莫奈与印象派读后感
莫奈曾说过：作画里，要忘掉你眼前是哪一种物体，想到的只是一小方兰色、一小块长方形的粉红色、一丝黄色。
因此，就出现了画家的创作中的注意力，不是集中于要表现的景物上，而是放到了景物周围的空间环境、光线、烟雾、气流所产生的效果上，或只是局限于表达在一定条件下，景物着光给画家留下的瞬间印象上。
从印象主义的产生、发展看，创始人非莫奈莫属。
他将毕生精力献给了对西方画界产生了重要影响的印象主义，是以他为首的一批艺术家的不懈努力，突破了此前学院派的保守思想，极大地冲击了19世纪后半叶占据西方画坛统治地位的官方艺术，从而为掀开西方现代绘画史新的一页，作出了重要贡献。
为后人留下了宝贵的艺术财富。
应该说莫奈是印象派画家中最先获得成功的人。
由此可以推断莫奈应该是“新印象派”。
草木智慧的读后感是什么
[《草木皆喜》读后感]《草木皆喜》读后感 《草木皆喜》读后感 大地上的植物都有着独特的语言和丰富的经历，等待我们去了解它们的习性，问问它们的姓名，《草木皆喜》读后感。
只是，我们的脚步总是从树荫下匆匆掠过，偶尔眼眸会停留在花朵上，但也是被它美丽的霓裳吸引，少有心灵的倾听与沟通。
但我相信这个世上有怜爱草木的人，怀着一颗善良、敏锐、智慧的心灵，从发现四叶草开始，在季节里品味生命的鹅黄，寻觅南北菩提的禅意，到林中欣赏白皮松的舞步，采撷秋叶上滑落的诗行。
一场场花遇，终识得草木心。
这本《草木皆喜》便是他用心与植物沟通和交流的记录。
书的封面是淡淡的草绿色，画面是葱茏树木下一个头戴礼帽的背影坐在一张长椅上。
我看不到他的面容，但整个画面的氛围是让人静默和沉思的。
在这个寒冷的冬夜，还没来暖气的屋子很清冷，而这本\\\\二十一世纪城市人的植物学手记\\\\如一杯袅袅散发着热气的清茶温暖着我。
在作者莫幼群先生的带领下，我认识了\\\\与魔鬼打交道的草\\\\，\\\\带刺的思想家\\\\，知道了印象派大师莫奈最钟情的是睡莲和干草垛，日本作家渡边淳一喜欢用花草使自己的文章蒙上一层唯美的色彩。
而更感动我的是作家与植物同悲同喜的灵魂。
他说\\\\有时读到植物的名字，就不由得眼睛一亮，听到歌中有植物的名字，身体也不由得打一个激灵，似乎通向某个神秘花园的通道被打通了\\\\，他还说\\\\我有幸观赏了它们绚烂的起点，更有幸品尝了其甘美的终点，夫复何求?\\\\ 这是一个真正的热爱植物的人，他不是用眼睛而是用心去结识花草树木，他的情感都寄予在植物中。
而植物同样给予他感悟:\\\\从合欢到忍冬，只有短短的几十米，而从欲望到隐忍，我则还有很长的路要走。
\\\\自古不乏真爱植物的人，也不乏懂得花草的人。
\\\\采菊东篱下\\\\的陶渊明，\\\\梅妻鹤子\\\\的林和靖。
而这本书的作者\\\\老末\\\\也同样是这样的人。
我在他的《草木皆喜》里收获着，欢欣着,并荣幸通过博客结识了他。
淹没在滚滚红尘，我经历和看到人心比植物善变和冷酷，\\\\感恩\\\\是需要来\\\\过节\\\\的。
在我所知，植物比人懂得感恩。
记得小时候看过一个电影《秋翁遇仙记》，大意是讲一个叫秋翁的老人种植了片牡丹园，他在晨露还没消散时就到园中施肥，在夕阳西下时还在园中除草。
他几乎所有的时间，所有的爱都寄托在牡丹花上，读后感《《草木皆喜》读后感》。
因此，他种植的牡丹闻名十里城乡。
但是，一个恶霸想抢走牡丹园而诬陷和棒打老人，老人种植的牡丹花显灵了，牡丹仙子惩治了恶霸，牡丹园也得以重归爱花的老人。
若说这毕竟带点神话的话，现实中植物救治人类的绝不是新闻而是事实。
