徐悲鸿画马出色的原因是什么
徐悲鸿的作品不仅别出心裁地反映了自然界的昂然生趣，更重要的是在这些形象刻画中，寄托了深刻的人格化意境。
徐悲鸿画马不是单纯地再现自然界中的马，而是在马的身上寄托了他的心情与愿望，反映了他对时代、祖国、生活以至整个世界的看法。
徐悲鸿绘画风格
我喜欢临摹的马，他画的马形态各异，栩栩如生，而且都是在细致观察后，把它们奔跑停歇的样子印在脑子里后画的。
练篆刻，是背了一大筐石头刻了N久刻完积了一地练出来的，可见其毅力。
所以我觉得的作品应该含着一丝细致，这叫他的画十分耐看；又透着一股刚劲，浓缩包含了他毕生的各种经历。
是柔中带刚，刚中带柔的那种，当然阳刚更多点。
齐白石不太知道，只画过他的虾，很传神。
我有徐悲鸿的画，想鉴定一下是多少钱
徐悲鸿作品向来以水墨艺术成就最高，尤其是他画的马和鹰。
此画估计有八位数。
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徐悲鸿 （1895-1953），现代绘画艺术大师，江苏宜兴人。
四岁入塾，从父习画。
年甫弱冠，东渡日本，翌年赴法，师事达仰，继入徐梁学院及巴黎国立美术学校1921年游学德，1927年归国，任中大艺术教授。
1933年在巴黎画展，法政府选购十二幅，辟专室陈列。
旋赴欧，在德、意及苏联举行画展。
抗战后，屡在国内广州、长沙以及香港、印度、星洲等各地为救济祖国难民，举办画展。
历任北京大学、桂林美术学院教授。
后，任北平艺专校长。
解放后，任中央美术学院院长，中华全国美术工作者协会主席。
在绘画创作上，反对形式主义，坚持写实作风，主张“古法之佳者守之，垂绝者继之，不佳者改之，末足者增之，西方绘画可采入者融之。
”继承我国绘画优秀传统，吸取西画之长，创造自己独特风格。
长于国画、油画、尤擅素描。
造诣极深，善于传神。
著名油画《 我后》、《田横五百士》，国画有《九方皋》、《愚公移山》、《会师东京》等，最为所重。
画马为世所称，笔力雄健，气魄恢宏，布避设色，均有新意。
1952年病中，曾将自己一生创作和全部珍藏，捐献国家。
平生积极从事美术教育事业，为中国美术事业发展，鞠躬尽粹，培育不了少优秀人才。
1953年卒于北京。
年仅五十九岁，就其寓所改建徐悲鸿纪念馆。
其代表作《奔马图》，最为人所喜爱。
间作花鸟及猫，亦别具风格，情趣盎然。
著有《普吕动》、《初伦杰作》、《悲鸿素描集》、《悲鸿油画集》、《悲鸿彩墨画集》等行世。
本文试图探讨著名国画家齐白石(1864-1957)“衰年变法”时期其绘画题材、风格转变所隐含的复杂的社会、心理因素。
我们首先把齐白石和他的作品放到当时的历史背景及思想体系中去考察。
齐白石出身于农民家庭，童年曾牧牛耕田，做过木匠；二十七岁始拜师学画，打下坚实的工笔画基础；四十岁后，七年间五出五归，画风渐变，走上石涛、八大写意花卉一派；后因家乡匪患，背井离乡，孤身避难定居北平。
当时北平画坛多数画家认为他的绘画笔墨“粗野”，戏称其作品是“野狐禅”。
他听信陈师曾先生的劝告，改变画风，独创红花墨叶的双色花卉与浓淡几笔虾、蟹、草虫，时人称为“衰年变法”。
齐白石潜心学习、多年追求后才脱去民间画风而倾心于石涛、八大的冷逸风格，何以不被接受遭到冷遇呢
当时的北平画坛，摹古之风甚浓，一些人面对素绢“以古人为师，离开古人不敢着笔”，以临摹仿古为能事，以笔笔有来历、有出处相标榜。
