来台北发展这几年的际遇，有时深夜里独自一个人在办公室安静的创作，有时又跟一群朋友出去狠狠地热闹一番。
贰、素颜韵脚诗里的中国风1. 灯下2. 泼墨山水3. 心4. 脑前叶的某些记忆层5. 英雄冢6. 行云流水般的断魂7. 佛经里的茶渍【附录】中国风歌词获奖与入围纪录中国风歌词创作年表…… 何谓中国风歌曲——从编曲、旋律、唱腔与词意去解读何谓「中国风歌曲」
如单纯缩小范围仅讨论歌词的话，一言以蔽之，就是词意内容仿古典诗词的创作。
但一般对「中国风歌曲」的认知还包括作曲部分。
因此，若将「中国风歌曲」做较为「广义解释」的话，则是曲风为中国小调或统五声音阶的创作，或编曲上加入中国传统乐器。
如琵琶、月琴、古筝、二胡、横笛、洞箫等，以及歌词间夹杂著古典背景元素的用语，如拱桥、月下、唐装、绣花鞋、灯蕊、蹙眉、红颜等。
只要在词曲中加了这些元素，不论加入元素的多寡或比重为何，均可视同为所谓的「中国风歌曲」。
严格说起来，流行音乐市场上的「中国风歌曲」，并不是一种音乐曲风，它不具备可准确被归类的格式，不同於那些我们所熟知的音乐类型。
如节奏蓝调、灵魂乐、乡村音乐、爵士、嘻哈、摇滚、新世纪或福音歌曲等，因为它不像上述的音乐是以旋律的节奏、拍子的速度、和弦的变化、音域的宽广，以及特定音符的使用，甚至有固定的作曲模式等等来做为判别曲风的依据。
换句话说，就是以弹奏音乐的方式来做为主要的分类标准。
所有被归类的「风」顾名思义就是指一种「作曲的风格」，从来没有一种音乐类型是以歌词的涵义来分类，但这里被讨论的「中国风歌曲」却有这种倾向。
「中国风歌曲」虽然无法定义为一种特定的曲风（因为它可以用节奏蓝调的曲风来演唱，也可以用摇滚的方式来呈现），但只要词、曲、编曲等有符合我刚所说的「广义解释」，即可称之为「中国风歌曲」。
其实一般消费者的认知也是如此，譬如我与杰伦所创作的歌曲《娘子》，其曲风为节奏偏快的R＆B歌曲，旋律上一点也不「中国风」，但因歌词上的用语类古诗词化（如「景色入秋、漫天黄沙掠过、塞北的客栈人多、牧草有没有、我马儿有些瘦」），因此被大多数人归属为所谓的「中国风歌曲」。
近几年来内地消费市场崛起，带动了华语音乐的多样发展，海内外有很多优秀的歌手相继投入中国风的创作。
也因此，中国风已然成为华语流行乐坛上一种可被辨识与归类的「风格」，甚蔚为流行
至於「中国风歌曲」是何时开始被人所创作
或由谁率先带领传唱起的
我个人以为在台湾地区所谓的「中国风歌曲」，早期令人印象深刻的作品，首推一九七三年杨弦在胡德夫的演唱会上发表了由余光中的诗谱成曲的《乡愁四韵》，该歌曲中大量出现如「长江水、海棠红、雪花白、腊梅香」等缅怀内地风光与古诗词较常出现之场景语汇。
这时期所谓的「中国风歌曲」内容多数为因政治因素之隔阂而衍生出缅怀故土的词意（如《唐山子民》：身上流的血，点滴是炎黄，靠这血浓水，天涯薪相传，唐山的子民，啊 ~ 唐山的荣光，阳光照耀处，啊 ~ 血脉永流长）。
此后，随之孕育而出的校园民歌运动方兴未艾，人材济济，在民歌中有相当一部分就具备了「广义解释」定义下的「中国风歌曲」（主要为歌词部分），如李建复的《龙的传人》，王梦麟的《古国今昔》，黄大成的《唐山子民》，以及施孝荣的《赤壁赋》、《易水寒》、《侠客》、《中华之爱》等，还有较后期费玉清的《梦驼铃》与文章的《古月照今尘》等，这些都可算是早期具备「中国风歌曲」元素的创作。
不过，这里必须特别厘清的是，这些校园民歌中的「中国风歌曲」与现今华语流行乐坛所盛行的「中国风歌曲」并无直接承袭的关联，也就是说目前此波「中国风歌曲」的流行并不是这些校园民歌的延续。
如果将视野放至全球华语流行乐坛上来讨论，那麼「中国风歌曲」到底是何时被归类成一种「风格」
又是由何人率先开始创作呢
关於这些问题我们暂且先搁置，容我先介绍二首经典的「中国风歌曲」创作。
一是一九九○年由黄霑填词的《笑傲江湖》电影主题曲《苍海一声笑》，它由中国传统乐器伴奏，豪气干云、潇洒多情；另一个则是一九九二年陈升《别让我哭》专辑里那首有京剧女声的唱腔、词曲非常经典且令人惊艳的《One Night In北京》。
这二首歌当然是「广义解释」下的「中国风歌曲」（如《苍海一声笑》里唱道：沧海一声笑，滔滔两岸潮，浮沈随浪只记今朝。
苍天笑，纷纷世上潮，谁负谁胜出天知晓），甚至由於配乐（古乐器）与唱腔（京剧），显得血统更加纯正，但它们的出现与发表并未引领或造就一波类似曲风的流行。
提出这二首词，旨在说明华语流行音乐一直以来都有所谓「中国风歌曲」的优秀作品出现。
也因此，关於「中国风歌曲」的创始者是谁，这个问题不好回答，也有所争议，因为早期很多港台地区古装连续剧的主题曲，不管是曲风或词意也都是「广义解释」下的「中国风歌曲」。
但如果我们缩小范围仅仅讨论近年来屡屡被媒体所关注、甚至为文讨论的「中国风歌曲」，也就是词曲的主要特色为中西合璧，大体上而言为西式的音乐曲风融合仿古诗词的中式词意，有些则再加上传统古乐器的编曲，那麼在此我只能内举不避亲说，这波「中国风歌曲」的创始者就是周杰伦，或者说是由周杰伦将其发扬光大，开始引起讨论与受人瞩目。
二○○○年杰伦首张同名专辑里的那首《娘子》，可谓是近年来媒体所讨论的「中国风歌曲」之滥觞。
但当初我们并非有意经营这种所谓的中国风，《娘子》的创作真可谓是无心插柳之举，是因为后来市场上给予我们正面的肯定，相当程度鼓舞了我们的创作。
才开始刻意维持著每张专辑必有的「中国风歌曲」（如上海一九四三、双截棍、龙拳、爷爷泡的茶、东风破、双刀、乱舞春秋、发如雪、霍元甲、千里之外、本草纲目、菊花台、黄金甲、青花瓷、无双等）。
其实我跟杰伦第一首「中国风歌曲」的创作应该是一九九九年温岚的《胡同里有只猫》，但这首歌因为传唱度不高，鲜为人知。
真正被人注意而引起讨论的当然非《娘子》莫属，因为「流行」必须具备某种程度的影响力与能见度才能造就流行，我们的创作因为杰伦首张专辑大卖，提供《娘子》这首歌一个绝佳与强势的曝光平台。
或者也可以说是我们的运气很好，正好赶上了内地流行音乐市场成熟的时代，否则如果没有广大的内地市场支撑，我想「中国风歌曲」在台湾乐坛势必不会受到如此大的重视与回响。
这些现今媒体眼中「广义解释」定义下的「中国风歌曲」创作，相对於校园民歌时期的作品，曲风上更形丰富与多变，有摇滚元素如信乐团的《千年之恋》；有嘻哈曲风如麻吉的《我爱周星星》；有节奏蓝调如陶吉吉的《Susan说》等。
其他的代表性作品还有吴克群的《老子说》、《将军令》，S.H.E的《长相思》、《十面埋伏》、《中国话》，Tank的《三国恋》，林俊杰的《曹操》、《江南》，伊能静的《念奴娇》，王力宏的《竹林深处》、《在梅边》、《花田错》，罗志祥的《岁堤春晓》，杜德伟的《红轿子》，南拳妈妈的《牡丹江》、《花恋蝶》，李玟的《刀马旦》，范逸臣的《醉青楼》等等，真可谓族繁不及备载。
这些都还仅只是台湾歌手所演唱的曲目，尚未包括内地与港澳地区的歌手（如内地胡彦斌的《红颜》、《葬英雄》、《诀别诗》、《潇湘雨》等等）。
这股中国风的流行浪潮，据我个人的观察，短时间内并不会那麼快退烧。
因为就歌手专辑企画包装而言，「中国风歌曲」因主题概念明确清楚，MV内容拍摄起来很具画面感与故事性，设定的主轴很容易聚焦，也因此常被拿来当主打歌。
再加上在商业演出与个人演唱会上「中国风歌曲」编舞时有视觉重点，特色容易突出，在媒体报导与分析上也比较有话题性。
所以在歌手专辑内放上一、二首具代表性的「中国风歌曲」，唱片公司一般而言都乐观其成。
