看到很多早教中心都有奥尔夫音乐课，奥尔夫音乐到底是什么
教学目标：1、 让学生掌握并学会运用“板着脸”“笑嘻嘻”“愤怒”“亲热”“温柔”“痛苦”“伤心”“ 着急”“委屈”“生气”“呲牙咧嘴”“嘟嘟嚷嚷”等表示表情的词。
小木偶的故事公开课教案教学设计2、能有感情地朗读课文，并在反复朗读中体会故事蕴含的道理。
3、能较合理地续编故事。
教学重点：学会运用有关表情的词，能在朗读中体会故事蕴涵的道理。
教学难点：能较合理地续编故事。
教学过程一、卡通表情导入1、出示木偶，你希望给木偶添加什么表情?3、我们的生活因为有了丰富的表情而变得多姿多彩起来。
可有一个小木偶，他在遇到这些事情的时候，只有一种表情——笑。
（板书：画笑脸）这是怎么回事呢
今天就让我们学习一个有趣的故事—小木偶的故事。
齐读课题。
二、整体感知课文1在打开课文之前，让我们看看小木偶给我们布置了什么任务。
举例阐述奥尔夫音乐教学的原本性教育观念
奥尔夫音乐教学法的思想和理念 奥尔夫音乐教学方法简单的可以提炼为以下几点： “原本性音乐”的存在方式 奥尔夫早在与好友桃乐茜.巩特尔的探讨中就提到了有关中新的教学课程和出发点，而最根本也是最核心的重点就是这种新教学方法的“原本性”。
音乐和舞蹈被当时的人们分成两种完全独立的艺术门类，但是奥尔夫看到这两种形式却能够在舞台上结合的天衣无缝，在演出中显得那样的完美和顺理成章。
这种原本性的教学和学习模式对立于学科－逻辑－内容的方法，更适用于普通音乐教学。
他们的教学影响了生物理论并发展了个体对头脑反应的认知。
奥尔夫的这种原本性音乐首先是从原始音乐开始的，他使用鼓和基本节奏作为音乐的背景，这是人类最早期的音乐体验。
很重要的是奥尔夫和巩特尔能够从学生最单一的物理层面体验节奏、速度、时值等，他们借助乐器通过律动来表达这些音乐元素。
在巩特尔的学校里巩特尔教舞蹈和理论课程，而奥尔夫为学生写适合他们进行音乐学习的曲子，当然这些曲子会根据不同的音乐元素的出发点来加以组合并完成。
奥尔夫“原本性”的教学理念体现在两个方面： 1. 音乐材料的原本性：将多种元素性的艺术行为有机的组合成为一种作品的表现载体，这种风格同样体现在了奥尔夫的中，即“原本性”的原则和理念。
奥尔夫强调原本性重在强调在音乐表现手段中体现每一个环节的元素，包括音乐技能技巧的元素、艺术形式的元素、材料采集元素、教学方法元素等等，源材料的组织就是由许多细小的元素组织而成的。
2. 方式的原本性：并且以极为明了和简单的方式呈现出来，让人一幕了然。
简单的元素需要用简单的手段加以表达，在奥尔夫的教学方法中强调直接透彻的表达途径，让学生以最为有效的方法将自己所听到的音乐、感觉到的意境表达出来。
教师能够透过每个学生最朴素和直接的传递方式理解学生的感悟，同时学生也必须在第一时间内做出自己最本体的反映而无需反复的揣摩的整理。
奥尔夫认为这才是在日常中应该有的方式，学生的直接表现给予教师信息，能够让教学在第一时间掌握学生的特性予以指导。
学生通过原本性的表达无阻碍的感受，达到了一种人性的自由。
课堂的参与方式 奥尔夫教学“开放式”的课堂形式 这里的“开放式”包括空间的开放和教学思维的开放。
在奥尔夫的课堂中我们常常会看到教师和学生们围坐成圆圈，此时教师和学生角色就不是那么直观了。
在一个圆圈中教师和学生都是圆圈中的一员，教师和学生的距离拉近了。
有时教师和学生的角色还可以互换，我们会把这一类的活动称为“互动”，特别是在即兴创作或是模仿和对答活动的时候，教师和学生都在互动。
