对美术的感悟与体会
欣赏与感悟 上了美术欣赏课，感受颇多。
美术欣赏我的视野由古、古罗马倏而转到了文艺复兴时的意大利。
古罗马、古希腊的宏伟的宫殿建筑、众多的雕刻作品，展现了这两个伟大时代曾经的辉煌。
文艺复兴冲破了中世纪的宗教束缚，出现了人才辈出的局面。
使我知道了中国的陶瓷艺术的源远流长，和陶瓷艺术对于世界的贡献。
通过中西方美术艺术的差异使我更加了解了中西方美术的不同之处和相同之处。
及增加了我对于祖国灿烂文化的自豪之情，也使我更加了解了西方的美术艺术。
美术欣赏课不仅仅是对于绘画艺术的欣赏，而且是对于雕刻、建筑、陶瓷艺术等等艺术中所体现出的美术艺术的欣赏。
我想上美术欣赏课给我的最深课的感受莫过于此了。
这使得我的眼界大开。
美术欣赏当然包罗万象：古今中外的，各个艺术流派的，不同方面的。
有古罗马、古希腊的最具特色的建筑、雕塑。
有文艺复兴时期各个艺术大师的杰作。
还有近现代的各种新兴的流派的介绍。
这些都是西方的艺术中的美术艺术的具体体现。
那么对于东方，尤其是中国，同样具有悠久历史的自然要数陶瓷艺术，还有独特的建筑风格。
更加不同于西方绘画艺术风格的是中国独有的山水画的艺术手法。
我在选修《中国水墨画基础》课的时候，老师就讲过中国的山水画很是不同于西方的绘画。
他还举了一个具体的例子，就是他有一个外国留学生跟他学习中国的山水画法，但是不管怎样这位外国的学生都画不出中国山水画的那种真正的味道，尽管他的画功很好。
从这个例子中，我想中国山水画是凝结了中国人民的特有的情节在里面的，所以外国的画家很难画出中国话的味道来。
当然，西方和东方的绘画艺术分别属于不同的画法，各有千秋。
因而我们应该相互学习，才能相互促进彼此的发展，而不能顽固守旧。
尤其在当代不断发展的世界里，加强彼此的交流学习更加显得重要。
中国画注重画山水等自然景物或者虫鱼鸟兽等动物，并且善于运用空气透视法，而且善于想象，这样可以使得绘画有远有近，画面有种旷远阔达的气象在里面，并且中国的画更加注重使内心的情感表达在画上。
而西方的绘画主要运用焦点透视的方法，表现的绘画作品多为描摹人物、事件为多，展现的空间不够开阔，所以常有种压抑的感觉。
看中国画多给人一种清新的感觉，善于运用留白的画法，而且多描摹大河高山等雄伟的景物，所以有种壮美之感。
而描摹的花鸟树木却给人一种伶俐轻快、聪慧灵性之感。
而观看西方的绘画则多为油画，色泽虽然浓重，但却看起来大多有种灰暗之感。
很少可以感受到空灵之感。
我想东西方的文化差异是导致这种差异的原因之一。
因为西方受宗教的影响深远，宗教气氛浓厚。
而中国则不太相信宗教，相反中国的儒、释、道教则更多的是关心人与自然的关系和谐与否的方面，因而束缚较少，所以中国的画更让人感觉一种轻快愉悦的感觉。
当然和作画的工具的运用也有很大关系。
西方用画笔，中国则是毛笔。
这种工具的差异自然导致了做出的画会有差异。
还有就是颜料的使用了。
中国画用墨先画好画，然后再经过一种工序叫做装裱，这样给画加上各种鲜亮的颜色。
使得中国的画可以保存很长的时间而完好，不退色。
但是西方就很是不同了，用画笔在画布上作画，颜料用化学颜料，画好后保存就很麻烦，比较容易褪色。
当然这些都是古代的一些做法了，现在西方的保存技术是大大的提高了，我们反而落后了。
现在当然是有很大的改变了，以前是东学西入，后来是西学东入，到现在东西方的交流是不断地加强，相互的影响。
所以绘画艺术也不断的相互的学习借鉴。
中国的建筑和西方的建筑最大的不同就在于中国的房屋时用木材制作的，而西方的建筑则是用石材制作的。
这和各自所处的地理环境有很大的关系。
中国古代处于长江黄河流域，土地肥沃，深林茂密，地势平坦，所以盛产优质木材，因而房屋多为木材制作。
而西方则多山地，山产石材，所以他们必然会以石材作为建筑的主要材料，另外这也是为什么西方的石雕雕刻雕像繁荣的原因之一。
我原先以为石材造的房子当然会比木头造的房子坚固的多，但是我的猜想是错的。
石材耐压但是韧性差，而好的木材不但耐压而且韧性很好，甚至比钢还要好。
这是我叹为观止。
而更加令我感到惊叹的是，中国房屋使用了斗拱的结构，这使得每个梁柱环环相扣，使得屋顶的巨大重量通过斗拱的精巧的结构而转移到支撑房屋的大柱子上去。
这就使得屋子的墙壁不用承担重量而仅仅是起到遮风挡雨的作用。
这俨然是现代钢筋混凝土构架的雏形。
而且这种斗拱的结构还有利于房屋的扩充，而不用费很大的功夫。
也就是说可以在原来的房屋上面通过梁柱来扩充，而不用推到重新来建。
而西方的石材不仅韧性不好，而且还要承担很大的重量。
并且可扩充性也不好。
当然它有一个优点就是可以加高。
中国的房屋却多是一层的。
中国常见的高层建筑恐怕要数塔了，然而塔的建筑形式去时舶来的，因为佛教的传入而传进来。
西方石材建筑的集大成恐怕是凡尔赛宫了。
中国的木材建筑的集大成当然非皇家的宫殿了。
中国的房屋建筑多主张对称美，建筑群往往有一条中轴线，而西方的的建筑则多曲线，典型的教堂大多有圆形的穹顶结构。
较之，我认为中国的木材建筑有种举重若轻的感觉，而感觉西方的石材建筑则多是一种凝重深沉。
另外中国房屋的顶部的铺设的瓦也是中国的特色了。
瓦的使用使得雨水可以轻易地留下来不易造成屋内漏水的情况。
现在随着城市化的进程的加快，瓦在中国可能很少再见到了，瓦因而成为中国文人用来表达自己的情感的常用的对象。
当然不仅仅是怀念瓦，大概可能是怀念中国古代灿烂的文明，在迈向新时代时发出的叹息吧。
谈到文艺复兴，我们自然会问那么文艺复兴为什么会发生呢。
也许我们不应该这么问，而应该问，文艺复兴为什么在当时发生，而且发生在意大利呢。
因为欧洲的思想受中世纪的宗教影响太深了，人们的思想受到了极大地束缚，人们想摆脱这种束缚追求自由是他们神圣的权利。