这股「中国风歌曲」的流行热潮，可以预期将会随著大中华地区整体音乐环境的成熟，持续在华语乐坛上引领风骚好几年。
最后，附带一提与主旨无关的内文。
我想我可能是天生就对古老的中华文化怀有浓郁化不开的思古情怀，东方古老神秘的传说与丰富悠久的历史文物，一直以来都是我所关注的焦点。
尤其是历史古迹，因为那些历经天灾人祸还能在历史的洪流中幸免下来的建筑，对我个人而言具备了致命的吸引力，彷佛靠近它，就跟历史做了某种神秘的联结。
因为孕育它们的朝代早已灰飞烟灭，只有这些建筑幸存下来，提供给后人一个历史的想像空间。
试想，它们淋过唐代的雨，吹过汉朝的风，见证过我们所无法经历的历史事件，这些是何等迷人的一种想像啊
正因为对历史古迹如此感兴趣，我自己甚至制做了一座将近一公尺宽、二公尺半长的长安城模型。
这是一座属於我自己梦幻中的长安城（因为尺寸与构造都与真正的长安城不同）。
这本《青花瓷——隐藏在釉色里的文字秘密》书里面的图片即为我这座长安城内外不同角度的照片。
这长安城内的建筑都是我所收集到的一些古代民居的模型，但那些小模型屋当初并不是为了组装城池而生产的，它们原本的用途是水族箱里与盆栽上的摆饰物。
那些房屋模型都是我从不同地方零星搜购来的，有从网路上邮购，也有来自台北建国花市，甚至有些是我自己大老远跑到莺歌的陶瓷街去寻宝而来的。
这座长安城内的很多建物，如主要的城墙与城门，其实都是自己与朋友们后期加工制成的，还有很多的细节布置诸如旗帜、地砖、植栽、牌坊、店招等等，也都是自己亲自动手做。
因为市场供需问题，这些东西外面根本就买不到，不会有人开二、三十个不同形式的模具生产这些仿古的小模型屋。
总之这座规模宏大、井然有序的长安城是我与朋友们呕心沥血、废寝忘食打造来的，我想它应该也是海内外的华人模型界里极其罕见的、独一无二的「中国风城池」吧
请各位达人推荐一下类似于班得瑞、神秘园和雅尼一类的New Age音乐家
NEW AGE名家简介 ： 班得瑞 被称为世界花园的瑞士，宛如是造物者从地球彼端分别出来，用以向世人揭示仙境的风光。
那几乎象是童话中的一草一木、一景一物，围圈着人间难得纯粹的圣地。
从瑞士的大地怀抱里，孕生出BANDARI这个梦幻的抒情演奏乐团。
将属于瑞士的湖光山色，在音乐中予以唯美地具象。
每一个音符，都代表层层压缩到内心里的感动、诚恳、温情地。
虽然听似天籁般遥远，却点点滴滴敲着心门。
就象久违的老朋友，仅隔一壶茶，交换着你的故事和他的故事。
奇妙的是，在你们之间几乎没有语言的隔阂和桥梁，有时连音乐本身，也经常被遗忘在你们心的共鸣背后。
当演奏声响起，四下空间里便随着你的心事起伏微妙的变化，空气变轻了，往事变近了。
长久贴在心上的埋怨如今变得连自己也讥笑了，BANDARI的音乐具有为心灵洗涤灰尘，为暗夜点亮灯光，那能量化身为钻石颗粒状的瑞士阳光，夹带着一段段精致堆叠的乐句，不断撞击沉寂已久的灵性。
于是你能重新完成更多生命所交付的课题，在处身周围搭建起你自己的仙境。
BANDARI由一群年轻作曲家，演奏家，音源采集工程师组成的[BANDARI]乐团，在瑞士发迹，于1990年红遍欧洲，乐团的灵魂人物[奥利弗，史瓦兹在德国便是一位多才多羹的音乐人，入乎所有音架领域都看得 到他的足迹．但终生挚爱新世纪音乐的他，选择了贡献一身才华的目的地— [BANDARI]音乐了采集真实的自然界音效，上山下海，甚至露宿山林，对[BANDARI]来说是家常便饭，团员们坚信，唯有瑞士才是[BANDARI]音乐的最佳注脚，而来自大自然的创作灵感也是最具临场感动的。
[BANDARI]的音乐不只是悦耳好听，同时是最纯净，最一尘不染的新世纪音乐典范。
雅尼 Yanni 人们把雅尼（Yanni）称作是一个用音乐讲述生活的人。
从他的身上可以感到古老希腊的浪漫诗意与年轻美国的奔放现代的融合。
Yanni 的作品将高雅的古典交响乐与绚丽的现代电声乐巧妙地结合起来。
他曾说过：“我的目标是用感情与人们沟通，我捕捉到了生活的感受并把它溶于音乐之中，音乐将会给听众带来希望的撞击。
” Yanni出生在希腊南部的一个海滨小镇。
少时因为家境不好，无法受到正规有序的音乐教育，但这并不能抑制他与生俱来的音乐天赋的成长。
他可以不需要任何谱子而仅凭超人的记忆，准确地记下听过的任何音乐中 的每一个音符。
雅尼曾为许多广告、电视片制作配乐（完美的爱人）《I Love You Perfect》是1989年美国电视网电视长片，雅尼承袭他一贯的清新风格，为整部电视片营造出浪漫动人，宽阔自由又略带伤感的乐风，完美呈现出剧情的情境转折及剧中人物的悲喜心绪。
他擅长用电子合成技术将古典音乐以现代人的视角做重新诠释。
在繁忙喧闹的快节奏生活之中，偷得半日闲来聆听Yanni的音乐， 也许可以找寻到一份久违了的轻松和休闲。
作为一个拥有独特创作方式的音乐人，Yanni 不愿被纳入任何流派，他独创着一般魅力独具的音乐潮流。
神秘园 Rolf Lovland(罗尔夫. 劳弗兰):出生于挪威南部的Kristiansand。
他9岁时就组建了乐队，并开始尝试作曲。
他是乐队的作曲、制作人和键盘手。
Fionnuala Sherry(菲奥诺拉. 雪莉):出生于爱尔兰Kildare的小镇Naas。
她成长于一个音乐家庭，很小就开始学习音乐。
她是乐队的小提琴手。
神秘园是一支著名的新世纪音乐风格的乐队，它由挪威作曲家兼键盘手罗尔夫. 劳弗兰和爱尔兰女小提琴手菲奥诺拉. 雪莉组成。
1994年，他们在欧洲歌唱大赛中初次相遇，那时劳弗兰已是知名的词曲作家,由于对音乐有着难以想象的相同的理解，他们走到了一起。
1995年，他们的探路之作《夜曲》一举夺得欧洲歌唱大赛冠军。
1996年4月推出首张专辑《来自神秘园的歌》大获成功，影响遍及世界各地目前乐队已出版了三张专辑。
乐队的主要风格是溶合了爱尔兰空灵飘渺的乐风，挪威民族音乐及古典音乐，乐曲恬静深远，自然流畅，使人不知不觉便已溶入其中。
除了劳弗兰极具想象力的作曲和编曲，雪莉灵气十足的小提琴演奏也是十分值得一提，在成立乐队之前，雪莉还曾为爱尔兰著名歌手谢妮.奥康娜和范.莫尼森的专辑作过伴奏。
他们合作创造的新世纪音乐(New Age Music)，为苦闷的人生带来希望，填补了空虚的心灵。
以该<<夜曲>>为主打曲灌成的第一张C D<<神秘园>>令人耳目一新，也赋予新世纪音乐持久的生命力。
以往，新世纪音乐多是昙花一现就消逝，但这张CD竟能长期留在CD排行榜上，面世一年多，就卖了近七十万张；跟着第二张CD<<白石>>也同样受欢迎，不仅获得欧美乐迷好评，中国的乐迷对他们的音乐更为喜爱，在上海和北京的演出，反应之热烈比得上天皇巨星。
<<神秘园>>是新时代新音乐的标志，让人从无厘头的流行音乐，转而欣赏纯真而富有高尚生活品味的诗意音乐，净化城市人已饱受污染的心灵
劳弗兰这位挪威天才音乐诗人，认为在永恒的世界，只有爱才能够决定我们的命运，让我们以欢歌来迎接新世纪来临，以爱来缔造美好和平的新生活环境。
Bella Sonus 扑朔迷离的迷魂之乐 Bella Sonus是由键盘手Robert Smith以及吉他手Angel Suarez于2000年所组成的二人电子音乐组合。
生于1959.4.21的Robert Smith曾经自组过摇滚乐队，也曾出过个人摇滚专辑，上图就是其乐队的照片。
而Angel Suarez则是一位娴熟的Flamenco(法兰明高)吉他手。