而齐白石毕竟不是遗民石涛或八大。
“农夫”是他本质的一个侧面，泥土的芳香、菜根的味道，汇流在他的肺俯之中（刘曦林语）。
他学青藤、雪个、大涤子，虽可形似，却仍有隔靴搔痒、形同情异，故意提高“人格”之嫌。
那些传统派画家当然瞧他不起。
这其间地域之见、门户之见有之，但并非仅仅如此。
对艺术的评判，不可能完全客观或主观。
任何艺术作品和流派都得用现时的观点和流行的标准去解释。
每个人都或多或少地以自己的眼光评判艺术家的劳动。
当艺术家与观赏者的目的一致时，作品才能引起观者的兴趣和认可。
随着原有的一些社会文化心理的变化，常常会出现两种情况：一种是对已被接受的形式加以更新；一种则是对于这种改变不断地加以抵制。
齐白石选择了前者。
然而，要动摇一种根深蒂固的艺术传统，要造成艺术趣味的变化，还需要造就一批新的观众。
20年代的中国乃至世界恰恰具备了这些条件：清王朝的覆灭，昭示着封建统治的崩溃。
石涛、八大那种傲岸不羁、狂怪抑郁的绘画，随之失去了其固有的嘲讽对象和欣赏群体；五·四新文化运动树起的科学、民主、进步的大旗，又使传统文人画那种似有逃避现实的纯享乐审美失去了赖以依存的基础。
从世界范围内看，艺术关心社会发展、关心人生命运，逐渐成为世界潮流。
可以说是社会和时代为齐白石的衰年变法拓展了生存空间。
齐白石因此能够对传统中国画施行解构，予以重建。
一件艺术品即是一个小小的宇宙，它常常给予我们一种对生活的解释，使我们能够客观地对待浑沌的事物，更好地与生活周旋。
这便是艺术使人心悦诚服的意义所在。
一件艺术品常被喻为向世界打开的一扇窗口，通过这扇窗口，我们窥测到艺术家的深层心理，甚至是艺术家本人都没有明显意识到的潜意识。
从题材、内容上看，齐白石衰年变法后的绘画，遗弃了传统文人画表达作者自身雅逸、清高的描绘对象，并反其道而行之，将被传统文人视为粗野的乡村瓜果菜蔬、蝈蝈、蝗虫乃至筢犁、锄头等等拿来入画。
何也
此前他学石涛、八大，竭力追求“大雅”，竭力将自己妆扮成文人画家，但是不被承认。
现在他索性放弃那种追求，揭去面纱，不仅不向脸上抹粉涂脂，反而镌刻“农民”二字于面颊之上，反“雅”为“俗”，彻底抛弃狭隘的小农意识，不但不以农民出身自卑，反以农村赋予他的特殊的视角及朴实的语言，描绘自己熟知，而为传统文人、城市市民感到新鲜的题材和内容，仿佛是将深山中的千年古泉用他湘潭老家的竹管引入北平，点点滴滴给人们送来醇美心醉的天然甘露。
从另一方面来看，齐白石避难北平是迫于家乡匪患。
这位穿着粗布衣袍的农村木匠对城市的感觉是异样的。
环境或许不错，却不属于他。
他的心、他的根在另一个地方。
不那么容易融入眼前的环境。
从某种意义上说，齐白石始终是一个生活在城市中的农民，保留着农民的气息。
在本质上他是孤独的。
北平的文人圈他无法介入，仅廖廖可数的几位友人偶有往来。
他的身边虽有胡氏磨墨理纸，但毕竟二人相差近四十岁，生活经历悬殊。
齐白石对家乡的思念，对他“借山吟馆”的向往，对父母、儿女的牵挂乃至对他侍养过的蚱蜢、蟋蟀、蜻蜓、螳螂等等都怀有深深的依恋。
几度他希望回家乡看看，但战乱或使他难以成行或半道折回。
这种对童年、少年生活环境、对家乡一山一水一花一章一虫的思念，他无法诉说，也无人可诉，只有通过自己的绘画作品加以抒发。
原本那些粗陋的“野物”，一旦进入他的作品，我们读解到的是淡淡的乡情，浓浓的童趣。
家乡的景致成了他精神的桃花源。