比如沙漠中沉默的仙人掌，黄风中屹立的胡杨林，奉献给人类的不仅仅是物质更是精神:那种忍耐，坚韧，不畏强暴的高贵品性。
在五六十年代粮食缺乏的时期，那些榆钱、槐花、芨芨菜、马齿苋是保命的粮食，有多少人因为这些食粮而幸存于世?而甘草、当归、藿香、薄荷，这些有着美丽名字的中草药是治病救人、保佑健康的好植物。
植物比人类活得简单而丰富。
它们索取的极少，阳光和水分足以生存;它们用温和、纯净的目光静观世间沧桑、风云变幻，人生一世，草木一秋，百年甚至千年的阅历足够它们炫耀或四处传播所见所闻，但他们始终静默着，安静而高贵的静默着。
大象无形，大爱无声，它们值得让人类学习和敬仰的。
植物更给予人类太多的启示。
在今年6月去神农架的路上，我透过车窗看到对面山中葱茏的树木。
其中有一排排高大挺拔的巴山冷杉匆匆掠过。
导游介绍说这种美名为\\\\站岗树\\\\的杉树被当地人戏称为\\\\不要脸树\\\\。
我们仔细一看，这些树果真是外皮脱落，裸露出光滑的树干。
导游说它正是以不断脱皮积蓄养料来维持生存。
有舍才有得，失去有时是为了更好的活着。
植物不愧是人类的老师! 与植物为友，实在是一种福气。
\\\\梅令人高,兰令人幽,菊令人野,莲令人淡,春海棠令人艳,牡丹令人豪,蕉与竹令人韵,秋海棠令人媚,松令人逸,桐令人清,柳令人感。
\\\\这些丰富而美好的气质品性难道不是我们渴慕拥有的吗?常与之为邻，为伴，为朋友，为知己，即使难得其神韵之满，也可得其一二之味道吧?我也是个热爱花花草草的人，曾经在野外看到一朵小野花而心欢，曾经将一枚枫叶捡拾起存放在书的一页，而此刻，在我写这篇文字的电脑桌旁，\\\\带刺的思想家\\\\仙人球正陪伴着我。
一树一格调，一草一传奇。
人们也终于明白植物的丰富与珍贵，而倡导\\\\植物化生存\\\\。
植物化生存不是清心寡欲，逃避世俗。
而是用一种内敛，清净，和谐的生活方式取代肤浅，浮躁，张扬的生活方式。
用植物的情感方式取代动物的情感方式:动物身体亲密接触而灵魂背离，植物在大地上独自生长而根在地下紧紧的连在一起! 像植物一样简单生活。
求一篇800字的莫奈的《日出印象》的赏析 急
约翰·伯格的《观看之道》这本书看完之前，我并不能懂得观看本身是值得如此深究的话题。
1972年，英国艺术史家约翰·伯格(John Berger)的电视系列剧《观看之道》在BBC播出，它改变了整整西方一代人观看艺术的方式。
而今，英国电影学院在40年后重新完整播放全剧，回顾他的作品给当时的审美方式带来的革新力量，也在全球艺术资本化的今天重新呼唤一种浪漫主义的视角。
书的首章大约是本雅明《机械复制时代的艺术作品》中诸多论点的概述，这本书如雷贯耳，没看过，但其间的道理在别处多有听闻，比如当艺术作品因彩色印刷技术的复制，可以达到千家万户的墙壁，这些作品在原先时代的性质不复存在，它们有了全新的琐碎的生命与意义。
在《观看之道》的结尾部分，他就“艺术结合金钱”的危险性提出了警告，而这样的现实而今正环绕着我们。
“假若社会上对个人的妒羡没有发展成普遍而广泛的情绪，魅力就不可能存在。
想民主推进而中途辍步的工业社会，是生产这种情绪的理想社会。
……‘获取’这一行为，取代了其余的一切行为……今天，在发达国家，资本主义的同一目的又在得逞，它使用的手段是把判断事物吸引人与否的虚假标准强加于人。
” 而约翰·伯格这本书中所谓观看之“道”，便是类似讨论的延续。
即是要讨论日常的观看的背后，是如何一副社会与文化景观在支撑。
比如书中讲到肖像、静物油画何以如此写实。
因富有的油画的收藏者要靠画布上仿佛触手可及的华丽事物的描暮，以确认自己的财富——“许多油画本身就是用来标示可用黄金或金钱所能购买的东西”。