从这个形式上的改变来看，奥尔夫教学方法从教学课堂形式上就产生了变化使得课堂的氛围得到了改变，同时学生又是课堂的主人，教师与学生用开放式的思维方式进行交流和学习。
当然这种开放式的音乐教学课堂模式是对教师教学能力的挑战，教师在这样的形式会考验到自己的控班能力以及课程安排设计能力。
说“开放式”并不等于没有课堂秩序，而是对这样的奥尔夫课程来说需要的是更多能够吸引孩子的素材，更丰富的和足够的个人魅力。
开放式的思维模式也不是指教师可以随意安排和组织教学内容，想怎么说就怎么说。
优秀的奥尔夫音乐课将会在欢乐中显得十分紧凑，内容和内容之间的衔接、与上节课内容的对照呼应都必须是中重要的步骤。
音乐与律动教学 音乐与体态律动的结合在奥尔夫的音乐教学理论中也是很突出的形式之一。
但体态律动区别于舞蹈： a) 律动体现的是音乐元素和，而舞蹈往往表达情感和情节。
通过律动的表现可以将听觉艺术转化为视觉艺术，能够让学生通过律动的表现看到卡农的声部进行、赋格的相互交织、曲式的变化。
比如律动中出现A、B两组学生，在某一个音乐主题的时候有A组出现，当第二个主题出现的时候B组出现；如果AB组同时在舞台上表示音乐此时两个声部都在进行。
同样的通过动作的变化和重复也可以表达音乐的结构。
当然表达音乐细微的情绪或是音色的变化都可以通过律动来达到，这一理念是得到达尔克罗兹教学法的启发。
b) 律动中存在大量的即兴,。
律动活动正如达尔克罗兹提出的是根据听到的音乐作出的第一反应，而舞蹈常常是安排好固定的动作,并且需要尽可能严格的遵守每个动作的要求。
在奥尔夫教学中，有一种节奏律动活动被发挥到了及至，这就是声势。
以人体作为一种乐器不同的拍击方法和绚烂的动作相结合可以成为音响效果极好同时又很能感染人的打击乐声音效果。
游戏与音乐要素的结合 奥尔夫音乐教学方法之所以能够被广为运用的一个重要原因就在于它的乐趣。
奥尔夫提倡要在愉快中进行学习。
奥尔夫将音乐的元素变成很小的单位并且通过游戏的载体贯穿在游戏中让学生玩乐，在不知不觉和潜移默化中学习和训练。
比如蒙住眼睛听声音的方向猜出自己的同伴在那里。
孩子被强迫用耳朵来辨别和判断，这样对于耳朵的训练就即有趣又有效。
当然，游戏一定要有游戏的目的。
奥尔夫一再强调作为教师一定对自己的每个游戏的设计都要有真正的音乐目的，而不是纯粹的玩乐。
孩子在游戏中可以不知不觉的训练但是教师一定要清楚的明白自己的教学目的是什么，训练的是哪个方面的技能，培养的是哪个方面的情感。
同时，教师对于游戏的安排是很讲究的。
由于游戏有其充满乐趣的一面，这就使得很多老师常常无法把握自己的教学秩序，因此在设计教学活动的时候不能一味的追求趣味性，更要考虑孩子的情绪，要学会教学环节安排的科学性 奥尔夫是一种过程式的 奥尔夫的教学方法讲究循序渐进的课程安排，并不像传统的音乐课能够在一节课中明确的学会一首歌或一个舞蹈，然而至于音乐元素和音乐技能的学习是微乎其微的。
奥尔夫的强调学习和感悟音乐本身，而不仅仅是针对某一首歌曲，然而这种教学方法是需要一个长期的积累的，在逐步的中体验音乐、学习音乐。
奥尔夫音乐教学中的“过程”是非常重要的一个观点，其中的关键是探索和体验。
音乐的基本元素首先是在最简单的活动中表现出来的，它们是未加工的、粗糙的。
逐渐的，通过体验，这些元素被精炼和提升成为更复杂的探寻和体验。
空间的探寻 孩子在教师的鼓励之下尝试探寻各种不同的动作特性――轻的、重的、上、下、里、外、平稳的、颠簸的移动等等。