在那里，他寻找着童年的梦，寻找着自己亲爱的伙伴、梦中的“情人”。
他的作品与他的梦相通，成为一种天国的图画，一种乌托邦的境地，一种虚构的关于生活传说。
作品中既有对现实的自然再现，也有非现实的、故意和任意的成份，成为一种希望的现实，充满着完美的意义，能够充分想象，却在常规中无法达到。
其红花墨叶、兼工带写的形式风格中，阴柔与阳刚浑然天成。
正如弗洛伊德所说，“显然想象的王国实在是一个避难所。
这个避难所之所以存在，是因为人们在现实生活中不得不放弃某些本能的要求，而痛苦地从快乐原则退缩到现实原则。
艺术家就象一个患有精神病的人那样，从一个他不满意的现实中退缩下来，钻进了他自己的想象力所创造的世界中”。
①为的是使现实比较能够忍受和驾驭。
艺术家用自己的画笔创造了一幅理性化和人化的图画。
可见，齐白石的衰年变法是其自身心理情感长期积淀的必然结果，是对自我形象、内在思想感情的解构与重建。
一种艺术风格或一件艺术作品，随观赏者的经历不同各自感悟到的见识也常常不同。
我们可能为一件艺术品所折服，但是这件作品却不一定能感动精神上与我们接近的其他人，更何况那些经历不同、精神追求相异的人呢
艺术作品能否被社会接受在于它能否使较多的观者取得相对趋同的艺术感受。
时代的变迁和社会各阶层之间关系的微妙变化，势必反映在对艺术作品形式、内容的好恶上。
人民群众的觉醒，以及艺术走向生活的趋势为齐白石的变法及日后的艺术发展提供的肥沃的土壤。
试想，在那外患频仍、民族灾难深重的年代，齐白石创作那情趣盎然的瓜果、草虫之作，难道仅是表达一已对家乡草木的依恋，没有任何社会目的吗
当然不是
艺术表达社会目的，一般有两种不同的方式：一种是将社会内容毫不隐讳，以明白公认的形式表现出来，即直接表白信仰、叙述学说；一种是以纯粹含蓄的形式表现出来，亦即在作品中极力避免诉诸社会，而以暗中包含隐喻的形式再现。
前者具有明确清晰的含义，艺术家对它有清醒的意识，观者对它的接受或拒绝也很清楚；而后者则是不自觉的，人们对它并没有清晰的认识。
作品不着意表现社会内容，不以有意招揽观者为目的，反而更能发挥作用。
在暴露性艺术常常遭到排斥的年代，只有意识形态比较隐蔽的艺术才可以不受什么阻碍地通行四方。
齐白石以那种表面上没有任何政治内涵的乡土乡情的描绘，自觉不自觉地表达了对当时社会政治现状的不满。
齐白石所描绘的一幅幅美景，似涓涓溪水流入社会，唤起人们对美好河山的珍爱，对田园风情的留恋，对侵略者暴行的痛恨。
豪塞尔说：“在艺术中，这种不直接表现观念意识的方式，不仅更为有效，而且从历史上来看，它也更能说明问题。
因为实际上当一种社会观点无法直接表现的时候，它就会创造出一种风格来。
”②把社会观点转化为一种风格形式，显然需要一种异乎寻常的技巧。
这不同于在一个政治纲领或一个政治宣言中直接表述社会观点。
艺术家作为一种风格的代言人，不仅是社会的喉舌，也反映着一个社会阶层共同的内在需求。
美术批评家格林伯格（c·green berg）认为，任何一种文化都以一种符号的形式显示出来。
符号的变化预示着整个文化模式的变化。
艺术家不一定刻意批判现存的社会制度，只要把它的符号解构了就行了。
就象印象派、后印象派解构古典艺术的三维造型体系一样，齐白石将传统中国画不可逾越的表现内容予以解构，破坏了它的仪式乃至制度，从一定意义上预示着社会变革的到来。
他在《大白菜》一画上题道：“牡丹为花之王，荔枝为果之先，独不论白菜为菜之王，何也