两人的合作令其音乐创作虽然脱胎于Enigma，却又融合了摇滚的激烈与法兰明高的浪漫，拥有自己的发挥和特色。
他们在电子合成器的技巧方面丝毫不逊色与许多 名家大师。
尤其是Robert Smith出色的录音混音技术，使他们的音乐在人声处理上与Enigma各擅胜场。
倘若你喜欢Enigma或者Deep Forest，你一定也会喜欢这支新兴的电音乐队。
Bond 古典辣妹 “她们是音乐的精灵
她们是世界上最杰出的女子弦乐四重奏
”一位纽约资深音乐评论家由衷感叹。
她们就是“Bond 古典辣妹”。
“Bond 古典辣妹”是由第一小提琴Haylie Ecker、第二小提琴Eos、中提琴Tania Davis与大提琴Gay-Yee Westerhoff，四个来自澳大利亚和英国的女孩们组成。
她们美丽、性感、前卫，最重要的是他们秉异超人的音乐天赋和自由不羁的精神。
在乐队成立之时，这四个精灵就决定扬弃一贯以来的古典音乐结构，而将古典音乐其深远的底蕴与世界各地多种多样的音乐元素及现代的数码编曲技术完美的融合在自己的创作中。
无论是加勒比海的拉丁音乐，还是伦敦街头的电子曲风，无论是土著风格，还是东欧民谣，在她们的原创作品中都成了闪耀着生命跳跃的灵性，以及让每一个人情不自禁随之舞动的无形力量
看过“古典辣妹”演出现场的人，很容易通过现场激情四溢的热烈气氛，把她们和曾经风靡中国的另一位“黑发辣妹”陈美联系起来。
其实，她们的经理人梅尔·布什，此前正是陈美的经纪人，她们也正是梅尔·布什和陈美不欢而散后的“换代产品”。
也许，当时梅尔·布什只是想跟陈美赌一口气，但是，这却无意中成全了四个有着远大理想的美少女。
在梅尔·布什的调教和环球唱片公司重金打造下，“古典辣妹”一鸣惊人。
2000年10月用100万英镑制作的处女唱片《诞生》，将古典风格、东方民谣、劲舞和摇滚结合起来。
强劲的节奏、眼花缭乱的炫技、如梦如幻的电声伴奏，令无数年轻人如醉如痴。
出色的音乐才华甚至使她们的专辑一度同时登上古典与流行的排行榜。
但是仅仅靠唱片是远远无法使古典辣妹赢得如此魅力的，性感夸张的形象加上令人疯狂和窒息的现场演出，是她们的另一大法宝。
Suzanne Ciani苏珊·希雅妮 苏珊在1982年发行她的个人首张专辑「爱欲之潮」（Seven Waves）。
至今已拥有十张的个人演奏专辑、个人激光视盘、CF及电视配乐、乐谱册，并获得四次葛莱美奖提名，同时更是Billboard排行榜上「新世纪音乐」（New Age）的常胜军。
这些荣誉无法完全代表聆听苏珊。
希雅妮音乐的感动。
苏珊的音乐创作融合了古典的技巧，并以现代钢琴的表现诠释出简单、轻盈的音乐空间感，彷佛跟大自然合为一气，无限延伸人类的感性想象。
第二张专辑「爱的速率」（The Velocity of Love），苏珊与因电影「火战车」而获得1981年最佳电影配乐奖，并以专辑「南极物语」而在全球拥有高知名度的新世纪音乐电影配乐大师范吉利思（Vangelis）共同合作演奏。
这次的合作机会让他们二人私底下成了无话不说的好友，并且也让此专辑有了极佳的销售成绩。
专辑中的同名主打曲＜爱的速率＞成为苏珊最脍炙人口的代表作品。
此外，专辑更登上了美国著名的新成人抒情电台（New Adult Contemporary）的点播排行榜。
Sarah Brightman莎拉布莱曼 Billboard告示牌排行榜称她为“世上实实在在的绝妙天籁”，她的成就令所有女艺人望其项背，她是雄霸流行古典乐坛巅峰的跨类音乐天后Sarah Brightman(莎拉布莱曼)。
莎拉布莱曼创造了女人所未曾创造过的成绩 ——她是第一位同时登上跨国流行、古典和跨界音乐最高地位的女性。
尽管她的地位和声望都极高,可是一提到月的神秘,她的感觉还是和一般人一样,充满了原始和天真的幻想。
被喻为最强古典／流行跨类天后的Sarah Brightman(莎拉-布莱曼)再创巅峰，推出新世纪全新专辑—《LaLuna》(月光女神)全球版。
该专辑收录15首作品，[月光女神]中,月亮就成了她的灵感来源,她一共以五种语言来演唱,尤其是最后一首[忧郁的星期天]更让大家听到她难得的爵士唱腔。
包括70年代百万金曲“Soarborough Fair”，这首原本是英国传统民谣，因为赛门与葛芬柯二重唱在70年代将它翻唱、收录于电影《毕业生》的原声带中，而成为20世纪最后30年间历久不衰、最脍炙人口的名曲之一。
西班牙最受欢迎的合唱团Meoano1988年的畅销金曲“Hijo De La Luna(月亮之子)”，以神话的口吻讲述一个关于白化症小孩的悲剧，并以天上的月亮与一个吉普赛女人的联结对照来陈述。
最惊奇的是“Figlioperduto”(迷失的孩子)，整首作品庄严中不失动人的旋律，充满戏剧化的张力。
很难想象这首歌曲竟然是改编自贝多芬(1770—1827)的第七号交响曲，配上的歌词与舒伯特的艺术歌曲经典“魔王”相当相似，戏剧性的对话铺陈、悬疑紧张之中带着哀愁的气氛，最后以孩子被黑夜里的魔王(精灵)带走，象征了孩子的殇丧(或更抽象的迷失)。
另一首“A Whiter Shade of Pale”(苍白的浅影)，曾在1967年横扫全球流行乐坛，在英美的各流行榜都荣获冠军，至今已有为数相当多的翻唱版本，“Procul Harum”这首歌最为人称道的是它原曲之中管风琴的运用，相当类似巴赫作品的巴洛克式风味，却充满60年代氛围的迷幻虚无，同时这一首作品长久以来也被视作华丽的Classical Rock里程碑之一。
《月光女神》在美国地区发行首周以五十万张立即挂牌金唱片，并让莎拉首度进入Billboard流行专辑榜Top20，同时三度荣登古典跨界榜冠军，全球战绩亮丽。
集古典与流行舞台剧演唱的百老汇舞台剧天后莎拉·布莱曼千禧年推出精彩的翻唱专绩《月光女神》，再次显示其超凡脱俗的演唱才华与丝丝入扣、纯美无比的声线魅力. Deep Forest森林物语 Deep Forest1992年由Dan Lacksman,Eric Mouquest以及Michel Sanchez三位音乐家创建于法国。
其中Dan Lacksman是制作人，后两位担当演奏重任。
Dan Lacksman是比利时人，生于1950年。
他从1969年起在比利时布鲁塞尔担任录音工程师，1970年开始运用合成音乐器材制作歌曲。
1979年，制作Marc Moulin LIO的专辑，创下数百万张的销售量。
其后又曾为Thomas Dolby, Sparks及Yellow Magic Orchestra制作专辑而名噪一时。
1980年，他成立自己的音乐公司，到1993年，制作了Deep Forest第一张同名专辑，在世界各地创下惊人销售数字。
到现在为止，Dan-Lacksman仍然执着的将他专业的技术与观念，不断地为音乐注入新生命。
而Michel Sanchez及Eric Mouquet则是在联合国科教组织的全力支持下，深入非洲中部的雨林地带，以简单的录音器材将扎伊尔、喀麦隆及中非共和国矮人部落等地的传统民谣记录下来，再以现代化的电子合马乐器掺进现代音乐的质感制作而成。
身为世界音乐的先驱，融合了现代电子键盘乐器、各民族传统音乐以及自己的创作，Deep Forest俨然已为世界音乐界最具代表性的顶尖领导团体。
Enigma的