身体位置和运动在没有讨论和教师讲解的情况下被探索和体验。
有一种循环的探索根据以下几点进行：内在的动机成为外在表达的一个部分。
动作作为奥尔夫音乐学习的一个基础载体和形式，也是其他所有学习的重点。
声音的探索 声音的探索起源与环境的声音和那些没有经过组织的声音：比如狗的叫声、门砰地关上、飞机经过头顶或打碎东西等等。
然后这些声音可以进行一定处理和组织：有节奏的在桌子上敲等等。
孩子可以尝试和体验不同性质的声音：响的声音、弱的声音、金属的声音等。
第一件接触的乐器并不需要是十分标准的乐器而应该在于孩子们能够在日常生活中寻找到的物体，它可能是一个瓶子、一堆木棒，孩子们通过自己对物体的想象的探索可以找出许多不同的声源。
这些在原始物体上发出的声音能够是乐器的学习进入一个简单的模式，这种模式需要一个开始和一个结束以及一系列定义的限制。
声源由许多不同的声音特质组合而成然后它们会成为一首首音乐，并不是仅仅为演出之需更重要的发展下一个阶段的探索。
人声同样也是这样的探索过程，孩子们发现有许多的方法能够从自己的嘴巴里发出不同的声音，这些声音可以组成不同的语音同时成为不同的词组和句子，所以对于自己的人声探索是最为简单的乐器。
于是奥尔夫将语言作为一种声音进行节奏练习： 无意识的词语和声音影响着孩子和成人。
他们对于声音的使用使得他们在音乐学习上又迈进了一步，因为多年以来音乐学习的素材就会来源于语言和歌唱。
形式上的探索 形式上的探索同时发生在空间和声音的探索中，动作被组成为一个个段落然后联合成舞蹈。
声音则由相似的和不相似的乐句、介绍和尾声组成一部作品。
动作、声音的姿态以图表的形式被概括，它们被抽象为符号和象征信号。
这是非常粗糙的但是又是及其简单的影响了奥尔夫各个方面的学习元素。
即兴和创作性的音乐思维 很多教师错误的认为所谓创作和即兴是没有衡量标准的，因此在课堂上使用这种方法的时候往往只让孩子们即兴创作确不做任何的评价，其实这是非常错误的。
首先，我们哪怕是做十分简单的即兴都需要一个要求，比如做一个2\\\/4拍两小节节奏即兴等等。
然后教师在中间所起到的作用是纠正－完善－改进。
从模仿到创作 在奥尔夫学校音乐教材中，模仿曾经被用来确定一个创作的角色。
模仿是最早的学习模式，中世纪的艺术家在成为大师之前都是学徒，一个在非洲的鼓手就可能在成名之前做了很长时间的学徒。
一个奥尔夫教师就像一个“大师”或是一个重要的角色范本。
教师的角色渐渐的成为孩子学习、模仿和跟随的对象，就像我们平时说的一个班级的孩子风格能够是教师风格的反应，这种现象尤其在小年龄的孩子中间极为普遍。
然后教师开始启发孩子们，使得他们越来越独立，最终能够有能力解决他们自己发觉的问题并找到原因。
这就是一种模式： 有两只小鸟站在树梢上（食指小指伸出来）手指代表小鸟 一只叫捷克，一只叫捷瑞（唱到捷克是“捷克”动，唱到捷瑞“捷瑞”动） 飞吧捷克，飞吧捷瑞（飞到另外一个手上，另外那只手食指小指伸出来） 回来吧捷克，回来吧捷瑞（在回来原来的手上） 著名教育家曾说：“儿童的智慧在他的手指尖上”。
对于婴幼儿来说，手指的活动，是大脑的体操。
活动的是手，得到锻炼的是大脑。
手的动作与人脑的发育有着极为密切和重要关系，对语言、视觉、听觉、触觉等的发展也有极大的助益。
奥尔夫音乐课最适合哪个年龄的孩子学习
有什么好的律动推荐吗?具体点。
谢谢
求大神帮助