而通常显得神情空洞的神话题材，则是让收藏者“看到自己（或其妻其女）伪装的高贵身份”。
因此，这些油画其实就是收藏者可买到的、可装点的、可伪饰的实情。
如此观看油画，有了一种别样的“道”。
书里最后探讨广告对人们观看行为的影响，以及观看广告对人心的影响。
这正是如今我们每日的观看的主题。
约翰·伯格对广告有直刺要害的解剖，“广告作为一个体系，只提供了一种信息……我们只要消费，就会更富有——虽然我们在花钱后，只会变得更穷。
”广告鼓足澎湃动力为我们吹嘘的，只是为了一个提醒：用了广告所代言的东西，你便可以成为人人艳羡的那一位，然而你永远都还没有达到令人艳羡的那个地步。
于是，人们便永远需要广告来对这可悲的现实进行提醒。
为了这个提醒的目的，广告便形成了自己的运作机制：制造神话，并告诉世人他们可以轻松实现神话。
以往，事实形成故事、故事散布为传说，而后能至神话者，万里挑一。
如今，作为广告的神话是迅速炮制出来的——衣服一泡就干净是洗衣粉的神话，头发一泡就丝滑柔润无头屑是洗发水的神话，一包粉一泡就是卡布奇诺是速溶咖啡的神话。
广告中出现的人物则以一种值得艳羡的优越感享受着洗衣服、洗头发、泡咖啡的快乐。
这些还低级的，高级的则更加厚颜无耻的制造无逻辑的假象：开着某种车的一家人幸福而其乐融融，买了某种衣服的男人周身有女人无数……这一宗宗神话的描摹由机械复制时代开始，到如今数字复制时代，有更强悍的传播力。
人们极少质疑广告，因它们是名正言顺的谎言，而我们从降临这世界，便被广告包围，也便被剥夺怀疑的权利。
而广告带来的此种观看之道，被现在所处的一切领域躁动而急功近利的社会环境催化、无限夸大。
作为广告载体的媒体也不可避免地被彻底腐蚀。
它们企图将一切信息、新闻、事件以广告的方式来策划制作，无须调查，不需要有逻辑，或者虚构调查、制造逻辑。
而我们也以观看广告时的心态去观看这些信息，当这些新闻是触手可及而又毫无关系的神话。
当迈克尔·杰克逊死去，媒体翻出许多旧日耸人听闻的新闻包装整合，靠标题、专题、话题，无非又炮制出一宗硕大广告，究竟其中有谁在真正满怀深情的悼念这个伟大的天才，不得而知。
广告的目的是诱惑你购买产品，媒体的目的是诱惑你点击，产品至少还要依靠研发，而媒体只能日日祈祷高分量的死亡。
而政治话语的广告化，令这世界彻底沦为一个巨型广告，其间充满自己许诺的不可能实现的美好未来。
广告以及广告带来的华而不实、无需思考、迅速达到高潮的观看之“道”，损害心智，最严重的后果，是人们思索、探寻真理的能力被彻底摧毁。
这种观看之道的无孔不入，叫人来不及避让。
想要不接受，除非闭上眼睛不再睁开，然而还有奄奄一息的广播。
这世界的环境早就成为剿灭真理之火的一只灭火器，每日气势磅礴喷射出的出的，除了许多神话泡沫，便没有别的了。
于是，如何得到一种不看之道，以及这种“不看”之道找到的可能性有多大，是我由此书得到的疑问。
并且我解答不出。
《观看之道》的清晰表述部分源于伯格毫不妥协的政治立场，同样，在观念艺术主导的当代艺术领域，它也代表着一种坚持，即，艺术是关于图像的力量。
艺术家和策展人都不应该忘记这一点，因为历史不会忘记，观众也不会忘记。
20世纪最成功的公共展览之一，1999年英国皇家学院的莫奈大展吸引了70多万观众，而大卫·霍克尼正在举办的展览同样吸引了众多参观者，这些展览都是伟大艺术家创作的令人难忘的图像。
当金钱发出的声响如此震耳欲聋，人们是否还能听见伯格那老式的、乌托邦式的回响