Deep Forest不仅以各张专辑在英、美、法多国创下金唱片与白金唱片的销售纪录，更获葛莱美与MTV音乐奖等单位之四项奖座的提名肯定，并曾荣获葛莱美奖“最佳世界音乐专辑”大奖。
原本Deep Forest的成立，就是要深入发掘埋藏在全世界角落里的声音，因此他们花费了极大的心力，在这将近十年的乐坛岁月里，Deep Forest走访了非洲、亚洲、中南美洲等十数个未受现代文明污染的地区采集有声样本，将之吸收融合加入强劲有力的流行及舞曲节奏中，以他们自己独特的音乐语汇，将古今东西不同文化相互沟通串联。
谜 Enigma Enigma
谜一般的音乐…… Enigma
一种难以形容的声音…… Enigma
带来令人神往的意境与旋律…… 这是一支来自德国的乐队，以其神秘主义风格吸引了无数乐迷。
神秘主义的主题用现代电子乐来表现，使人产生一种时空交错的奇妙感觉。
其中的人声也非常美妙：女声亮丽动人，如夜莺一般悦耳；男声低沉隐约，令人着迷。
乐队的音乐取材也非常广泛，源于世界各地。
NewAge音乐爱好者都应该非常熟悉“Enigma”这个标志性的音乐品牌，但大多数听众却很难对Enigma的音乐轻易地来一次概括或者下一个确切的定义。
或许另外还有一些朋友并不知道Enigma是何方神圣，不了解他们的风格，但是一旦属于Enigma的熟悉旋律响起，您一定会有似曾相识的感觉。
短歌行特别为大家制作这个“破解Engima之谜”音乐专题正是为了能够让大家更全面地了解他们的音乐足迹与音乐风格。
Enigma源自于希腊文，英语解释为“谜，不可思议的东西”，因此很多国内听众甚至媒体将Enigma称之为“谜乐团”或者“英格玛乐团”。
其实这个称谓并不确切，Enigma只是一个“project studio（策划制作组）”，而非由若干固定演唱成员组成的乐团。
神思者S.E.N.S. 擅写心灵音乐的“神思者”著名音乐作品有《爱情白皮书》和《二千年之恋》，“神思者”从创作《悲情城市》时冒起，他的音乐充满了图画色彩.们是文学家。
旋律如诗、如散文、如歌咏，文雅隽永，焕发美的气息。
一个是玩摇滚出身，一个是音乐学院毕业，两个音乐路线相悖的人结合在一起，已经是不可思议。
他们的音乐却因此时而温柔，时而奔放，更显和谐的奇妙。
他们是画家。
纪录片也好，电影也好，电视剧也好，他们总能顺着剧情和画面，寻找最贴切的音乐风格。
于是乎，一部有一部的经典配乐从他们笔下诞生：海上丝绸之路三部曲、故宫三部曲、悲情城市，更有数不清的日剧。
听着音乐，曾经看过的感人画面却自然而然的浮现眼前。
即便不曾看过的，似乎也能从音符的跌宕中，想象出剧中人的悲欢离合。
配乐精湛若斯，我以为已经不该再用“配”这个字了。
神思者的确无愧于“日剧配乐之王”的美誉! Era 创世纪 Era，英文原意为“时代、世纪”，我自己译名为“创世纪”，是一个风格与Gregorian（格林高利合唱团）接近的音乐团体，其灵魂人物是法国音乐家Eric Levi。
关于Eric Levi，我们所知的确实不多，甚至也只在Era的作品中见过他的名字。
而且他也不属于高产型的音乐家。
Era至今为止仅发行过3张专辑，分别是1998年的《Era》、2001年的《EraⅡ》以及2003年刚刚发行的《The Mass》。
发行数量并不多，但都是颇受欢迎的作品。
Era系列几张作品获得的成功反响，为他与日俱增的名气奠定了优厚的基础。
如果说Gregorian是在Enigma第一张专辑的音乐风格基础上强化格林高利圣歌和宗教元素而发展出来的，那么同样也可以说Era是借鉴与继承了Enigma、Deep Forest、Gregorian等名家的成功元素并加以进化创新而生的。
总体来看，Era与Gregorian两者的音乐类型都是圣歌与现代器乐的融合，甚至乍听起来，还颇为相似。
不过学习并非罪，刻板模仿才是可耻的，毕竟不是每个人都能如Enigma那样能开一派之先河的。
如前所说，Era本来就是对前人成功经验的继承和发展，关键在于比以前是否有所突破和变化。
而经过市场考验的结果是上，Era成功了。
比起Gregorian全男班的阵容（Sarah Brightman的献声毕竟是少数），Era无论在和声还是领唱上，都加重了女声的成分，因而整体风格都显得更柔和、更温暖。
我觉得Gregorian的歌声像高居圣坛之上的肃穆之歌，多少有点儿“可远观而不可亵玩焉”；而Era的则更人性化，像是就在我们身边的平民歌声。
这里并无任何褒贬之分，纯粹只是我个人感觉上的不同罢了。
而且由于女声的加重，Era的声部明显比Gregorian来得更丰富，而且女声领唱的戏分更重了。
此外，Gregorian很注重乐曲的整体氛围的营造，而Era的曲子旋律性更强，很易上口，感觉上更流行化一些吧。
这也许正是Era成功的秘诀之一。
Vangelis范吉利斯 一位堪称伟大的音乐家。
他集创作，演奏和音乐制作于一身，是一个真正的音乐全才，被人们誉为“现代的瓦格纳”。
早在1973年，电子音乐刚刚起步，大家就连Newage为何物都不甚明了之时，他已经用电子合成器开始了自己的音乐探索。
他的许多史诗般的电子音乐作品和电影配乐皆深得乐迷们的钟爱，其中最知名的作品如1981年的 《Chariots Of Fire(烈火战车)》，1983年的《Theme from Antarctica(南极物语)》，1992年的《1492～Conquest of Paradise(哥伦布传)》等等，都是享誉全球的巨作。
其中烈火战车以及哥伦布传更都荣获当届的奥斯卡最佳配乐奖，确实实至名归。
Vangelis的作品多达数十张，但他的性格与Micheal Cretu差不多，都喜欢过着近似隐居的生活，埋首于自己的音乐创作之中。
所以他的名字可能很多人都并不熟悉，但他的作品从不曾耳闻的人我猜可能不多。
事实上，他的许多音乐，比如以上的三大作、Pulstar(脉冲星)、喜马拉雅山等等，都曾被不计其数的影视作品甚至广告引用过。
相信许多人听过他的专辑后可能都会发出恍然大悟的“哦
……” Chris Spheeris 浪漫而潇洒的绅士，英俊的面容后面是一位杰出的音乐作曲家和演奏家。
从小多才多艺的他，八岁就能在画布上画抽象画，十一岁开始尝试写诗，十二岁便抱着他自己的吉他为其写歌，到了十五岁他开始将其诗作谱上曲韵后，正式开创了他的作曲生涯。
后来在70年代末80年代初，他遇见了另一个吉他手Paul Voudouris，之后便开始学习其他的乐器，比如键盘和贝司等。
1985年他和著名的哥伦比亚唱片公司签约，并推出了个人第一张专辑
其实，Chris Spheeris已浸淫New Age乐界达十年之久，只因缺乏跨国唱片公司集团作有计划的密集宣传，才会在知名度上逊于其他音乐家。
但就音乐的质感而言，他重现爱琴海滨历史氛围的功力可说无人能及。
由于对宗教仪式特别感兴趣，他在旋律创作上受东正教、希腊民谣的影响极深。
年轻时他尤其喜爱披头四、德彪西的音乐，大学时期远赴英国钻研哲学的经历更让他始终念念不忘希腊文化的根源，再加上嗜爱以旅行来观察欧洲各地的风土人情，也难怪他的专辑名称总是从探索人类心灵活动或怀想古文明风采的角度出发了。
他轻车熟路的驾驭着希腊古典美态的音乐，同时给这种迷人的音乐灌入了各种世界音乐、古典音乐和民间音乐，从而产生了属于他自己的音乐，一片由吉他和钢琴为主乐器，以柔慢而稳定的节奏来演绎的浪漫，轻缓却没有丝毫拖沓和迷废的音乐空间。
听他的音乐是一种休闲和回忆的享受，更给与我们一种的全新的安逸享受氛围