采用奥尔夫音乐教学理念，针对0—3岁婴幼儿身心发展特点，以语言（诗辞、儿歌、童谣的节奏朗诵、多声部朗诵）、音乐、游戏、体态律动、歌唱、乐器演奏等综合艺术形式，结合孩子日常生活的体验，在轻松愉快的气氛中，使孩子主动地参与到音乐活动之中，在潜移默化中掌握音乐的节奏，发现音乐与艺术的奥妙，感受音乐的乐趣，从而增强对音乐的感知能力和兴趣，塑造健全的人格。
本套音乐游戏是在研究不同年龄段宝宝五大功能区发展现状的基础上，分别设计的针对7个月至30个月的宝宝，以3个月一分龄形式的多种游戏。
为了使孩子的游戏兴趣更加高涨，又根据游戏内容分别配置了或柔和、或清新、或节奏鲜明、或旋律优美的不同类型的音乐。
本音乐游戏全集的宗旨正是通过音乐将游戏的快乐带给孩子：游戏是宝宝最喜爱的一种活动形式。
对于小宝宝来说，游戏就是学习。
游戏带给宝宝的益处表现在方方面面，如身体的生长发育、智力的发展、情绪情感的发展、社会性的发展等都起到了决定性的促进作用。
游戏的过程满足了宝宝好奇、好重复、好探索活动的愿望；宝宝在玩游戏的同时还降低了对于成功的期望和对失败的担忧和压力，使宝宝不害怕失败，承受挫折的能力更强，游戏反而会使宝宝更有毅力。
对于宝宝来说，这决不单单是听音乐和玩游戏，它是为提高宝宝智能及运动能力而进行的重要工作。
相信宝宝在音乐与游戏的陪伴下，将会更加快乐地成长。
采纳哦
奥尔夫音乐教学反思
奥音乐教学 篇一：奥尔夫>音乐教学反思 《鼠进行曲》这个活动自小班奥尔夫音乐教材的一个音乐。
第一次在亲子班尝试进行奥尔夫音乐教学，整体是比较成功的。
整节课中以小松鼠老师带小朋友>秋游为线索，进行一系列的活动。
亲子班的孩子年龄较小，词汇量较贫乏，对于“秋游”一词的理解较为生疏，在以后的教学活动中，应该多丰富孩子的词汇量。
这个活动的设计分为三个环节：第一个是肢体律动，第二个是跟随音乐在教室进行爬山、过独木桥、钻山洞的律动，最后就是让孩子使用乐器进行集体演奏。
首先孩子们在进行肢体律动时，都能跟随老师进行刷牙、洗脸、照镜子、穿衣服的动作模仿，在模仿过程中，孩子们的积极性很高，因为这些简单的动作都是孩子们生活中经常接触的。
每一个肢体动作孩子们都使用固定拍进行。
第二个活动时，引导孩子们出去玩要经过一些什么地方，孩子们的生活经验较浅，回答不出老师的问题。
最后在老师的帮助下，孩子们集体学习爬山、过独木桥、钻山洞的动作。
在活动中，我发现孩子们的模仿能力非常强，而且很愿意参与这类模仿的活动。
有些孩子特别在过独木桥时，模仿老师“身体摇摇晃晃”的动作时，活灵活现。
最后一个活动可以说是一个尝试，对于亲子班孩子来说也是一个挑战——让孩子们使用乐器集体演奏。
很多老师都说小班的孩子在使用乐器时很麻烦，因为孩子年龄小，自制力较弱。
总结去年一年带小班的经验，其实孩子们是非
奥尔夫音乐课基本都用什么乐器
一、重创造性活动”让学生自主学要学生“动”,创造性(或称即兴式)学乐,这是奥尔夫特别强调的一个重要原则。
熟悉奥尔夫音乐教学法的人,不由得被它的自由、灵活、快乐所折服。
而现行的音乐课教学主要是学生模仿现成的音乐艺术作品,很被动。
教师也是认真地追求着“出成果”,严厉地对待学生,学生自然会感到一股莫名的压力。
由于在音乐方面人的先天素质客观上有着很大差异,就我们现有的课程要求来说,总会有一部分学生离教学要求甚远,于是他们自然对音乐“敬而远之”,教师也束手无策。
老师都会有这种体验,学生在课堂上一“动”起来,气氛就活跃多了。
学生在课堂上在教师的引导下作音乐性的“动”,必然沉浸在一种游戏般的欢快之中,他们在不知不觉地接受着音高、节奏、听辨、协调统一等等综合音乐能力的训练。