所以不管迟早，文艺复兴都会发生的。
这是毫无疑问的。
而之所以叫做文艺复兴，是因为在古希腊、古罗马的时代曾经有过辉煌的文艺、科技、思想的繁荣。
因而要打破中世纪的宗教神学的束缚，那自然是人想到的就是文艺复兴的提法了。
问题的关键在于为什么会发生在当时的意大利。
因为当时意大利的经济发展很快，新兴的阶级自然不愿继续收其他力量的阻碍，所以就会寻找新的思想来冲破旧的思想。
再加上许多的天才人物的出现所以便形成了当时十分繁荣的文艺复兴思潮。
文艺复兴带给欧洲人们新的思想，逐渐的使得人们从宗教繁重的思想中解脱出来，可以说为以后欧洲的发展起到了启蒙、促进的作用。
而在文艺复兴中崭露头角的天才人物，也给我们留下了很多的宝贵的知识和财富。
中国的制陶瓷的工艺可以追溯到商朝开始制造青铜，青铜虽然不是陶瓷，但是可以称得上是陶瓷工艺的原始阶段。
后来出现了黑陶，大约唐朝时候产生了瓷的工艺。
这是很大的进步。
瓷的出现弥补了陶的表面不光滑的缺陷，使得瓷的应用广泛的深入了人民的生活之中。
景德镇成为我国的制造瓷器的中心之一，饮誉海内外。
陶瓷甚至成为中国特有的一种陶瓷文化。
很多士大夫都参与陶瓷的制作。
这就使得中国的陶瓷技术当时遥遥领先与世界。
西方的国家通过丝绸之路、海上贸易等不惜重金来购买中国的陶瓷，把中国的陶瓷当做稀世珍宝对待。
几个世纪以来在西方形成瓷器热，经久不衰。
中国的瓷器上面可以绘画、可以有文字书法等等。
不仅仅是器物，更是一种人文的精神的表现。
当然随着瓷器制造技术被西方所掌握，陶瓷的制造的技术不再是秘密，但是中国的瓷器在世界上仍然具有很大的吸引力。
中西方的美术艺术有很大的不同，但是也有相同的的地方，那就是追求美。
我想中西方在不断的交流中会碰撞出更多的火花，促进彼此更好的发展。
当然我们也要把握好继承和发展的关系，不能抛却我们古代的灿烂的文化。
只有这样才能在和西方的交流融合中把握住前进的方向，永远有自己的归属。
我想美术欣赏课教诲我很多的东西。
这更多的是一种心灵的交流课。
注，楼主请根据自己情况更换人名，地名，等不妥之处
梵高创作应具备哪些素养及如何培养与提升
我们每个人都有提升自己的愿望。
而要学习和提高，首先应该明确哪些内容是教学所必须的，哪些东西是自己所欠缺的；自己哪些方面需要加强，哪些方面需要提高。
一个人的精力毕竟有限，面面俱到不可能，所以要确定学习的重点，而重点的确定最好的依据就是学科课程标准。
美术新课程标准把美术教学按学习活动方式划分为四个领域，即：造型表现、设计应用、欣赏评述、综合探索。
不同的领域旨在培养学生不同的能力，各有各的作用，不可偏废。
因此，我们在制定学期教学计划时，应兼顾各个领域的内容，或融合或穿插，使学生的能力能够全面均衡地发展。
要想实现这样的目标，就要求教师在这四个领域内都能有所学、有所长，否则不可能灵活生动地开展教学活动。
因此，要提升自身专业素质，首先应明确自己的学习内容和学习方向。
一、美术教师应具备的专业基本功：我觉得美术教师如果对应着美术四个学习领域，至少应具备下面几项专业基本功：造型表现领域→→→→掌握一门画艺（造型、表现、想象能力）设计应用领域→→→→熟知一项设计（创意、设计、应用能力）欣赏评述领域→→→→讲透一幅作品（理解、表达、审美能力）综合探索领域→→能策划指导实践活动（综合能力、整合能力）当然，这几项基本功也不是绝对的，可根据自身实际和教学实际灵活确定。
因我一直在中学任教，所以确定内容时也倾向于中学。
小学教材中手工制作的内容较多，在小学任教的教师完全可将“熟知一项设计”换成“熟知一项工艺”。
1、首先是“掌握一门画艺”。
我觉得美术老师必须具备一定的造型能力，美术是视觉艺术，是以形象说话的，如果我们具备一定的造型能力，课堂上就可以给学生演示、示范，就能够更直观、更生动地进行教学。
为了提高造型能力，就有必要选择自己比较喜欢的表现形式（比如素描、速写、漫画、卡通画、国画等等）经常习练。
2、为什么要“熟知一项设计”呢
因为现代生活既重物质，又重精神，往往追求实用和审美的高度统一，艺术设计显得越来越重要，可以说现代生活越来越离不开设计。
翻开中学美术课本，你会发现设计的内容占的比重非常大，什么现代产品设计、环境雕塑设计、小区规划设计、体育场馆设计、光环境设计、各种色彩设计等等。
正因为设计已经深入到我们生活的方方面面，所以美术新课程标准把设计应用单列为一个学习领域。
而我们在师范院校学习的时候，对设计应用这方面接触的并不是很多，所以对一些设计类的教学内容有时会感到很棘手，不好操作。
其实要补上这一课并不难，你只要选择设计领域内你比较喜欢又力所能及的一项设计内容深入研究一番，在研究的过程中重点要熟悉和了解设计的一般规则，探讨设计最重要的是什么，设计与绘画、表现有什么本质的区别等等。
你只要弄通一项设计，就可以掌握设计的一般规律，其他的可以触类旁通。
你还可以把你学习过程的心得呀体会什么的作为教学资源传授给学生。
你对某些设计钻研越深，你的感悟也就越深刻，你的经验也就越丰富，你给学生讲授设计方法的时候也越能深入浅出。
对学生来说，也并不是每项设计都要掌握，也不外是通过设计内容的学习了解设计的一般规则，激发他们设计的兴趣，增强艺术修养而已。
更为重要的是，“设计.应用”是最锻炼综合素质的一个领域，对学生和对我们自己而言都是这样。
我自己把“标志设计”当做提高自己设计能力的一项主修内容，从标志设计还可以推及到书籍封面设计和其他一些简单的设计。
3、能不能“讲透一幅作品”考察的是我们的艺术修养、艺术见解、表达能力等。
我所说的“讲透一幅作品”并不是指单纯讲透一件作品就可以了，而是要通过讲透一件作品，传授给学生欣赏评述的方法，要授之以渔。