或者，在这个物质至上的时代，当荒诞的价格——弗兰西斯·培根3300万美元、亨利·摩尔1900万美元——迷住了人们的双眼，艺术似乎只剩下作品商品的价格，伯格的声音是否更能显出其意义所在
又或者，是否他的声音已经被消灭、驯服，成为艺术市场交响曲的一个声部了
莫奈《睡莲》赏析
莫奈的《睡莲》无疑是其鼎盛时期的代表作品，这幅作品创作于1907年。
当时正是印象派的鼎盛时期，莫奈的绘画技法和自身的研习都已经到了登峰造极的地步。
在看似随意轻松的笔触中却将光线的美感，水面上自然漂浮的睡莲的温柔表现的淋漓尽致。
他的《睡莲》色彩十分丰富，但是所有的颜色在画面中都是分外的柔和和均衡。
仅仅是描绘莲花的颜色也是随着光线和环境的影响而色彩变化多端，让人虽不能一口断定是什么颜色的睡莲，但是却又觉得那些娇艳的睡莲就近在眼前。
甚至是那些捉摸不透的笔触都好像在描绘着莫奈当时对池中睡莲的喜爱。
作为印象派大师，莫奈无疑将他自己喜爱的睡莲描绘的更加活灵活现。
湖中的倒影和湖面上的睡莲看似都是有色块堆砌而成，却疏密虚实相得益彰，让人一目了然却又回味无穷。
看到莫奈的《睡莲》的人想必也会想象自己也能拥有这样一个美丽的小池塘，享受这样惬意自在悠然自得的生活吧。
如何评价莫奈的《睡莲》
而说起莫奈《睡莲品系列的，那也是世界艺术史上的一段。
1890年，莫奈经济状况丰足，让他得以购置其自1883年在吉维尼租下的一所房子和大花园。
凭着无比的魄力和决心，他毅然把花园改建，加入了一个大池塘。
从此这个花园给予莫奈无尽灵感，也成为他创作生涯最后三十年的核心题材。
莫奈曾向一位画室访客解释道：“我花了不少时间了解我的睡莲，当初栽种的时候只是纯粹为了乐趣，并没有打算以它们入画。
风景映像往往需用上多于一天的时间才能过目不忘、铭刻于心。
我在顷刻间发现到意想不到的惊喜——原来我的池塘是多么的美妙——随后我便开展绘画的历程。
自那一刻，我几乎再没有其他绘画的题材了。
”海伦娜·纽曼称，莫奈的《睡莲》系列是现代艺术发展过程中最具标志性的画作系列之一。
莫奈不再以清晰的透视画法绘图，而开始注意颜色、纹理及环境效应等元素，在此过程中形成了一个更为抽象的创作风格。
莫奈年轻的时候，在巴黎生活窘迫，绘画上又受到当时社会的排斥，但是他顽强的坚持着，并参加了多次展览。
随着时间的推移他的作品被人们慢慢的接受和欣赏。
到中年后，他在绘画上有了一点成就，经济状况好转，于是买下了一块地，找人建造了一个池塘，并精心设计了自己的水上花园，还大量的种植了垂柳和睡莲，他非常喜欢睡莲，经常对着睡莲作画，有时候摆上好几块画布同时作画，能够随着时间的变化，敏锐的捕捉瞬间睡莲在光线下的微妙变化。
他画出来的睡莲形态各异、色彩和谐斑斓，都有空灵的美丽。
此后十几年里，莫奈把整个身心都投在这个池塘他的睡莲上面，睡莲成了他晚年绘画的主题。
莫奈早期的睡莲作品，还能看见日本的小桥，从苍翠的树中拱起，形象十分生动。
而晚期的睡莲作品，就是生命的最后阶段，他的作品中已不见那座日式拱桥了，池塘周围的风景，只剩下在画面上部狭窄的一块，池内的睡莲更是简练，最后完全消失，有时画面的水面很深沉，连天空也不见了，整个画面里只有睡莲。
莫奈睡莲的色彩，几乎全用的是现实之中眼睛所看到的颜色，其中用蓝色来表现睡莲深蓝色的花瓣，用冷色调整覆盖了整个画面，给人一种阴冷的压抑的感觉。
在垂直的平面上描绘出淡蓝和深蓝的水面，而水面上海浮着几朵极具浪漫的花，那蓝的近乎深紫的睡莲，有种窒息的难过和伤感。
睡莲表达了莫奈内心的情愫。
它作为一种植物，已不是一般的描绘对象，而是莫奈内心感受最直接的表达。
在他的睡莲作品当中，与其说是用色彩表现大自然中的睡莲，不如说是用睡莲表现大自然的色彩。