如,在第一堂音乐课的节奏教学中,根据学生互相还不熟悉,老师也记不住名字的特点,老师首先让他们进行自我介绍。
如:(我叫XXX),按节奏:(走走 跑跑 走),让学生也像老师这样介绍自己的名字,并分成两部分,叫两个字的站在左边,叫三个字的站在右边。
然后在每个学生按节奏介绍完自己的名字后,记住对面一个同学的名字。
这时我再把四分音符和八分音符写在黑板上,在让同学们按“走”和“跑”读出来。
为了让学生对这两个节奏加深印象,让他们用手、脚做动作练习。
来让学生体会节奏的强弱。
这样,同学们学会了四分音符和八分音符的节奏。
在教学实践中,我重视培养学生的即兴创作。
如即兴创编节奏诗,即兴伴奏,为动物形象创编节奏,即兴通过节奏来表现歌曲内容等等。
奥尔夫音乐教育体系认为:即兴是对一个人的一切禁锢的放纵。
在我的课堂教学中,力求让学生们得到“放纵”的最大快乐,以此诱发学生的实践兴趣。
鼓励学生能动地参与集体性,多样性,探索性的整体艺术实践活动,并在活动中充分发挥了潜能,获取新的知识,培养和发展了学生的创造精神和创作能力。
让学生自由、自主地活动,成为学习的主人,有效促进个性的健康成长。
二、重视实践活动,让学生快乐学习奥尔夫音乐教学法认为音乐是人本能的一种需要,是享受快乐的过程,学生并不单纯学习熟练的技巧,而是需要心理和环境的宽松自由。
奥尔夫音乐中用得很多的一种活动,就是跟老师的节奏随意做动作。
刚开始只是四分音符和八分音符的区别,也就是平步走和快步走的区别,但慢慢会加入二分(慢步),或四分(拐弯)的声音,学生们很乐衷于这样听节奏随意的走动,他们会开心地跟着音乐的变化做一些自编自导的动作,甚至表情,他们会乐在其中,乐此不彼。
怎样把奥尔夫的音乐教育方法融入到人音版小学四年级上册的音乐课教学中
乐器在教学中的应用方法是奥尔夫音乐教育更实质性的内容，乐器仅是个工具。
在这方面内容的确非常丰富，这里仅介绍其中一些典型例子。
①从多声的节奏朗诵,声势转换成节奏乐的伴奏、合秦：如 |李钢|换成鼓敲|××|节奏。
|王小 二|换成双响筒|×× ×|节奏。
|欧阳 帮多|换成串铃|×× ××|节奏， 全班分三组，每人一件乐器。
这就是一个最简单的三声部节奏乐队了。
由于每一个声部只演奏一个固定音型，无任何技术负担，教师还可以指挥声部的进进出出，学生只需跟随着指挥开始、停止，强弱快慢变化即可，又不看谱，又不会担心出错。
如果用这个节奏乐为一首大家熟悉的两拍子的童谣或歌曲做伴奏，边说（唱）边奏，又增加了难度（一心二用），又使音乐更丰富，会令学习更加有趣。
这种语言和声势转换成打击乐的例子，有时是可以构成一个小型作品 ② 通过探索式的学习，了解乐器，比如有个课例叫“鼓的故事”，每人发一个铃鼓。
先看看自己手中这个乐器上面有什么东西，用手摸摸各个部位，再用各种办法试试会发出什么声音。
这时的教室肯定很热闹。
然后要每一个学生轮流想出一个敲击的方法。
大家摸仿他发出这个声音。
每人要不同的声音。
于是敲鼓皮、敲邦子，用手掌拍，用手指弹，用手指划鼓皮，晃动铃响，以至把铃鼓放地上转……孩子们会想出各种各样方法发出声响，而大家摸仿又是一种新的学习。
在这些基础上，可以用鼓敲各种节奏，大家摸索仿；还可以做音量，节奏变化，学生轮流当指挥。
一个鼓象一棵种子，可有很多的发展，开发出一株大树。
③利用打击乐器进行节奏训练的例子还包括节拍的学习，读谱（节奏谱）的练习等等，奥尔夫的《学校教育》五卷本有许多例子。