我们可以从教材前面的大图中选择一件作品，首先自己要深入理解，多方位、多角度去解读作品。
特别是对画家的了解，比如创作的时代背景、画家的思想倾向、艺术主张、性格气质等。
否则欣赏只能停留在表面，达不到审美的目的。
我国著名的美学家朱光潜在他的美学论著里讲过这样的话：“欣赏不是考据，但考据绝对有助于欣赏。
”例如，欣赏梵高的画，先要了解梵高这个人。
梵高的画《鸢尾花》在1987年以5390万美元的天价拍出，我一直不理解，为什么梵高的画如此受到人们的青睐和推崇
梵高的作品真的那么好么
以前我只喜欢梵高的《向日葵》，其他的谈不上喜欢，也没看出哪里好。
去年暑假闲暇间到希望书社借了一本《梵高传》，读完之后再看梵高的作品可以说感受完全不一样了。
因为这本书带给我的感动和震撼太多了。
人间地狱般的博里纳日煤矿，兄弟间感人至深的情谊，一个伟大艺术家对绘画近似狂热的探求，对自己那种无情的燃烧，对苦难和困境的坚忍，无不打动和感染着我。
梵高是同时代画家中读书最多、最有艺术修养的，他读过的文学作品，恐怕要比一般的中文老师多得多。
他的孤独、偏执、狂热，他的善良、执着、不可遏止的激情，他的痛苦而短暂的一生，他在艺术上所达到的惊人的高度和辉煌成就，都深深地感染、打动着我，使我比任何时候更理解梵高和他的作品。
所以说，欣赏作品在某种意义上来说是为了解读人；反之，对人的解读也有助于更好地欣赏作品，获得美好的情感体验。
这些都是在教师备课阶段应该深刻体会的，也就是说，对美术作品的欣赏，教师至少要领会到这种程度，而不是单纯地知道作品的内容、作者等。
当然，你的理解并不一定都讲给学生听，上课时还是应该有选择地讲，重在引导。
要把学生的欣赏引向深入，找准可以打动学生心灵的切入点，，让学生若干年后都记得你这一课。
4、关于“策划、指导实践活动”，是集中体现我们综合实践能力的一项内容。
能不能很好地组织、策划和指导学生开展综合实践活动，要看教师的综合素质，包括组织能力、策划能力、指导能力、整合能力等。
我想有了前三项基本功，这个应该不成问题。
只要平时再多看些资料，读点杂书，开阔自己的思维和视野就可以了。
二、提高专业基本技能的方式和途径：要提高这几项专业基本功，可采用以下方式和途径：1、采取“任务驱动法”进行自我提升 。
“任务驱动法”是自我提升的最有效的方法。
因为人都是有惰性的，没有一定的压力难以产生动力。
所以给自己一个任务驱动，这个任务驱动可以是主动的，也可以是被动的，无论哪种情况，你接下来的学习过程一定是主动学习的过程。
例如：我学习标志设计就是基于要为别人做CI设计的这么一个任务，从CI为何物都不知道开始，通过上网查询、系统学习，用了三个月时间，被否定了若干次，终于学会了CI设计的全部流程和基本方法，特别是视觉传达系统的核心部分——标志的设计。
在整个学习过程中，内驱力起了决定性作用，可以说内驱力越强，提高得就越快。
所以，我们要不断给自己寻找任务驱动，这样才能主动地去学习，不断提高。
2、同行互助，专家引领。
学习的过程中如果遇到困难和障碍，最好是积极主动地寻求帮助或解决问题的途径，可与同行进行交流或探讨，别人的做法或经验或多或少会给你启示；也可以基于网络，运用更方便快捷的平台与异地名师或专家建立联系，得到更广泛的帮助或指点。
3、积极参加各级各类集中培训。
以认真的态度参加各级各类培训，也是自我提升的一个途径。
但参加集中培训必须做到以下两点，才能有所收获。
一是以正确积极的态度对待培训。
集中培训一般都是通识培训，理论层面的比较多，不可能十分系统地讲一些专业知识或专业技能，也不可能十分具体地告诉你某节课怎么上，只能是一个方向性的引领，或提供一些思路和范例，开阔你的视野，更深入的学习还要靠自己平时一点一滴地来。
所以不能期望一次两次培训可以得到飞跃式的进步，也就是期望值不能过高。
比如我参加的很多培训都是专家或名师讲座，什么建构主义、行动研究等等，都是实践经验的升华，即理论成果，了解这些理论有没有用呢
回答是肯定的。
但这些理论是不是一定就能指导实践呢
回答是否定的。
并不是所有的理论都能指导实践。
那岂不是白浪费时间了吗
回答还是否定的，起码我们学来了人家思考问题的方法和实践探索的精神。
我们还可以通过通识培训了解一些前瞻性的东西，丰富自己的大脑。
通识培训的作用是隐性的，可能无法马上作用于我们的课堂教学，也就是我们所说的“用不上”，但从长远来说还是有好处的，起码可以提高我们的思想认识和理论水平。
二是要善于从培训者的培训内容中捕捉对自己有用、有益的信息，哪怕是一两句话给你以启发或触动也算不虚此行。
例如在一次培训中，我记住了这样两句话：“一个人的高度取决于他读过的书垫在脚下的厚度。
”、“应通过读书不断激活自己的思维，佐证自己的认识。
”我想，这样的理念如果能真正内化到自己的意识当中去并化为实践，那参加培训的目的也就达到了。
总之，个性化的教学需要自身专业素质过硬的个性化的教师，而要提高自身专业素质，“自知而不自足，自信而不自满”，“好学又乐学，乐学又善学”是最重要的法门。
如何上好造型表现课
美术新课程打破了传统美学的知识框架，从全新度，按学习方式把美术课程分为造型·表设计·应用，欣赏·评述，综合·探索四大学习领域。
从新课标划分的四个学习领域中，我们可以看出，不论是外化能力、内化品质，还是探索未知，体验成功与情感，新课标赋予了新教材很多体验性学习的方式。
下面就我所带的一、二年级，从“造型、表现”这个领域浅谈一下我学习课标及教材后的心得体会： 低年级的美术课程主要是以造型游戏为主，让学生在“玩乐”中发现问题、分析问题及解决问题，学会交流与合作。