Chris Spheeris目前共推出过12张专辑，虽然数量难比前两位，但在AMG All Music上也获得了甚高的评价。
马修连恩（matthewlien） 1990年，25岁的Matthew发表了自己的处女作《MusicToSeeBy》，一鸣惊人。
Matthew音乐中表达出的冰山、湖水等育空风景令听众有直观之感，Matthew也凭此获得育空杰出人士的荣誉。
此后的4年时间里，Matthew一口气发表了《InSoManyWords》（无以言尽）、《VoyagetoParadise》（天堂之旅）、《TouchingtheEarth》（感受大地）以及《CaribouCommons》（驯鹿宣言）等四张作品。
这些作品一脉相承地展现了Matthew的音乐思想。
其中，前三张专辑还是在表达自然风景，而第四张《CaribouCommons》则标志着Matthew音乐道路的突破，它与接下来的《BleedingWolves》一起，成为Matthew的经典之作。
1994年，Matthew凭借单曲“BleedingWolves”拿到了极光奖“最佳原创音乐奖”，1995年，他又获得极光奖四项提名，并拿到“杰出音乐创作奖”和“音乐类杰出个人奖”，可谓硕果累累。
Matthew并不光做自己的音乐，1993年，他担任专辑《LouiseProfeit－LeBlanc》（原住民故事）的制作人，同年他还制作了北极及加拿大运动会专辑《LifeCycle》。
1994年，为《YukonGold》（育空之金）配乐制作等。
1997年，已经名扬天下的Matthew来到中国，探访东方文化的神韵。
这一年，他与中国音乐家们共同探讨音乐，还研究了一些他过去从未听过的东方古乐器。
散发神秘魅力的古乐器令他如痴如醉，并迅速把这些成果运用到他的新专辑《Confluence》（汇流）中去。
中国乐器的造型简单，取材于大自然，有着宽广的音域、动人的音色。
Matthew灵感突发，把他原本陌生的亚洲乐器与已经烂熟于胸的西方乐器巧妙融合，令《Confluence》相当特别。
《Confluence》完全摒除了电子合成乐器，而是用大量的东西方乐器营造出最真实的画面。
Matthew用中国二胡与提琴呼应，用中国唢呐与萨克斯风搭配，用箫与爱尔兰笛应和，用琵琶与班纠琴融合，搭配出天衣无缝的整体效果。
《Confluence》的录音工程浩大，有多达50多人参与录音，最后还由混音大师BernieGrundman进行制作，使之成为Matthew音乐生涯里的又一高峰。
Matthew的音乐虽然被人们称为是环保音乐却有别于“激进”，他只是把手中的乐器幻化为摄像机，真实地记录下自然的各个角度，然后作为记录片播放出来。
重视“呈现”而不是“说服”，是Matthew音乐“世界观”层次上的特立独行，也正因此，人们受到的震撼反而越大：那种消除了一切语言、文化、地域隔阂的公正、尊重与融合，使听Matthew的音乐变得轻松起来。
随着时代的发展，Matthew所倡导的环保概念正越发深入人心，而他的音乐正像窖藏的美酒，愈久弥香。
陈美 陈美是当今少数成功的前卫小提琴演奏家之一，她那狂野奔放的新新人类形象横扫流行和经典两界，征服无数年轻乐迷，那一把电子小提琴更是艳光迸射，可以狂飙出令人血脉贲胀的效果。
其实，陈美的“离经叛道”形象在乐评界一直见仁见智，有人惊奇、有人激赏，也有人誓死难以接受。
然而透过唱片公司标新立异的包装背后，明眼人都可以看出陈美一身扎实的小提琴基本功。
可反映出她对古典传统作品的触觉和修为，叫不曾深入了解陈美另一面的人大跌眼镜. 恩雅 Enya 恩雅高雅的举止就象从童话故事中走出来的小公主似的。
她穿着天鹅绒的晚礼服，话语温柔的说着带给她创作新专辑The Memory of Trees的灵感。
“那时我想到了爱尔兰的神话，德鲁伊特教僧侣将药草汇集在树下，他们甚至住在树林里。
如果我们能够理解这些树木，我们就能通过大自然的眼睛看到远古的故事。
我们就能领悟到更多。
” 恩雅目前的作品就是这第三张个人专辑。
这张充满了这位爱尔兰歌手独特而富有神秘感的声音的专辑是继恩雅的获得举世成功的Watermark (1988)和Shepherd Moons (1991)之后的又一张专辑。
因为这些高费用制作的歌曲都是在都柏林市郊恩雅自己的工作室里制作完成的，需要通过上百次的多声道技术合成覆盖声音，所以这种制作方法需要时间，耐心和一个完美的团队。
恩雅1962年出生于Donegal郡的Gweedore，她是六个孩子中最小的。
十八岁时她加入她的哥哥姐姐，成为著名的乐队Clannad的歌手和键盘乐器演奏者。
在恩雅二十岁时，Nicky 和Roma Ryan夫妇——制作人、词作者、经理人——将这位富有天赋的音乐家置于他们的庇护下。
六年来他们以恩雅的风格作为基础一起创作着。
多年来Roma一直在收集各种日记，随笔，诗歌，故事。
现在她将这些作了改变，使之成为恩雅的歌词。
歌词主要涉及古老的赞美诗，神话，精灵，天使，传说中的人物，同时也涉及信仰，希望，鼓励以及一些新奇的领域。
“在我的歌曲中我可以去我想去的任何地方，我可以自由的飞翔，漂浮，游动。
Roma的歌词给了我这种美妙的可能性。
” 事实上，恩雅不会游泳。
她喜欢在都柏林附近的山中漫步。
“我经常工作很长时间，有时工作到很晚，我几乎迷失在工作中。
” 这个大自然的忠实热爱者的带有灵气的音乐有时被人们笑称为“新时代产物”或者被划入“民间音乐”。
这使创作者不是十分开心。
“我的音乐属于各个领域，它可以是新时代的，古典的，流行的。
我不认为我的音乐可以简单的划入某个范围，我的音乐是独特的，它就是它。
恩雅的独特的音乐为她带来的物质成果是可观的。
恩雅由此获得了两座别墅，工作室，以及一些马匹。
恩雅很少看书，她只听她自己
梁启超的事迹
梁启超（1873～1929） 近代思想家、文学家、学者。
字卓一字任甫，号任公、饮，别署饮冰室主人东新会人。
幼年时从师学习，“八岁学为文，九岁能缀千言”（《三十自述》），17岁中举。
后从师于康有为，成为资产阶级改良运动的宣传家。
戊戌变法前，与康有为一起联合各省举人发动“公车上书”运动，此后先后领导北京和上海的强学会，又与黄遵宪一起办《时务报》，任长沙时务学堂的主讲，并著《变法通议》为变法做宣传。
戊戌变法失败后，与康有为一起流亡日本，政治思想上逐渐走向保守，但是他是近代文学革命运动的理论倡导者。
从戊戍变法前一两年开始，梁启超与夏曾佑、谭嗣同等便提出“诗界革命”的口号，并试作新诗，但此时的新诗只不过是“挦扯新名词以表自异”的作品。
逃亡日本后，梁启超在《饮冰室合集》、《夏威夷游记》中继续推广“诗界革命”，批判了以往那种诗中运用新名词以表新意的做法，提出“以旧风格含新意境”的进步诗歌理论，对中国近代诗歌的发展起了指导作用。
在他的理论影响下，黄遵宪等一大批新派诗人出现了。
梁启超在自己的诗歌创作中也努力实践新的诗歌理论，他的诗作留存不多，多数创作于流亡日本时期，但是用语通俗自由，敢于运用新思想、新知识入诗，诗风流畅。
《爱国歌四章》、《志未酬》等诗感情真挚，语言明白晓畅，是其诗论的较好体现。
梁启超于提出“诗界革命”口号后又提出“小说界革命”的口号，并在创作上进行了积极的有意义的尝试。
与 诗歌、小说、戏曲相比，梁启超在散文方面取得的成就要高得多。
