戴帽的女人马蒂斯读后感100字
<戴帽子的妇人>颜料不分青红皂白地铺在画面上，不仅仅是背景和帽子，还有这位妇人的脸部、她的容貌，都是用大胆的绿色和朱红色的笔触，把轮廓勾勒出来的。
单独的造型要素只有合乎规律的组合，才能构成有审美价值的艺术形象。
例如可以通过色彩的柔和对比来表现女性的清纯美感，也可以通过色彩的强烈对比来表现画家对人物的热情感受。
美术作品作为整体的审美对象，都有着自己整体的有机结构，而且其中蕴含着人类对形式美的规律的认识与运用。
为了反对以“逼真”作为评价绘画标准的传统观念，马蒂斯常使用强烈甚至刺眼的对比色，这种颜色组合带有浓厚的主观而自由的倾向，因而被人们称为野兽主义画家。
观马蒂斯画有感200字
亨利·马蒂斯（Henri Matisse,1869-1954）法国著名画家，野兽派的创始人和主要代表人物，也是一位雕塑家、版画家。
他以使用鲜明、大胆的色彩而著名。
生于法国南部勒卡多小镇。
父亲是个商人，母亲曾做过陶瓷厂的画工。
少年时代的他在维尔曼杜瓦度过，中学毕业后他遵照父亲旨意赴巴黎攻读法律，完成学业后，他回到家乡附近的圣-康丹，在一家律师事务所当上了办事员。
21岁那年，他患盲肠炎住进医院，为打发无聊时间，母亲送给他一盒颜料、一套画笔和一本绘画自学手册作为礼物。
在画画当中，马蒂斯平生第一次感觉到“自由、安宁和闲静”。
马蒂斯的绘画热情一发不可收拾，偶然的机缘成为他一生的转折点。
用他自己的话说：“我好像被召唤着，从此以后我不再主宰我的生活，而它主宰我。
” 对他影响最大的老师是奥古斯塔夫·莫罗，可以说是莫罗塑造了马蒂斯。
莫罗曾对马蒂斯说过“在艺术上，你的方法越简单，你的感觉越明显。
”正是这句话引导了马蒂斯绘画风格，使他能够用简捷的线条和鲜明的色彩塑造出他所构想的一切，对他终生的艺术创作产生了深远的影响。
在1905年的秋季沙龙里马蒂斯率领野兽派——走上声名大噪之途，在那次沙龙中他展出了《开着的窗户》 和一幅马蒂斯夫人的肖像，题为《戴帽子的妇人》。
《开着的窗户》也许是第一个主题达到充分发展的例子，马蒂斯的余生，一直偏爱着这种主题。
马蒂斯的绘画作品 由于“戴帽子的妇人”在形式上进行了舍弃，所以引起了强烈的轰动。
颜料不分青红皂白地铺在画面上，不仅仅是背景和帽子，还有这位妇人的脸部、她的容貌，都是用大胆的绿色和红色的笔触，把轮廓勾勒出来的。
马蒂斯的绘画作品《兰色的人体》马蒂斯的绘画作品 1907－1910年间，马蒂斯继续在他偏爱的人间天堂、黄金时代之类的享乐主义主题中探索线条、色彩与空间的关系。
其中最著名的是绘于1909年的《舞蹈》，这个题材曾在《生活的欢乐》一画的远景中出现过。
马蒂斯的绘画作品马蒂斯的绘画作品著名的《红色中的和谐》（1911）马蒂斯的绘画作品《带绿色条纹的马蒂斯夫人像》充分反映了马蒂斯野兽主义画风的特点。
虽然此画的色彩极其浓重和强烈，但整个画面却显得十分沉静。
这里的色彩完全是主观感受的产物，而绝非客观的如实模仿。
据说，马蒂斯夫人曾身着黑衣摆好姿势地让他写生，可他所画出的，却是色彩鲜艳到极点的红衣人物肖像。
在这幅画中，马蒂斯在人物面部的正中央画了一道绿色粗线；这条线成了全画的核心。
不仅整个脸部的造型结构紧紧依附着这道绿线，而且，画中诸多要素都是靠这道线而得到统一和平衡。
假如没有这道线，整个画面似将松散不整；正是靠着这条绿线，那黑色的双眼和双眉才不至于显得过分强烈，而那黑色的头发和绿色的衣领才得以衔接起来，脸才得以被妥善地“放在”了头发与衣服之间。