造型游戏指融合造型与游戏为一体的美术活动，活动中不事先设定主题或某个形象，主要是凭感觉、联想和想象来进行造型及表现。
仔细看一下课本，有关于“造型、表现”的内容在课程中占了绝大部分，它是课程内容中覆盖面最宽、分量最重的部分，如何带领和引导孩子在游戏中更好的发现问题、学习知识，体验学习的乐趣，是教师需要主要解决的问题... 例如在“谁画的鱼最大”教学中，这节课设计的目的就是训练学生敢于充满画面大胆作画的习惯，认识鱼的不同形状和特点，了解自然界的鱼与美术作品中所表现的鱼有什么不同，初步了解艺术是来源于生活。
我想在上这节课的时候，在导入环节如果能创设学生去亲自捉鱼、看鱼的机会，体验鱼的活力与手感；再通过观看各种海洋热带鱼的课件感受视听体验，从而丰富和加深了学生对各种美丽的热带鱼的认识；让学生在头脑中自由的想象、构思各种鱼的形状，再通过动手绘画各种漂亮的鱼的过程，让学生更多的获得了成功的愉悦感，合作及口语交流的体验。
教师应多从教材的内容和学生需求出发，让每一堂课都成为学生对客观世界意义的领悟，对生命意义和对生命价值的体验，培养学生学习美术的长久兴趣．
学习色彩构成后的感想
色彩小结 关于这一个月的色彩学习，还有前期的图示语言的学习。
我对色彩的理解更一步加深了。
从茫然无从到能够主观的去理解，判断，处理。
知道了一定的色彩能够反应人的心理，没有单一的色彩，色彩之间的相互和谐，融洽的形成一幅完整的画面。
自然界色彩丰富，当然色彩的运用也相当的广泛，并且存在与人们生活的空间之内，从古到今都有着对色彩的研究，对色彩发展史也有了关注，在19世纪产生的印象派，绘画一创新的姿态出现，反对当时的腐朽古典主义艺术观念和法则，受到现代光学和色彩学的启示，注重在绘画中的关的表现，注重了自己的主观的想法，从而变的不是单一的绘画方式。
在此，我们知道了更多的关于色彩的表现方式，有马奈，莫奈，德加等等。
在他们之后的新印象派{修拉}和后印象派{塞尚，梵高和高更}。
梵高的绘画着力表现自己强烈的情感，色彩明亮，线条奔放。
高更具有象征性的寓意和装饰性的线条和色彩。
塞尚绘画追求几何形体结构，他是现代艺术之父。
到后来的野兽派，现在美国的波普艺术。
在这次的学习中，我们也在运用各种不同的手法来完成自己的画面，尽量做到与高考不同，老师也反复强调注意细节，形体，画面的和谐等等，尝试不一样的画法，彩铅，油画棒，换掉素描纸等等，改变一些原有的习惯了的作画方式，其实，在这里也总结了这么多，可是在这一学习过程中，我没有感觉到自己有什么大的进步，一直都很迷茫，很不适应。
但是可以肯定是的我学习到了很多东西在这个瓶颈期，然而“色彩”对我的学习的动画专业也是很重要的。
色彩的正确运用对场景，人物等等起着很大的修饰作用。
色彩在影视方面起着举足轻重的作用。
色彩以及色彩构成往往提高了艺术与设计的关系和培养有较强的个性表现力、创新能力、有前瞻性及较高的文化艺术素质。
对此，我要打开思维和观念。
提高自己审美观念。
色彩这门课程也要结束了。
但是对它的学习是远远不够的，在我生活中关于色彩的实在太多了，色彩也是一门深奥的学问。
来是生活的色彩灵感，浓妆淡抹总相宜，温柔的色彩，有斑驳陆离的色彩情感，色彩线条下的情感。
生活的色彩，在同学，朋友老师等等那里我也学习到了很多，都有着灵魂深处的色彩。
像老师说的一样我不能仅有的是习作，而是一副正在意义上的色彩画。
对于色彩，我们会理解的更多。
这次学习受益匪浅。
学习美术的感想
随着教育改革的逐步深化，素质教育的全面推进，艺术事业的繁荣发展，越来越多的人更加关注孩子的艺术发展，美术教育自然而然的成为了教育教学的重点。
新《课标》指出：美术是人类文化的一个重要组成部分，与社会生活的方方面面有着千丝万缕的联系，注重美术课程与学生生活经验的紧密联系，强调知识和技能在帮助学生美化生活方面的作用，使学生在实际生活中领悟美术的独特价值。
这一论述充分说明基础美术教育不是专业美术教育，而是一种生活美术教育。
因此，我们要充分结合美术教材的特点，引导学生主动接触生活、充分感受生活、大胆创造生活，让他们在生活中发现美、感受美、创造美，从而构建生活化的美术教育体系。
一、观察生活――发现美。
“生活中到处存在着美，关键是给儿童一双善于发现美的眼睛。
”每个人的观察角度不同，所以发现的美也就不同。
现实生活对儿童画画的成长是非常重要的，儿童的绘画能力并不是单靠老师通过讲授技法就可以教出来的，为他们创造一定良好的成长环境，激发他们热爱生活、表现生活的绘画兴趣，才是我们应该去做的事。
因为美是人类生活中永恒的主题，在人们的社会生活中，美的艺术几乎无时不有、无处不在，美即生活。
理解生活，才能理解美、创造美。
只有植根于生活世界，并为生活世界服务的教学才是具有强烈生命力的教学。
1.采撷生活，提高审美认识 美术课程改革强调将美术学习与学生的生活经验联系起来，所以在课堂教学中应从学生角度出发，去发现和挖掘学生感兴趣的内容，在学生的心理特点和生活实际中找到合适的切入点，使学生产生共鸣，以激发学生的兴趣。
如，在讲《会变的线条》一课时，我让学生从自然和生活中寻找美丽多变的线条，学生很容易就找到了多种线条：黑板边的直线、窗外护栏上的螺旋线、老师头发上的波浪线、花盆边上的弧线、花叶子上的锯齿线……，这样的引导不仅使学生很快进入新课，同时又使他们在不经意间复习了以前学过的线条。
接着我又进一步引导他们发现，原来在我们的身边藏着这么多美丽的线条，而且它们多种多样、变化多端，美化着我们的生活。
创作中我又启发学生想象微风中的柳条、大风时散乱的头发、沙漠中一层层的沙子……学生轻松地画出自己熟悉而又富有美感的线条，他们的作品便充满了韵律。