以他于1896年《时务报》到1906年《新民丛报》十年内发表的一组散文为标志，完成了资产阶级改良派在散文领域的创举——新文体的确立（亦称“新民体”）。
梁启超“夙不善桐城派古文”，在散文的内容与形式上都进行了重大突破。
他的散文或揭露批判黑暗丑恶的现实，或为祖国的现状忧心忡忡，或引进西方先进的思想与科技，积极呼吁变法自强，将散文作为其变法思想的宣传工具。
在形式上，他的散文议论纵横、气势磅礴，笔端常带感情，极富鼓动性，“对于读者，别具一种魔力”；语言半文半白，“务为平易畅达，时杂以俚语、韵语及外国语法，纵笔所至不拘束”代表作《少年中国说》，针对中国现状，分析透彻，说理条理清楚，运用一连串比喻、排比等修辞手法，行文一泻千里，文章呈现出大气磅礴的风格。
故梁启超散文的影响极大，“每一文出，则全国之身目为之一耸。
”以梁启超散文为代表的新文体是对桐城派以来散文的一次解放，它的出现为中国古典散文向现代散文尤其是“五四”时期的白话文转化作了必要的准备。
值得注意的是，梁启超还是一位学者，他的《清代学术概论》在清代学术史上占有一席之地。
求陶渊明论文
论陶渊明的诗歌美学风格[摘要] 陶渊明在对诗歌的审美特性的认识上，有自己的思想渊源和古朴的文风。
首先，他强调：“质性自然，非矫厉所得”，这是儒道美学思想在文艺观中的反映；其次，他主张“衣沾不足惜，但使愿无违”，提倡语言洒脱恬淡，诗化日常生活，用田园诗、山水诗表达诗人主体对田园山水客体的审美；再次，他崇尚“复得返自然”的心境，认为诗要有自然地基调、人要有自由的思想和人性归复的性情。
这一审美原则源流于老子“和光同尘”的美学思想。
[关键词] 陶渊明 诗歌 美学The theory of Tao Yuanming's poetry aesthetic style[Abstract] Tao Yuanming in the understanding of the aesthetic features of poetry, have their own thoughts origin and the style of of primitive simplicity. First of all, he stressed: qualitative nature, not the proper and complete income, this is in pf of confucianism aesthetic thoughts; Second, he argued that the clothes stained with solicitors, but would make no violations, advocating language is calm, free and easy, including daily life, express the poet in pastoral poems and landscape poems of aesthetic subject of rural landscape object; Again, he advocated after return to natural state of mind, that poetry will have naturally tone, people will have the freedom of thought and adapt to human nature of temperament. The aesthetic principle origin in Lao zi bland aesthetic thought.[Keywords] Tao Yuanming poetry aesthetics目 录引 言1一、强调“质性自然，非矫厉所得”1（一）美学观形成的道家思想源流........................................................................1（二）美学观受儒家美学思想影响........................................................................1二、主张“衣沾不足惜，但使愿无违”1（一）诗歌审美形态下的语言意象........................................................................1（二）诗歌审美形态下体现的风格........................................................................1三、崇尚“复得返自然”的真我性情1（一）人性归复观引导下真我性情的探究............................................................1（二）人性归复观对后世审美形态的影响............................................................1结 语1参考文献1谢 辞1引 言由于道家哲学观认知度的提高和大型电视剧《陶渊明》的摄制，一个具有道家朴素辩证思想的中国文人——陶渊明，逐渐被人们熟知和喜爱。
他在散文领域的成就是无与伦比的，人们每当谈起陶渊明便会想起他的散文辞赋，却忽略了他的诗歌和其朴素的美学理论。
晋宋以降，很多人对陶渊明诗歌做了搜集整理和考证的工作，到了近代人们逐渐从研究作品本身提升到体悟作家美学思想上来。
只是研究作品本身不能完全汲取作品的养分，从而不可避免地导致对陶渊明文艺美学理论的忽视和对作品认识上的不足。
他是具有道家朴素辩证思想的哲人，在我看来陶渊明不仅是杰出的文学家，而且是杰出的文艺美学家，在对诗歌审美特征的认识上，陶渊明有自己的思想见解和古朴的诗文风格。
一、强调“质性自然，非矫厉所得”（一）美学观形成的道家审美源流陶渊明具有朴素主义的思想和唯物主义的精神。
基于此，他重视文学对自然和自然规律的关注，对人生所做的哲学思考。
他在《归去来兮辞序》中写道：“质性自然，非矫厉所得”。
在《形影神》中，他抱着“纵浪大化中，不喜亦不惧”的精神对待文学和生活。
可见，所谓“纵浪大化中”的目的在于思考和解释人生存在和生死等哲思问题。
从而达到“不喜亦不惧”的功效。
陶渊明晚年曾写一首《自祭文》，诗歌最后说：“不封不树，日月遂过。
匪贵前誉，孰重后歌
”，孰重后歌的原因十分明确，写诗就要充分坚持诗歌的自然本色，与浮文妨要、虚谈废务的体例划清界限，不能一味地阿谀奉承、粉饰太平。
陶渊明在向朝廷申诉辞官归隐的原由时说：“归去来兮，请息交以绝游，世与我而相违，复驾言兮焉求
”，这说明陶渊明确是彻底体悟到了世俗社会与自己崇尚自然地本性是不相符的。
他不能改变本性以适应世俗社会的观念，再加上对政局的失望，于是坚决辞官。
他的《五柳先生传》《归园田居》等诗作正是在这种思想的引导下创作的朴素主义名篇。
陶渊明在《答庞参军》中写道“物新人惟旧，弱毫多所宣，情通万里外，行迹滞江山。
君其爱体素，来会在何年
”作者把道家隽永的哲思注输在文章的内容中，强调洒脱自然心性的重要性。
“行迹滞江山”与“质性自然，非矫厉所得”的精神完全一致，都是道家朴素主义思辨观在陶渊明文艺美学理论中的体现。