莫奈一生对绘画和田园很着迷，尤其是对花朵很感兴趣。
莫奈像个隐士，有很强的孤独感。
这与他的性格有关，另一方面，他是印象派中的先行者，当他不得不单枪匹马奋力前行时，自然有种寂寞寥落的感觉。
因此他喜欢田园生活，并以大自然为题材进行作画，用其狂放不羁的笔触中，在捕捉光影的效果，随着光线的变化进行绘画创作，形成独特的色调表现。
莫奈晚年画了有关睡莲的作品，并称之为《睡莲，水景系列》成为印象派最伟大的风景画作品，也是莫奈的最高艺术成就。
绘画作品的艺术价值主要体现在两方面，一方面是在他的绘画功底上，只有精湛的绘画功底、超凡脱群的创造力，才能有这样高的艺术造诣。
另一方面画中要有一种思想、一种精神所在，要托画言志，用艺术的手法表现一种有高度、更深一层的东西。
这些作品之所以成为名画，就是因为它所要表达的思想内容是永恒的，虽然是那个时代产生，但是也是现代人们所欣赏和追求的。
我想要一些关于《围城》这部小说的一些深刻的见解，写读后感用，谢谢了
光与影——关于莫奈 我不敢想象，当一个人眼中的世界是由色彩缤纷的光与影组成的,那将是怎样一种美妙绝伦的景象.也许这样的经历只有在梦中才能出现，如我们这样平凡的人。
而莫奈却如同一个落入凡间的精灵，用他那不寻常的眼观察这个世界，从而留下了那麽多绝美的画。
那些曾深深震撼过我的作品，我称之为光与影的绝唱”。
[color=Teal] 莫奈，〈西方美术史〉中这样介绍他：“莫奈(1840-1926)是法国印象派中最主要的风景画家,也是印象派的创始人之一.他出生在巴黎,早期曾爱过古典派画家的短期训练,但对他影响最大的是马奈等人的外光画法;他终生坚持这种画法,并逐步印象派的绘画风格.1874-1877年,是他创作的成熟期和丰富期.画了许多擅长表现光和 色,以及空气感的风景画;这些画色彩非常漂亮明快,丰富而又和谐, 充满诗情画意.1880年后,用同一主题画了许多变体画,力求非常确切 地画出时间.季节.阳光.温度.气氛等.晚期的作品带有装饰性,笔触比较奔放,当时已受到美术沙龙的赞赏.远离社会生活,表现纯粹的自然美,这也是印象派画家的特点之一. ” [\\\/color] 我并不喜欢这样的介绍，我总认为那么生动活泼的画，那么明丽动人的艺术，用这么枯燥干涩的语言描述出来是多么令人遗憾的事。
我宁愿相信莫奈是自然的观察者。
他的朋友塞尚说得好：“莫奈只是只眼睛，可是我的天，那是多么了不起的眼睛啊
” 就是这样的一双眼，捕捉了多少一瞬即逝的美丽景物。
在大自然里一个很平常的角落、一池水、一间屋甚至一棵树，在阳光照耀下所呈现的五光十色，就是美丽的画面。
这些画面浮现出的美妙和辉煌，如诗般令人遐想，如音乐般令人心潮激荡。
在他的画中我仿佛看到了持伞少女后面天空中有浮云掠过，我几乎可以感觉到那吹送浮云的微风，在浪花飞溅岸岩的海景里嗅到空气中的盐味。
同时我也相信莫奈是人生的观察者。
他将人与物象在浩瀚的自然中视为连带同一的生命。
从他开始画家终于离开了空气沉闷的画室，走上街头，奔向海滩，进人原野和乡村，凭自己的心，用自己的眼，感受摄取丰富多采的新鲜事物，捕捉种种生动的印象。
同时，他用画笔表现自己对自然的真实感受，追求稍纵即逝的直接印象，描绘大自然中千变万化的光线和色彩。
在莫奈的画里,自由挥洒的写意笔触和装饰味的色彩，明白地告诉我们他更多回到了自己的内心.他的画早已不仅仅是风景画,那其中藏有太多他对生活的热爱和对生命的理解. 而莫奈的作品中，最让我心动的是他对光线和颜色的表现.他认为一切色彩都是光的表现形式。
认为一切自然现象都应该从光的角度来观察，一切色彩皆缘于光。