这样既结合了他们的生活经验和已有知识，使他们有更多机会从周围熟悉的事物中感受美、鉴赏美，又使学生认识到艺术表现手法来源于生活，艺术中线条的存在使生活变得更加丰富多彩。
这节课既培养了学生热爱自然、热爱生活的情感，又提高了他们发现美和感受美的能力。
2．走进自然，强化审美感受 “课堂不等于教室。
”以往的美术课通常是教师在课堂上通过教材传授技能，然后让学生坐在课堂里临摹，或凭记忆冥思苦想，不但忽视了学生的情感体验，而且没有充分利用学生的好奇心和探求欲望引导他们自主探究学习，结果学生不但画不好，更不会有创意。
因此教学中，要根据教材组织学生以写生、采风等方式，到大自然中去感悟，这样孩子们不但兴趣盎然、作品富有真情实感，而且在宽松愉快而自由的环境里，也会陶冶个性和情操，同时为美术的创作增添了不少素材。
如举办《我是小小画家》活动，虽然只是改变了场地，但是当学生背着画夹，坐在校园里写生时，那种感觉完全不同，清新的空气，开阔的视野，令人身心愉悦。
其他同学羡慕的眼神，令写生的学生个个神气十足。
校园里熟悉的一切在同学们的眼中，一笔一笔的创作是那么的新鲜与美丽。
学生的作品虽然还很幼稚，但在整个创作过程中学生享受着室外创作所带来的那份喜悦与快乐。
因此，我们美术教师应努力引导学生走向自然、融入社会，让学生嗅出生活的“清新”、看出生活的美丽、品尝生活的快乐，用自己的真情实感去描绘生活、创造生活。
二、实践生活――体验美。
生活是艺术创作的源泉。
学生体验着生活中的喜怒哀乐，感悟到生活的美丑现象。
生活中的碧海蓝天、红花绿柳、高楼大厦、市井人群、民俗民风、悲欢离合……都是学生难以忘怀的。
对这些生活场景的耳濡目染，他们谈起来津津乐道、各抒己见，画起来直抒胸臆、色彩斑斓。
作为美术教师，应充分调动学生说真话、诉真情，对学生的情感加以引导、发展，增强他们对生活的热爱、对美术的感悟。
1．创设生活情境，体验快乐感受 陶行知先生认为：在自然的生活中进行教育，创设生活化的环境更易于学生理解和接受。
他认为，教师的职责在于引导学生直接从外界事物和周围事物环境中进行学习，情境创设一定要与学生的生活兴趣结合起来。
因而，我们在美术教学中要努力创设一种生活化的课堂教学情境，情境内容和方式要贴近学生的生活，自然贴切，紧扣主题。
如，在讲《奇妙的爬行》一课时，导入新课环节中我播放了孩子们非常喜欢的动画片，创设了一个动物园的情境，引导孩子们找一找功画片中的爬行动物，并把课堂变成一个爬行功物的展览厅，让学生们模仿动画片中看到的和自己喜欢的爬行动物，使他们很快地进入到教学活动中，并以此引出课题，轻松地在动画中欣赏美、感受美。
学生们把自己幻想成一个微观世界里的小动物，我带领他们闭上眼睛进入奇妙的大自然。
我们不再是直立行走的人类，而是渺小的爬行动物，周围的事物会怎样
让学生说出自己的感受和能想象到的一切，这种生活化的教学情境既营造了活跃、欢快的课堂氛围，同时又让学生体验到了平日中忽略的快乐。
从而培养他们的感知能力和形象思维能力，在奇妙的爬行里感受到大自然的美，激起内心更加热爱生活、热爱绘画艺术的情感。
2．调动生活经验，开阔表现视野 新课程的课堂教学应是知识内容与学生生活经验的结合，教师在教学中要充分利用这些生活经验调动学生对美术的探究与感悟。
因此，教师要有意识地创设教育情境，来再现生活，让学生身临其境，再联系已有的生活经验，去体验、去感悟，加深感受。
如《下雨了》一课，可以在教室里挂上一些雨伞、雨衣、雨帽等雨具，再放一段下雨时的录音，让小朋友闭上眼睛去体验、去想象，在大街上、在学校里、在田野里、在树林里你都看到了一幅幅什么样的雨中情景。
同学们的思路会拓展得很宽，有的说看到了放学时校门口开满了伞花，有的说小花小草洗了个澡感到舒服极了，还有的说看到了伞被风掀翻的趣事……。
从学生们所描述的情景中可以看出，孩子们运用了自己的生活经验，拓宽了表现视野，从而把日常生活中美丽的雨景留在了画面上，激发了他们对生活的热爱之情，把小雨的自然美升华为艺术美，一颗颗天真无邪的童心自然会长出想象的翅膀，结出爱心的果实。
三、表现生活――创造美。
美术源于生活，并服务于生活。
让学生从生活中来，到生活中去，是学生学习美术的好方法，即从重视教学的知识价值，转向到重视教学的生活价值。
学生通过深入生活、观察生活、体验生活，他们的内心会充满对生活的热爱与激情，并急于将它表现出来。
教师要启发学生充分调动自身潜能，选取适合表现美的物质材料，经过艺术想象，借助艺术语言表达出自己的审美情趣，尝试用自己的真情实感去创造生活的美。
1．多彩的生活，真情的表达 美术教育不是培养艺术家，而是要培养热爱生活、内心充满美、创造美好生活的人。
教学中把美术课程内容与学生生活经验紧密联系在一起，使学生在实际生活中领悟美术的独特价值。
如，母亲节来临之际设立课题《我为妈妈献真情》，引导学生动手用拼贴、拓印、绘画等方法制作一张贺卡、写上一句真心的话送给妈妈，在暖暖温情中体会创作的乐趣，感受美术课的独特魅力。
美术课不是简单的绘画，美术课是一种发现美，感受美，创造美的活动。
一双双发现美的眼睛，一颗颗感受美的心，一双双创造美的手
一种信念在每一次的动手创作中、每一次绘画活动中得以升华。
我们要引导学生把生活中的所见、所闻、所思、所感用手中的画笔表现出来，用艺术语言表现生活的缩影，放大生活的趣味。
学生们每天都生活在熟悉的环境中，在家里和爷爷、奶奶、爸爸、妈妈一起生活，他们之间有着许许多多温馨的生活画面，或郊游、或购物、或嬉戏……当学生倾注自己的全部感情去创作时，这一个个精彩的瞬间都定格成一幅幅情趣盎然的画面：《过春节》《演电视》《节日的装饰》《介绍我喜欢的玩具》……这些画面都洋溢着爱的气息，散发着浓浓的幸福与温馨，让人从有限的画面想到无限的画外，感受画中的情，听到画外的音，真实的生活在画中升华。