下面是笔者将《鸭子拌嘴》（中国民族打击乐曲）中的一段乐谱简化后编的一段节奏乐谱，适于小学低年级，谱中个别节奏如 可能会比较难。
但他们用听奏法大致还是可以敲出来的。
笔者曾在深圳实验小学一年级做过一次公开教学课，证明学生的潜能常常出乎大人的意料。
附《鸭子拌嘴》节奏乐谱。
（略） ④ 用节奏乐对话，“讲”故事。
这又是一个即兴的课题，可以两人一组任意接挑选一件打击乐器，用它来相互“聊天”，或表现一个敲击乐“小品”，如一人看报，一人老去吵他，两人争执起来，又和好等等。
还可以大家分组设计一个故事，用打击乐器伴奏动作来表现……象中国的《三个和尚》，《龟免赛跑》等等都是很好题材做即兴奏乐练习。
其他《暴风雨》、《看球赛》这样的题目也很适合打击乐即兴。
⑤ 音条乐器的原理同打击乐一样，它都是主要应用大肌肉活动，通过敲击来奏乐，对任何人都是极容易学会的，奥尔夫的音条乐器有个设计非常精致：每架琴一般十三至十五个音条，每个音条可以摘取，这样在初学入门时，有时只用2——3个音来奏时，为怕学生敲错音，即可将其他间音条摘掉。
奥尔夫为孩子们设计的音乐完全是从原本性音乐出发的，比如开始只用 5 3(So Mi)两个音的歌曲，一学就会。
在之后较长一段时间里只用五声音阶编写歌曲，这些歌曲由于没有半音，非常容易学习和记忆，更重要的是这种五声音阶歌曲，当做多声练习时不会产生刺耳的不谐调音响，不像在和声性的歌曲中有和声的规则限制。
它是一种横向线性的音乐。
这是原本性音乐的特点。
还有就是固定音型的应用，也是奥尔夫原本性音乐最突出的特点，一段较长的音乐只用一个节奏型反复敲奏，极容易掌握，也容易创作。
和固定音型类似的还有五度的长音伴奏，波尔动等形式。
在曲式结构上前面也已介绍过了。
在音条乐器上这些都是儿童很容易就能设计并演奏出来的，原本性的音乐就是在这样的乐器上产生出来了。
下面附三首我国奥尔夫学会付理事长李燕治老师编的为我国少数民族儿歌伴奏的乐曲 。
（略） 最后想介绍利用打击乐参与进行欣赏教学的方法。
近二十多年参与音乐的方法在音乐教学中成为一个新潮流，教师们利用符号做的图型 谱，利用身体参与外，还大量使用了奥尔夫乐器（主要是打击乐器），学生听着音乐，看着图形谱，边敲着打击乐，就好象自己也是其中的一个乐队成员一样，不但提高了兴趣，更由于亲自的参与，对音乐的体验更清晰、深刻。
比如《春节序曲》李焕之曲。
是一个复三部曲式，我们先将曲式结构画出一个图来（见结构图谱）。
将其中几段音乐设计了四个节奏谱：（略） 乐器符号： Q鼓，-‖-钗；□ 双响筒（哇盒)； △ 三角铁； 串铃； ⊥ 单面钹。
全班分成五个乐器组，另外，有一个敲单面钹，在B的连接部敲。
学生只根据他们听到的各段按不同乐器的节奏进入，重要的是教师要非常熟悉整个乐曲。
弹见附主旋律谱（供教师用,下面是节奏乐谱)。
这个教案因音乐非常优美，气氛热烈，学生们演奏没任何技术负担，参与的积极性很高，效果总是委不错的。
在这样参与基础上，音乐已深深印在心里，再简单介绍与乐曲相关的结构，创作背景，学生们都是非常乐意听的。
国外象这类的教案，教材非常多，一改过去被动地欣赏，深入不进音乐里的状况，深受学生和老师喜爱。
奥尔夫音乐教育进入我国不过十几年，国内还没有专门的师资培训机构，在与中国文化相结合方面还有许多路要走。
但从接触过该教法的教师和学生们以及许多教育专家的反映看，它的确给我们带来一种新鲜的气息。
借该教育体系作桥，可以引导我们更快地赶上世界音乐教育先进行烈，为向跨世界迈进做出我们的贡献。