”这难道仅仅是在为“大白菜”鸣不平
当然不是
美术理论家麦克卢汉（m·mcluhan）说，前卫艺术预示着社会的变革，依靠它，我们可以尽早地发现社会的精神的危机和征候。
艺术中这种征候往往走在社会前面，是社会将要发生变革的反映和表现。
可见，齐白石的作品表达了以他为代表的社会阶层的不满，预示着新一轮社会变革的到来，其衰年变法隐含着对旧制度的解构，对新制度的呼唤。
齐白石衰年变法，在某种程度上与西方现代主义艺术对绘画形式、观念和社会形态的解构与重建有着不谋的暗合。
所不同的是，西方现代主义艺术过分追求形式的纯化，虽然打破了艺术与生活的界限，却脱离了社会、失去了大众；而齐白石的衰年变法，解构中注意继承，重建中侧重创新，不仅继承了传统绘画的表现技法，吸收了民间艺术的审美趣味，而且与社会命运紧密结合，有感而发。
作品格调清新、趣味盎然，与颓废主义的无病呻吟形成鲜明的对比。
当然，这种解构与重建只有适应世界潮流、适应中国革命、中国人民的解放运动，才能显示出巨大的魅力，离开世界范围内艺术走向大众这一背景，离开中国革命的现实，便无法显示其威力。
徐悲鸿的绘画艺术特点有哪些
在中国这个艺术家辈出的国度，徐悲鸿可谓是一个时代的符号，他笔下的骏马自由驰骋，无拘无束，那么徐悲鸿画马的艺术特点都有哪些呢
易从网网的小编给大家做一下解析。
我们知道徐悲鸿最为人熟知的是他画的马，画马的作品在他整个创作作品中虽然不是很大比例，却影响巨大，成了徐悲鸿的代名词，说到徐悲鸿一定会谈到他的马，可见先生画马的成就达到了一定的顶峰，徐悲鸿先生的画有很多，题材广泛，在油画，素描，国画上都有极大的成就，每一块都有着他心理、思想的外化和表现，灿烂的中国文化史培育出无数的明星,他们有的光照一代，“各领风骚数百年”、“江山代有才人出”，时事必然造就现当代新的文化大师。
那么在绘画领域，徐悲鸿在艺术创作中，坚持用自己的敏锐的感受和完整而深刻的美学理念来驾驭自己的形象思维，并将自己的人格气质以及创作激情有机地熔铸到其中。
所以在他的作品中不仅有客观事物，更有作者的真性情。
当然与中国文人画中的重视自我胸怀和情思表达相比，徐悲鸿的思想感情、文化道德以及个性气质中包含了更深刻的民族性和时代性。
徐悲鸿所处的时代，是中国历史上最危难、也最催人奋进的时代，新旧思想交替、开放与守旧并存的时代，徐悲鸿正是我们新文化运动在艺术革命领域里的领袖。
在艺术表现力上先生已经超越了写实主义本身，凸显出独特的浪漫主义特色。
这就像中国历史上出现得许多极具表现力的艺术家，他们大多同时极其重视师法自然，而最终又达到一种新超越一样。
真正的浪漫主义艺术和画家都是极其尊重现实主义和师法自然的，徐悲鸿的浪漫主义艺术正给我们提供了重要的启示。
徐悲鸿在进入创作时的笔墨运用和情感宣泄是一种本我的自然流露，不依傍任何家数的笔墨语言和无拘无束的勾写，才得以构成他奔放处不狂狷，精微处不琐屑的挥洒风格，这使得他笔下的骏马无不精神。
徐悲鸿一生为艺术事业尽心尽力，变革美术开创新美术道路，可以说是功不可没，国际上说他是中国近代绘画之父一点也不为过，这么多绘画优点，我们相信，徐悲鸿作品将是一如既往的拔高，在书画收藏界将是一个艺术的符号。
百年巨匠系列之徐悲鸿影评
大型人物传记纪录片(第一部)已经按期摄制完成。
本人不胜荣幸，享受了先睹的愉悦。
片名就很有意思，引人兴趣，发人深省。
集中全面地展示了近百年中国画坛美术大师的艺术成就和人生历程。