2．利用废弃物，美化生活 审美体验是学生成长的需要，是生活的需要，是学生生活的一种基本方式。
学生的审美体验从哪里来
从活动中来，从做中来，因而杜威先生把“从做中学”奉为至上的教学信念和法则。
生活中有许多普通的物品、废旧的材料，它们看似平淡无奇、废弃无用，可是只要同学们发挥丰富的想象力，运用灵巧的双手把它美化一下，就能将它们变成一件件独具魅力的艺术品。
有一次上《面具》，一名从不带用具的学生从地上拣了些别人的剩材料竟然也做出一件作品――大脚板海盗先生，同学笑他做的丑陋，我却在全班表扬了他，表扬他的废品再利用，表扬他的大胆设计。
那是他第一次站在讲台上露出灿烂的笑容。
每一朵花都需要阳光，需要精心的呵护才能长大。
你看，那造型奇异、活灵活现的纸盒――《可爱小动物》，那绘制在各种酒瓶上的大胆图案――色彩艳丽的《漂亮的瓶子》，那创意无限的塑料瓶笔筒――《做笔筒》，还有那《巧用纸餐具》中百变的纸盘娃娃、纸杯小猪、昂首前行的乌龟……当孩子们把一个个废旧物品变成一件件有趣的工艺品、或成为大家喜爱的玩具、或成为互相赠送的礼品、或摆在屋子里点缀生活的装饰品，他们会为自己感到骄傲，会对现实生活充满激动和自豪，会对未来生活有一份美好的憧憬和无限的遐想，从而使一颗颗幼小的心灵对生活的感悟、对生活的热爱会更丰富、更真切。
教育家杜威说：教育即生活。
教育的目的是为了更好的生活，生活是美术得以生长的土壤，美术让生活更加精彩，美术源于生活又作用于生活，我们要引导学生阅读“生活的教科书”，让他们走进生活、融入生活、感悟生活。
让我们多给孩子创造一些机会，多给孩子一些阳光，用一颗真诚的心去打开孩子创作之门，燃起艺术之花。
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一、攻心为培养兴趣，沟通情感，让意动起来，继而参与创造。
）、激发兴趣趣是学生探求知识、发展思维的巨大动力，也是培养学生主动参与意识的有效途径。
兴趣激发的方法很多，依据现行美术教材体系，从中高段美术教材的挖掘入手。
1、以新刺激：学生普遍具有一种猎奇心理。
新奇的东西往往会激起他们探索事物的强烈欲望，这就要求教师挖掘教学内容有新鲜感。
如，在上《水彩游戏》一课时，把三原色中两种颜色相调和，就会出现另一种颜色，用新的颜色使用染、吹、淌、滴技法出现另一种图案，技法随意或有意的进行创作。
这一变化，学生没有见过，觉得很新奇，很好玩，兴趣顿生,个个跃跃欲试,学生们自己动手，调出了不同颜色混后出现的新颜色，最后学生自己发现了规律,知道了红加黄变为橙，红加蓝变为紫，黄加蓝变为绿,而橙绿紫三种色又叫三间色，学生们在动手中学到知识,在实践中得出结论。
2、以情刺激：在绘画教学中，有许多内容都包含着一定的思想性，加上中高段学生的情感发展很快，教师要努力去拨响学生学习后的“情弦”。
学生动了情，继而就有了情趣，有了与教师、作品同频共振的情趣，教育效果可想而知。
从而以情造像，图情并茂。
就会收到“唯恐聆听之不周，不知铃声之响”的效果。
（二）、在沟通中了解学生的心理特点，与他们进行情感交流，有助于学生的动手参与，有助于学生创新意识的培养。
1、注重距离感。
实践表明，教师在教学中与学生之间的空间距离，很大程度上影响学生主动参与教学的强度及时间。
因此，教师可采用主动在教室里来回走动的方式接近坐在后面的学生，缩短与他们之间的空间距离，从而缩短师生的心理距离，为全体学生积极主动动手参与创造条件。
2、注重安全感。
绝大部分学生对教师有一种畏惧心理，为了使学生积极动手参与教学活动，在课堂教学中必须使学生从心理上感到是安全的，其创作的作品不论好坏，都不会影响老师和同学对自己的看法，特别是做得不好时不会受到批评与嘲笑。
针对这点，多鼓励所有学生积极动手参与，给学生改正错误的机会，使用一些使人轻松愉快的幽默，给学生安全感，那么，即使没把握，学生也会争先恐后地参与。
3、注重成就感。
为了让学生获得成就感，教师应把难度定在一个适当的水平。
如何控制这个度，这就需要根据实际情况，因材施教，随机调节难度。
当难度小时．教师可设置一些障碍；当难度过大时，教师要适当处理，分步进行。
同时，当学生失败时，教师应给予帮助和鼓励；当学生成功时，教师要给予表扬肯定，使每个学生都能体验到成功的乐趣，从而愿意动手动脑、参与创造。
二、且教且学：重视学生的学法指导，培养学生动手能力。
教学是教和学的活动的统一体。
教学方法既包含教师的教法，又包含学生的学法。
重视学生的学法指导是实现从教到学的关键，是实施素质教育的重要途径。
因此在教学中，应有系统地把学法指导与学习过程联系起来，使学生有愿望也有能力动手动脑参与学习、进行创造。
l、千方百计提高技法训练。
美术课对技法的要求很高，这是学生正确描绘制作对象，进行创作的基础。
技法训练包含的内容较多，如：蜡笔水彩的造型、勾线、上色；泥塑课的揉搓粘画；手工课的折纸、裁剪、粘贴……因此，技法训练既要扣紧每节课的重点，又要胸有全局，点面结合；既要着眼于全班同学，又要照顾个别成绩突出或能力较弱的同学，因材施教；既要表扬鼓励，又要具体辅导，帮助他们解决技术上的困难。
2、想方设法拓展想象空间。
想象也是创作的源泉。
古往今来许多创造发明都是从想象开始的。
美术教学中，我们可用创设情境的方法来拓展想象空间，在教学内容与学生求知心理间创设一种“不协调”，使学生在探索的乐趣中寻求知识，培养动手能力，提高智力。
三、对症下药：根据学生实际，最终达到学生“动”起来，推进小学美术学科素质教育。
学生有了动手参与的兴趣、能力，还必须有参与机会，教师要善于根据教材内容特点和学生实际，创造条件。