（二）美学观受儒家美学思想影响陶渊明诗歌具有儒学审美形态，在于其年幼时外祖父给他提供了的阅读和了解历史的机会，其阅读了大量的儒学典籍，使他具有了“猛志逸四海”、“匪道曷依，匪善奚敦”的志趣。
陶渊明熟谙儒学，其诗歌中引用论语经典就达37处之多。
陶渊明关于审美形态下的品德准则，比较集中地反映在《咏贫士》中：“好爵吾不荣，厚馈吾不酬。
……朝与任义生，夕死复何求。
”在这里陶渊明本着“与仁义生”的原则，精炼地阐述了安贫与求富在他心中的考量。
人生过分追求富贵，则不能符合“与仁义生”的精神准则。
作诗仅仅满足于对世俗的歌颂、阿谀奉承，则不能完全体现诗歌的审美效果。
诗歌要有真性情、人要有不阿谀的品行，这就是陶渊明主张的诗歌与人性共同的本质特点。
二、主张“衣沾不足惜，但使愿无违”陶渊明关于诗歌审美形态下的语言、题材及所体现的风格，比较集中地反映在其创作的田园诗中，作者在《归园田居五首》（其三）中写道：“道狭草木长，夕露沾我衣。
衣沾不足惜，但使愿无违。
”在这里，陶渊明本着语言洒脱，诗话生活的原则，精炼地阐述了在审美上诗人主体和田园山水客体的关系。
诗歌如果过分追求华美，则不能体现诗歌自然的情趣和风格，只有抓住客体意象的本质，才能达到诗人主体与诗歌客体之间的和谐统一。
纯真的性情是陶诗之体、自然的语言是陶诗之用。
钟嵘《诗品》曾叙述说诗歌的最高造诣，应该是“使味之者无极”，唯有陶渊明诗歌是这样的。
对陶渊明诗歌审美形态下的语言题材及对诗歌风格的见解，我们可以从以下两个层面进行分析：（一）诗歌审美形态下的语言意象其一，诗歌语言要洒脱恬淡。
陶渊明在《归园田居五首》（其一）中写道：“狗吠深巷中，鸡鸣桑树颠。
户庭无尘杂，虚室有余闲”。
这是陶渊明在江西彭泽做县令不过八十余天，因“不为五斗米向乡里小儿折腰”而挂印归乡时所作的。
“虚室有闲”，意谓着语言洒脱恬淡，就是要符合自己的心性，不粉饰、不浮夸，传达出作者对文学语言朴素的见解和要求。
陶渊明以平实的生活写诗，诗话人生，从写庭院景色转笔写情，在虚静的居室中悠闲地生活，令人感慨万千。
而过分追求社会名利的人，则被陶渊明讥之为乡里小儿，足见陶渊明对官利社会的厌恶，对民风不古的痛彻。
而社会粉饰阿谀的文风又无法改变，所以只能借助于诗文，表达出对诗歌语言的内在心愿。
陶渊明语言平实的观点，也体现在他其他的诗作中。
在《拟古》中写道：“翩翩新来燕，双双入我庐……自从分别来，门庭日荒芜。
”春天到了，燕子翩翩飞回我的草庐，自从分别之后，门庭日渐荒芜。
陶渊明在诗歌中描写的大多是生活中日常之物，所用意象如燕子、草庐、门庭等也没有什么特别之处，但平淡中见绮丽，因此其诗作长久的被人提及，而那些只注重形式的作品则被人们所鄙弃。
其二，诗歌意象要准确得体。
陶渊明的诗歌笔调宽旷，感情冷峻沉痛，同时包含了一颗爱国思民之心，大为后世推崇。
陶渊明诗歌构思别致的重要原因在于，其诗歌所引用的意象精致深刻。
他继承了我国自《诗经》《楚辞》以来比兴的手法，引用大量的比拟意象，如《诗经》中的《魏风·硕鼠》和《楚辞》中的《橘颂》就是用比体来写实的作品。
陶渊明继承和发扬了《诗经》和《楚辞》大量引用意象，运用比兴的手法。
在他的作品中，大量使用“鸟”这一意象，以归鸟喻自己回归田园。
陶渊明在《饮酒二十首》（其四）的首句写道：“栖栖失群鸟，日暮犹独飞。
”用比喻的手法，暗喻自己从尘网回归到自然之乐，表明对现实政治的不满和对田园生活的歌颂。
陶渊明以孤鸟自比，形象生动地描绘了自己从尘世解脱之乐，比直接叙述更加令人深思，意蕴绵长。
他在《归鸟》四言诗中，也舒发了相似的情感，如“翼翼归鸟，晨去于林，远之八表，近憩云岑。
”同样抒发了作者倦而知返的情怀。
这种借鸟之归栖来比喻世俗社会黑暗的诗句在他的其他作品中也不少见，如在《归去来兮辞》中，他强调“云无心以出岫，鸟倦飞而知还”；又如《归园田居五首》中的“羁鸟恋旧林，池鱼思故渊”。
他在引用“鸟”这一意象的同时，还采用强烈的对照手法，来强化所引用意向的效果。
“酒”这一意象在他的作品中也大量出现。
大致在魏晋之前，社会以儒学及儒家思想为主导和核心，中国人一直相信“天”的支配作用。
这是凌驾于个体生命之上的绝对权威，但在东汉之后，遭到广泛质疑。
于是个性解放由此产生，在文学层面，也就有了关于“以人为本”的主题。
但旧的困境无法瞬间摆脱，新的背谬和问题又相继提出，因此诗人们不断发出感叹：“人生天地间，忽如远行客”（《古诗十九首》）；“人生若尘露，天道邈悠悠”（阮籍《咏怀诗》），这是有限人生对无限存在的回应与感慨。
在社会“大化”变迁之中，诗人无以找到“心远地自偏”的境地，因而使得生命充满焦虑和矛盾，于是他们独钟于玄学，倾心于饮酒。
在陶渊明作《饮酒二十首》（其五）中，我们不难想象到一位微醺的，飘然如神仙的诗人在自己的庭院里采摘菊花，偶尔抬头远望，恰好与庐山相会，陶渊明所述的“悠然”不仅属于山，更属于人。
陶渊明把日常生活琐事、平实意象，都写入诗歌当中，而又显得质朴率真，这是陶渊明诗歌的高妙之处，他借意象清晰地表达出不流于世俗的高尚精神。
（二）诗歌审美形态下体现的风格东晋以来，文人墨客喜欢用玄理写诗，然而大多诗作哲理浅陋、平乏无味，被后世之人大为鄙弃。
唯有陶渊明的诗哲理意趣并在，情深意隽，大为后人赞赏。
而后世对于陶渊明与文人玄士评论迥异的根本原因在于，陶渊明对于理的追求以及对理表达的方式高于后者。
陶渊明认为诗要有自然之理、有自己的风格。
陶渊明在《饮酒二十首》（其十四）中明确提出诗歌要体现真性情，“故人赏我趣，挈壶相与至，”这两句既点出饮酒的情由，又道出了作者性情的质朴。
他在自然古朴的田园生活中领悟到了生活的真谛，得到了精神的满足，而在诗歌中的体现，即是淳厚质朴的文风；陶渊明对“自然之理”的追求，显然受到了老庄崇尚自然思想的影响。
他在《饮酒二十首》（其十四）的后半部分写道“不觉知有我，安知物为贵，”在酒过三巡之后，自我意识已经消失，外物对于自己的羁绊更是无从谈起，诗人在醉意中达到了“超我”的心境，以酒中的“深味”收笔，浑然天成。
诗人把玄理的表达与饮酒、复醉的生活情趣结合起来，使生活和玄思完美的结合，相得益彰。
陶渊明很赞美贫士的品行，他在《咏贫士七首》（其五）中说“袁安困积雪，邈然不可干。
”以袁安居前积雪映高士开笔，又书之“岂不实辛苦，所惧非饥寒。
贫寒长交战，道胜无戚颜。
”一种穷且益坚的高昂之势跃然纸上。
天降大雪，而袁安僵卧不去乞要，他对来巡视的县令说：“天下大雪，人们都饿着，我不能再去麻烦大家。
”在这里作者把视觉、触觉、和感觉所产生的复杂作用结合在一起。
达到了一种审美上的中和和心灵上的超脱，他的作品确是充满自然质朴气韵的佳作。
三、崇尚“复得返自然”的真我性情 （一）人性归复观引导下真我性情的探究陶渊明在《归园田居五首》（其一）中云：“久在樊笼里，复得返自然。
”诗歌与人生是两种不同的形式，但陶渊明认为他们之间有着共同的美学标准，即“久在樊笼里，复得返自然。
”自然意谓出于质朴、无需人为雕饰。
凡出自“自然”者，必体现作者的本心，给人以“自然清新”之感。
陶渊明在写作诗歌的时候，常常用古朴、自然作为其审美的标准。
如《归园田居五首》（其二）：“时复墟曲中，披草共来往。
”《乙巳岁三月为建威参军使都经钱溪》：“园田日梦想，安得久离析。
”《归园田居五首》（其三）：“道狭草木长，夕露沾我衣。
衣沾不足惜，但使愿无违。
”在陶渊明看来，古朴自然的人生可以不计较个人荣辱得失，古朴自然是诗的生命，是审美的最高准则。