因此,莫奈被称为“画光的人” (painter of light)，他沉醉于不同季节、不同时间、不同天气下光线和颜色的变幻。
而池塘水面的反射，水面下的水草，水面上的垂柳， 又提供了许多想象的空间。
在他的画中,莫奈对光之美作了极致的描绘，那是超越了世俗的光与色的层次、升华至空灵境界的生命之光，它脱离了肉体和精神的樊篱而永恒自在地流动着。
也许任何人知道莫奈都是从这幅<日出.印象>开始的,我也不例外.最欣赏的是他的用色，大胆而不失和谐。
最妙的是这种被讥为“未完成的画”是在眼睛里完成的：大大小小的色块在眼中如ice-cream般溶化，浑然一体，实在是令人感动。
莫奈的笔触极富层次，无需用手，透过眼睛便可体验到画面的质感：碎钻般的浪花、轻纱一样的晨雾、那不可捕捉的空气的美，在瞬间却又幻化为永恒。
与凡高的狂放不羁相比，莫奈显得轻灵飘逸。
同时一幅《向日葵》，凡高凌厉的笔触无处不透露着对生命的热爱，而莫奈的画则充满了人情味，整体橘红的色调给人柔和温暖的感觉. 而在《卢昂大教堂》系列，莫奈对光色关系的准确捕捉令人惊叹。
他所画的卢昂大教堂丧失了石头的坚实感，变成纯色彩的精妙音乐.在某种程度上说，画家和音乐家的才能是相通的。
蓝、粉、金等色彩在莫奈手中谱成了一部光与色的交响乐，震撼着我的心灵。
对于莫奈的作品，最爱的是《睡莲》。
我固执地认为这是最能体现莫奈灵性的作品。
那清澈明亮的水面如暗绿的丝绢，各色睡莲则似镶在上面的宝石，有着宝石的完美无瑕，却少了那份俗气。
水面之下， 仿佛还有水草的摇动。
在一片涌动的深绿中，不同颜色的莲花，正在悄悄地开放，显得格外娇艳而矜持.光线在画面上翩翩起舞，睡莲在漫无目的地向上飘荡。
水的色彩和浓度呈现出田园诗般的宁静，神话般的迷离。
面对着这幅画,我在那一刻竟有悬身于怪异水世界上空的感觉，看着白云的倒影在睡莲巨叶间的水面滑过。
就这样,我被莫奈--一个百年前的精灵诱惑着,连自己都不知道从哪一天开始. 我只知道,看莫奈的画,如同远处飘来的一首苍老的歌,飘渺,悠远,却又那么轻易地探入我最柔软敏感的灵魂深处. 我只知道,看莫奈的画,如同雾里看花,水中望月,但花与月却在一瞬间留下世间最美的定格.也许只有朦胧的遥远的才是最美的.因为永远达不到,所以永远努力去追寻,生命就在追寻中完成了它的意义. 也许我是不会亲眼见到我所钟爱的莫奈的画了,但这未必不是一好事,正如他的画告诉我的:只要用眼去观察,用心去体会,再远的美丽也只剩下简单的光和线.当我读懂了,闭上眼,面前浮现他笔下那接天映日的白杨、逆光的草垛、变幻莫测的教堂、梦幻般的睡莲……我终于发现,这一切，形成了周而复始、延续不断的大自然，斗转星移，时光流逝，永恒不变的只有那些美妙的形象……
花梦录的读后感，三百字
《画梦录》问世以来，人们对它褒贬不一。
随着时间的冲洗和历史的沉淀，它的光彩日见斑斓。
笔者通过细读《画梦录》，发现在《画梦录》中，作者所描绘的事物与表达的情感与西方现代艺术——印象派与后印象派有某种契合之处。
《画梦录》的语言是精致的，作者所琢磨的是语言的颜色。
李健吾先生读《画梦录》后这样写道：“还能比这更能表示他是一个艺术家，而且，说干脆些，一个画家
”的确，《画梦录》语言的色彩感确实很明显，像“金黄的稻穗、红色的夕阳、黄色的菊花、景泰蓝的天空、金色的新月、鹅黄的雏鸭……”这样的词语在《画梦录》中俯拾皆是。
何其芳对颜色的偏爱与印象派画家对颜色的追求是一致的。
印象派画家们在绘画中孜孜以求的就是表达眼见的真实、对真实物象色彩的描绘。
像莫奈的组画《干草堆》、《白杨》、《鲁昂教堂》、《睡莲》等追求的就是这种效果。