为学生提供更多的动手参与机会。
l、课堂展览，让学生若有所思。
绘画和手工是由外在形式构成的可视图像，学生可以直接感受，也易接受。
在上课前，拿一些前几届或平行班的作品当范例，或把自己班的优秀作品展览，请同学按小组分别上讲台去看。
学生对此较感兴趣，看得仔细，学得认真，因为这时的看，关系到自己的具体操作。
教师若再在此基础上介绍一下那些作品各方面的优点，学生掌握得就越快，越全面。
同时教师提出要求，布置任务，学生就会主动参与到学习中来，对于学生创作素材的积累也有很大的益处。
2、营造课堂氛围，改变师讲生听。
在传统教育中，师讲生听。
这种课堂气氛中的学生沉闷、压抑，主动性不能发挥不说，甚至产生厌课、厌学。
教师要努力营造这种良好的课堂氛围，激励学生走上讲台，参与教学。
在做的同时，说出自己的心得体会，共同交流，共同进步。
3、开展师生互评、学生互评、学生自评等多种评价形式。
大部分美术教师在作业讲评中多采用教师讲评法，可它受教师个人的年龄、性别、知识水平及爱好等的影响，往往会挫伤学生的积极性，遏止学生的思维与个性发展。
在具体的课堂操作中，我们可以采用师生互评、学生互评、学生自评等多种评价形式；并根据学生心理特点与能力循序渐进。
在三年级一般以师生互评为主。
从四年级下半学年开始，一般以学生互评为主，让几个同学相互评价对方的画，把个人的审美标准和制作心得表现出来，教师进行适当的点拨，在这一形式的评价中，还可以让学生自行设计一个评价标准。
到了五、六年级，基本上要学生对自己的作品作客观、公正的评价，强化优点，如果发现了不足或有了新的创意，可以把作品取回重新修改，完善作品．通过这几种课堂习作展评，让学生去发现美、认识美、创造美，最终达到提高学生动手、审美、创新等美术素质之目的..
如何让初中学生掌握一项艺术技能
对初中生而言，美术课是一门副课，可上可不上，又不列入中考成绩，但初中美术课是九年义务教育阶段的一门必修课，是对学生进行美育的重要途径。
对于陶冶情操，启迪智慧，促进学生的全面发展，具有重要作用。
美术教育不但能培养学生的审美情趣，而且对学生的观察力、想象力、创造力的培养和发展都有非常大的作用。
近几年来我们国家也非常重视美术教育，许多学校也取得了不少教学成果。
但也存在不少问题。
因为兴趣是学好一切的关键。
自主学习，自主探究，掌握方法，变被动为主动。
因此，培养学生学习的兴趣是激发学生创新能力的有效途径。
一，优化课程导入，有利培养学生学习美术的兴趣1，多种方法，巧妙设疑有学习兴趣才能使学习变得积极主动，从而获得良好学习效果。
因此,我在教学中经常采用一些比较能吸引学生注意了力的情景创设，或者进行有针对性的设问。
例如：在上卡通画内容时，学生都比较感兴趣。
我先布置学生回家把你最喜欢的卡通形象画出来。
学生们回家以后，都作了精心的准备。
画出了自己最喜欢的形象。
上课时我先请2位学生介绍一下，自己喜欢的卡通，为什么喜欢，卡通有什么特点等。
然后，我让学生们进行交流，每小组推派一名学生，作交流发言。
结果学生基本上能对卡通知识有比较共同的认识。
接着，我请每个学生把自己的作品拿出来进行展示，结果学生对自己先前的认识有了不同的看法。
体会到了卡通和绘画的要求是不一样的。
卡通有拟人、夸张、等特点。
我再进行了归纳。
通过这样的教学形式，使学生们感觉到很有趣，而且，学到了知识。
教师在教学中努力设计好教学的每一个环节，也是上好一堂课，培养学生兴趣的重要手段。
让学生学得主动，学有兴趣，乐意去作。
因此我在课堂教学中，鼓励学生在动手动脑实践中多观察，多思考，多想象，让学生感受美，欣赏美，创造美，在兴趣中学习相应的知识与技能。
通过课堂实践我觉得教师要勇于实践，勇于创新，从学生实际出发，从兴趣出发。
是有利于培养学生学好美术的关键，也是培养学生创新精神和创造能力的有效手段。
2，恰当应用媒体，解决实际问题在美术教学中，多媒体教学能帮助学生感知形状、色彩、声音等，比较直观。
如果能恰当的使用好多媒体，既能吸引学生的注意力，又能帮助学生学好知识。
有效的运用现代电教媒体,用直观、生动、形象等特点,以其鲜明的色彩，生动的形象、悦耳的声音使学生在感知美、鉴赏美、创造美方面有所培养。
同时将基础知识的传授、基本技能训练和美术教学中的美育教育融为一体。
是一个有效的教学载体。
如我在上初二年级“海报设计”之生态保护篇这一课，首先根据教学内容自制课件,通过课件展示，向学生传输视觉听觉信息，在学生的头脑中形成初步的印象，在观看中思考问题。
作为中学生我们可以为之做些什么
作为生态岛一员你能做什么
通过分小组进行讨论，学生努力找寻解决问题的办法，有的组说禁止乱砍伐树木是保护生态的唯一途径，有的组同学站起来反驳禁止不可能做到立竿见影的效果，况且有些人明明知道禁止乱砍伐，可他就不听你能拿他怎么办，我们认为应该多种树，还有的同学说要成立生态护卫队，从保护身边的生态做起，有的同学说我们认为可以通过画画的形式，张贴出来提示人们保护生态是我们每个人的职责等等。
最后大家一致同意通过绘画的形式是我们学生目前做的很好办法。
接下来每个组的成员又开始讨论设计图稿，学生的自主学习的积极性空前高涨，又培养了学生的创新能力，一幅幅生动的场景被学生描绘了出来。
从教材实际出发,从学生实际出发，结合地方资源。
恰当应用好多媒体，使得凝固在教材中的静态美利用电教手段和有趣的导入方法进行教学,激发学生的各种积极心理因素参与活动,从而培养学生的学习美术兴趣。
3，营造宽松愉悦的课堂氛围在课堂上，提供学生良好的学习氛围，宽松的学习环境，是美术学习的必要空间。
让学生更多地介入信息交流；让学生自由奔放和新颖地想象。