陶渊明提出的古朴、自然的审美标准，实际上包含了两个方面的内容：其一，情感质朴。
陶渊明自道其田园生活的体会：“山气日夕佳，飞鸟相与还。
此中有真意，欲辨已忘言。
”（《饮酒二十首》），他又在《饮酒二十首》（其八）一诗中自述酒后生活的情境：“提壶挂寒柯，远望时复为。
吾生梦幻间，何事绁尘羁。
”寄情于精神世界，树立了一个挺立高尚的人格。
陶渊明在很多诗文中，歌颂的莫不是具有质朴精神的人，他也把真我的性情作为写诗的重要标准。
如《癸卯岁始春怀古田舍二首》中写道：“日入相与归，壶浆劳近邻。
长吟掩柴门，聊为陇亩民。
”“日入”二句最为真切，前句说的是结伴一起回家，后句写用壶浆来慰劳邻里的朋友。
只有情真才可以感人，才能有所共鸣。
陶渊明一生穷困潦倒，他那些怀古之作，如“清歌散新声，绿酒开芳颜。
未知明日事，余襟良已殚。
”（《诸人共游周家墓柏下》），确是催人泪下。
多次被举荐入仕，又多次辞官归隐，其在《归去来兮辞》中云：“归去来兮，请息交以绝游。
世与我而相违，复驾言兮焉求。
”而在田园生活中，其欣喜之情溢于言表，其诗云：“谈谐终日夕，殇至辄倾杯。
”（《乞食》）他确是一位敢于直言真情的诗人。
陶渊明在《饮酒二十首》第九首中写道：“一世皆尚同，愿君汨其泥。
”田父劝他做官，他却表示决不与世俗同流合污。
苏轼评论陶渊明诗：“渊明独清真，谈笑过此生。
”“有士常痛饮，饥寒见真情。
”他与陶渊明的心意不谋而合，陶渊明对那些虚情假意非常不满，对千古的士人社会评论说：“千载非所知，聊以永今朝。
”（《己酉岁九月九日》）其二，意境质朴。
意境是情景交融的艺术创造，它能引起作者丰富的联想和想象。
陶渊明的“复得返自然”概括了意境的含义，认为诗歌应有自然超凡的意境。
他称赞贫士的诗：“闲居非陈厄，窃有愠言见。
何以慰我怀，赖古多此贤。
”陶渊明认为古代贤士像太阳一样，给他信心与希望，不汲汲于富贵，所以无论是早晨的太阳、秋天的白露或是冬天的明月，都是质朴美好的。
质朴自然的审美意境为他的诗歌创作提供了坚实的理论支撑。
（二）人性归复观对后世审美形态的影响陶渊明对老庄深邃自然的思想有很深的层次的理解，为后世士大夫筑了一个可以使心灵得以宁静的精神家园，达到诗歌与内心世界真善美的统一。
陶渊明与他创立的田园诗派，对后世诗歌创作产生了巨大影响。
在陶渊明的影响下，钟嵘成功地把庄子“天下有大美而不言”等美学思想引进到诗歌美学领域，钟嵘在《诗品序》中提倡的“真美”与陶渊明提出的“自然”思想同出一辙。
在陶渊明的哲学思想中，最高的范畴也就是“道”和“自然”。
唐代王维被称为山水田园诗派的代表人物，他批判地继承了陶渊明诗歌的灵魂和精髓，以诗入禅境，最终达到以物观物、物我两忘的高度，如“空山新雨后，天气晚来秋”（《山居秋暝》）。
陶渊明诗歌对宋词的产生和发展产生了深远的影响，使得宋代诗词更加关注诗人内心较为抽象的矛盾和情感，以范成大为代表的农事诗便是对陶渊明别样的继承，宋代词人苏轼提出“是万物之盛衰于四时之间者，皆其自然，莫或使之。
”苏轼提倡的“自然之数”、“文理自然”等理论也正是陶渊明“复得返自然”思想的理论创新。
陶渊明追求的自然之理，实际正是以他最理想的“道”和“自然作为他美学追求的最高标准。
结 语陶渊明深受中国古典文化的影响，他的创作即具有文学性，又隐喻着深刻的哲思。
年幼时家庭开始衰微，经历了晋宋易代之际的动荡时局，但外祖父给他提供了阅读和了解历史的机会。
他不仅学习儒学，而且熟谙老庄之道，能熟练运用《老》《庄》等各种典故，儒学功底在其诗作中可见一斑，使其具有“猛志逸四海”和“性本爱丘山”的两种志趣。
陶渊明对于中国古代的哲学典故，并不是全盘照搬，而是通过自己的理解，加以变通修饰。
他的创作，字里行间流露出对隐士生活的热爱和对官场社会的鄙夷，其深刻的文艺美学哲思对中国古典美学的形成产生了深远的影响。
陶渊明的诗歌、散文创作，达到了文学、哲学、文艺美学的高度统一，对儒道等中国古典文化兼收并蓄。
作品中的“酒”、“月”、“菊花”等象征意象，成为中国历代文人创作中的经典和典型的意象。
其作品的文艺美学价值不言而喻，诗文源流广泛、影响深远。
陶渊明深受道家思想的影响，其创作意境深邃，而他的创作并不是一味的消极避世，而是受到了晋宋易代之际历史、社会的制约和影响。
在诗歌方面，沿袭魏晋古朴之风，使诗歌进入更纯熟的境地，不再是老庄思想的枯燥注疏，使玄言诗达到了新的高度；开创了田园诗派，将“自然”提高到了一种美的至境。
在散文方面，付之以大量的哲学思考，古为今用，展现了静瑟的散文之美，为后世士大夫筑了一个可以使心灵得以宁静的精神之巢。
陶渊明的作品今存121首，但是诗歌简短精炼，立意深邃自然。
其作品引用《论语》典故37处，引用《老》《庄》典故有77处之多，既展现了文学和文艺理论之美，又展现了他清高耿介、淳朴善良的人性美。
陶渊明即是晋宋之际的文学家，又是杰出的文艺美学家，思想深邃质朴，使之成为了一个令人永不生厌的话题。
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泰戈尔文集的主要内容
关於泰戈尔 泰戈尔于公元一八六一年五月六日，生于印度加尔各答，死於 公元一九四一年八月七日，一共活了八十岁。
他的父亲名叫德本，母亲名叫萨拉达，兄妹一共十人，他是最 小的一个。
他於二十三岁时结婚，生有二子三女，於三十岁前后，后的长 女次女相继夭折，幼子殇亡，妻子也逝世了，这种极度的伤痛， 使他的思想和作品达到了最高的境界。
他於一九一三年，以『颂歌集』获得诺贝尔文学奖金，这是东 方人获得这项荣誉的第一人。
一九一二年曾携带自己英译『园丁 集』，游历欧美各国，并在各大学讲演，深受欢迎。
一九一五年 英皇以爵士荣衔。
一九一六年游历日本，一九二0年再赴欧美。
他於一九二四年来到中国讲学，深受我国人士欢迎，并与当时 我梁启超、胡适、徐志摩等人，结下很深的友谊，梁启超并给泰 翁取了个『竺震旦』的中国名字。
泰翁亦以此事为荣，对中国更 产生深厚的感情。
他曾在病塌上写一首纪念中国的友情诗： 在异乡开著不认识的花朵，它们的名字也生疏， 异乡的泥土是它们的祖国； 但在灵魂的乐土里， 它们的亲属，却受到了热烈的欢迎。
从以上的诗句里，我们可以看出，泰翁对於中国的真实感情。
在泰翁的著作里，最使我醉心的，是他的诗集。
他的诗不但充 满了哲理和智慧，而且对人生表现了最大的热爱与关怀。
读他的 诗，有如咀嚼橄榄，啜饮玉液，并不像艾略特那些诗作，艰深难 懂，晦 不堪。
自从泰翁来华之后，也同时掀起了中国文坛上的 狂热。
许多书店均抢著翻译他的著作，但均流於草率，而且零散 不全。
如郑振铎为当时对泰翁颇有研究的人，亦不免错误百出。
直到来台之后，糜文开先生的译本问世，泰翁的诗作，才算有了 一个全貌。
而且译笔严谨，十分值得信赖，给我的译文，实在作 了很大的铺路工作。
泰翁的诗作，一共有八集，尚有『落日之歌』仍付阙如，原因 是在台湾无法找到原本，去年我曾托人到国外去找，亦未如愿。
好在此篇是泰翁的早期作品，亦诗集里最脆弱的一环，对於读者 的损失并不太大，将来有机会我一定会把它补上。
我对泰翁的作品，虽然下过很大的功夫，但我仍不敢说，我的 译文要比以前的几位都好，只是我是个写诗的人，在某些地方， 可能对於『诗』的感爱要稍为深一点罢了。
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