这些巨匠都是近百年引领中国美术的著名画家，他们用自己的艺术创造和精彩人生为中同近现代美术史和文化史谱写了不朽的篇章。
《百年巨匠》由和北京银谷艺术馆联合摄制，计划拍摄画坛巨匠12人，每人分上、中、下三集，每集30分钟，共36集，1080分钟。
第一部将推出、、张大干、；第二部正在拍摄，将推出、、、；第三部将推出、吴作人、李苦禅、刘海粟。
这部大型人物传记系列纪录片，通过精心构思的镜头和言简意赅的语言，将逝去的画坛巨匠还原成鲜活的人，形象生动地展现他们所处的时代背景、生活画卷和不朽的美术作品，讲述他们最具价值而又精彩纷呈的人生故事(包括动人心弦的情感经历)，表现他们艺术创造的艰辛和创新精神，探究他们多姿多彩的艺术世界，深层次地展示他们的心路和艺术历程。
《百年巨匠》大量展现了画坛巨匠生前多个时期的原貌、创作的原作、用过的原物和生活过的原址等，并巧妙组合，将他们的人生重要经历进行场景再现。
本片还大量展现他们的亲属及其后人、弟子及其后人、友人及其后人和历史见证者等或亲历或亲见或亲闻的口述，还原历史，亲切感人。
对于无法拍摄还原的历史场景和特殊背景，摄制组采用三维动画手法进行写意，营造氛围和意象。
在本片中出现了中国当代美术界一批著名画家和专家，包括靳尚谊、刘大为、冯远、杨晓阳、许江、郎绍君和刘曦林等。
他们深入浅出地解凄了画坛巨匠不同阶段、不同风格的代表作品，并且把许多作品联系起来，阐明画坛巨匠的美术造诣、创作风格和美学观念及其为什么能成为巨匠，《百年巨匠》摄制团队正是以这些著名画家和专家的学术支持为后盾的。
《百年巨匠》的旁白解说严堇恰当，简洁明快，既有文学性，又口语化，让懂绘画的人与不懂绘域的人都会产生兴趣。
这些巨匠活跃在中国画坛的年代正是近百年中国社会历经沧桑巨变的一个特殊年代。
本片形象生动而叉明白地告诉观众，巨大的社会形态跨度对他们的思想行程和艺术道路影响至深。
他们大都出身贫寒，但都怀有远大的理想和超凡的意志，对祖国有着深厚的情怀，对民族有着强烈的责任感。
他们一生孜孜不倦追求艺术，将艺术与国家的命运联系起来，用艺术改造现实，实现理想，开创了一代中国美术创新之先河。
他们既是巨匠又是凡人，既是杰出的画家又是谦逊的学者，其艺术风范和人格魅力堪称一代楷模。
他们丰富的人生和艺术经历及为世人留下的不朽的美术作品，构成了中国近百年绚烂的美术大观，是代表这个时代的优秀文化遗产，本片36集全部拍摄完成，将重现12位画坛巨匠的人生轨迹和绘画艺术，相当于重新梳理了一遍中国近现代美术史。
本片还突出表现了这些画坛巨匠自身厚重的文化底蕴和人生历练。
自身厚重的文化底蕴和人生历练是成就他们艺术的主要原因，他们以毕生的力量把生命的感悟画上纸面。
当下中国美术界不乏文化功底深厚、人生所练丰富、创作水平又高的画家，但有些画家文化功底浅，人生历练少，却急于求成，急功近利，一味在表面上下功夫，作品外表浮华，内涵鲜见。
这难道不值得反思吗
本片摄制团队旗开之初就提出“国际水准，精品意识”的创作原则。
综观之，本片思想性和艺术性皆强，而且纪实性和现场感俱佳，具有不可多得的文献价值。
本片格调高雅，故事精彩，人物丰满，叙述巧妙，镜头精美，可看性强。
摄制组创作态度严肃认真，坚持去伪存真，没有录入无法考证的民间传说和夸大其辞的故事，没有低级趣味和噱头。
摄制团队在贯彻既定的创作原则上是成功的。
本片无疑是成功之作。