欣赏罗中立名作《父亲》这副画时，我出了一道作文式的题目假如我是-------，通过这种方式引导学生欣赏此画，学生经过激烈地争论后初步定下几个方案，一，假如我是父亲，学生自由组合演（农村老父亲）与（读大学儿子）的一段家常话，重点突出父亲说话的神态，来衬托父亲的饱经风霜和对美好生活的向往。
从而了解了具象美术作品的特点是来源于生活并且反映社会生活，并激发了学生感恩的情怀。
二，假如我是“竟拍买画的人”，学生和老师集体参加《父亲》这幅画的“拍卖会”，由一名学生扮演“竟拍师”，老师扮演“竟拍公证人”，其余学生扮演“竟拍人”根据自己的喜好“出价竟拍”三，假如我是主持人，学生组织“实话实说”节目现场，学生“嘉宾”在学生“主持人”的组织下分别阐述自己“竟买”艺术作品的初衷，及选择该作品的理由。
最后老师作为现场“嘉宾”作总结发言。
学生通过亲身感知、直接体验、主动观察、动手动口等方式，关注社会和生活，在“有意无意之间”潜移默化中认识、技能、情感、态度、价值观。
二，充分挖掘教学资源，激发学生的创新能力，培养学生自主学习美术的兴趣，美术材料是学生创造力借以发挥的载体，学生对于一些未尝试过的材料更感兴趣，这样就为学生充分发挥创造力提供了一个良好的基础前提。
我在上脸谱制作时，在之前我布置了学生一个任务每个学生都收集一个形似脸形的鹅卵石（大小不限），我拿了个特大的鹅卵石走进教室，同学们都把鹅卵石放在桌上很诧异地看着我，我象变戏法似的拿出一个已经画好脸谱的鹅卵石展示给学生看，学生这才恍然大悟，于是我宣布上课内容戏剧脸谱制作，通过课件形式把有些人物脸谱的展示出来有曹操的，张飞的，关羽，包拯的，孙悟空等等，让学生根据语文课上的知识来回答问题，例如这些脸谱人物通常在小说里充当什么角色
有些什么性格
在绘画中通常用什么色彩来表现这些人物的性格
通过这些连环的递进式提问，把学生自主性地调动起来从而根据现有的生活经验、所学知识串联起来来回答问题，设计脸谱，学生设计的脸谱五花八门的，有红脸的，白脸的，黄脸等人物活灵活现地展现在蟹壳上。
最后我问学生在我们生活中还有什么材料上面可以绘制脸谱，有的说竹片上，甚至有学生说在鸡蛋上，乒乓球上等。
引导学生结合生活实际，引用生活中的不起眼的材料，作到废物再利用，进行创新。
只要肯动脑是可以创造出赏心悦目的艺术作品来，因为生活中缺少的不是美而是发现。
所以，充分利用好资源也是培养学生兴趣的好内容。
综上所述，在当前素质教育中，培养初中学生学习美术的兴趣是学好美术的关键，教师要针对现代教学要求，认真备课，备学生，备教材，要及时关心、发现学生的喜好，搜集学生感兴趣的事物，应用与课堂。
优化课堂教学，开展创新型的美术教育，对提高学生的审美素质，发展学生的创新能力很有好处，起到很好的积极作用。
什么是劳技
劳动与技术
服装设计有什么心得
1、点 点在空间中起着标明位置的作用，具有注目、突出诱导视线的性格。
点在空间中的不同位置及形态以及聚散变化都会引起人的不同视觉感受。
（1）点在空间的中心位置时，可产生扩张、集中感。
（2）点在空间的一侧时，可产生不稳定的游移感。
（3）点的竖直排列能产生直向拉伸的苗条感。
（4）较多数目、大小不等的点作渐变的排列可产生立体感和视错感。
（5）大小不同的点有秩序的排列可产生节奏韵律感 在服装中小至钮扣、面料的圆点图案，大至装饰品都可被视为一个可被感知的点，我们了解了点的一些特性后，在服装设计中恰当地运用点的功能，富有创意地改变点的位置、数量、排列形式、色彩以及材质某一特征，就会产生出奇不意的艺术效果。
2、线 点的轨迹称为线，它在空间中起着联贯的作用。
线又分为直线和曲线两大类，它具有长度、粗细、位置以及方向上的变化。
不同特征的线给人们不同的感受。
例如水平线平静安定，曲线柔和圆润，斜向直线具有方向感。
同时通过改变线的长度可产生深度感，而改变线的粗细又产生明暗效果等等 在服装中线条可表现为外轮廓造型线、剪缉线、省道线、褶裥线、装饰线以及面料线条图案等等。
服装的形态美的构成，无处不显露出线的创造力和表现力。
法国的迪奥（Dior）就是一位在服装的线条设计上具有其独到见解的世界著名时装设计师，他相继推出了著名的时装轮廓A型线条、H型线、S型线和郁金香型线，引起了时装界的轰动。
在设计过程中，巧妙改变线的长度、粗细、浓淡等比例关系，将产生出丰富多彩的构成形态。
3、面 线的移动形迹构成了面。
面具有二维空间的性质，有平面和曲面之分。
面又可根据线构成的形态分为方形、圆形、三角形、多边形以及不规则偶然形等等。
不同形态的面又具有不同的特性。
例如，三角形具有不稳定感，偶然形具有随意活泼之感等等。
面与面的分割组合，以及面与面的重叠和旋转会形成新的面，面的分割有以下几种分割方式：直面分割、横面分割、斜面分割、角面分割。
在服装中轮廓及结构线和装饰线对服装的不同分割产生了不同形状的面，同时面的分割组合、重叠、交叉所呈现的平面又会产生出不同形状的面，面的形状千变万化。
同时面的分割组合、重叠、交叉所呈现的布局又丰富多彩。
它们之间的比例对比、机理变化和色彩配置，以及装饰手段的不同应用能产生风格迥异的服装艺术效果。
4、体 体是由面与面的组合而构成的，具有三维空间的概念。
不同形态的体具有不同的个性，同时从不同的角度观察，体也将表现出不同的视觉形态 体是自始至终贯穿于服装设计中的基础要素，设计者要树立起完整的立体形态概念。
一方面服装的设计要符合人体的形态以及运动时人体的变化的需要，另一方面通过对体的创意性设计也能使服装别具风格。
例如日本著名时装设计师三宅一生（LsseyMiyalci）就是以擅长在设计中创造出具有强烈雕塑感的服装造型而闻名于世界时装界的代表人物，他对体在服装中的巧妙应用，形成了个人独特的设计风格。