这道绿线，还将头像与绿色的背景联系起来，使头部不会因为其一道道的红色和橙色块面，与绿色背景拉开距离，而破坏画面的平面感。
为了强化这种平面感，画家有意地把画面左侧的背景画成橙色，从而将其拉到画面的前面，使我们觉得在背景与头像之间并没有距离。
画中红绿两色的强烈对比，产生耀眼的闪烁效果，使画面充满了纯绘画性的魅力。
画一个沉静的头像，会生出这样丰富的视觉效果，而这种效果竟是靠着精心地经营不同的色面而取得，这不得不让人惊叹马蒂斯驾驭色彩与笔触的超凡本领。
马蒂斯的绘画作品 《钢琴课》（1916－1917）创造于1916年，这段时期正值第一次世界大战最残酷的日子，也是他最具特色、最成功的立体主义作品。
马蒂斯在不改变视点的前提下，将大块的鲜明色彩作抽象的安排。
达到既富于装饰性，又具有空间深度的效果。
这个时期之后，他还是远离了立体主义，回到他快乐明朗的色彩中。
我们会发现这幅画很富结构性：窗外的花园以简单的绿色几何图形作代表， 除了钢琴前景的红色，其它颜色都偏冷暗，弹钢琴的孩子右脸投下几何图形的光线阴影，跟在他前方的节拍器几何图形相对应。
整幅图只有窗户栏杆和钢琴架上的花饰，是轻松的线条。
因此图中充满惆怅不安，反应忧郁心情与战争阴影。
马蒂斯的绘画作品《有小提琴的室内景》创作于1917-1918 ，这是马蒂斯从战争的冷峻时期、过渡到珣丽多彩时期的作品，画中还是有音乐：琴盒打开的小提琴，是画中主题。
这幅画最大的特点就是用了一大片的黑色，马蒂斯说，黑色是一种本身就 具有最强表现力的颜色，在黑色的对比之下，衬出窗外蔚蓝的海的颜色、与白昼亮丽之感，也衬出琴盒盖的蓝色，琴盒中的棕红色提琴则与桌子互映，于是视觉焦点在这种跳动下，最后集中到小提琴身上。
马蒂斯的绘画作品马蒂斯的绘画作品《音乐》马蒂斯的绘画作品《红色的画室》马蒂斯的绘画作品马蒂斯的绘画作品 马蒂斯晚年制作了一批平面装饰性的艺术，这种技法成为其暮年的主要创作手段--纸片根据其要求先涂好色，然后剪下来，用以拼组画面，创造了“大装饰艺术”的概念。
西方绘画大师
画”这个词是一个概念，一是意识的抽象理解，一是具体形象的理解，某种具体艺术可以创作、改造、或毁掉，如中国山水画、花鸟画、人物画等等；作为艺术这个抽象概念则不能改造、毁掉。
艺术存在是永久的，它属文化层。
老子说：“颓然吴名，充遍万物”，“无状之状，无物之象”，老子还说夷（无色），希（无声），微（无形）三者不可致诘，实又存在。
具体的画是一种心技，“外师造化，中得心源”，“迁想妙得”。
画家落笔则有，放笔则无，瞬间即成，瞬间即逝。
从“画”这个角度看，成又非真成，逝又非真逝。
它无完形，永远逝胎儿；它无定数，永远是一。
又出于无，无存在有，画无画，于画者其所欲也，由画家自觉产生，自由把握。
\ 画者其所欲也，心师造化二演万物，所谓“俯拾万物”，“从心所欲”，“万境由心造”。
由心造，有一个物质的转化过程，还受理事的、时代环境的、文化层次的、人的个性的约束，物质与精神两者的促进。
自古以来，中国画重临池、重游历、重学养、重继承。
所以“行万里路，读万卷书”这种画外功的重要可以说成于斯，败于斯。
\ 历史在变化，事物在变化，知识要变化，人的思想要变化，形式和内容都在变化重，今人与古人对照显然有区别。
画没有固定不变的形象，画风无论时代、或一个具体的画家都有区别。
这种变化结果，虽然可以设想，单不可以断言。
是不以意志为转移的。
中国画有始有终，生生不息。
构成中国画的道，只要宇宙还存在它就同在，是不会消失的。
\ 纵观美术史，远在张僧所画凹凸画、曹不兴画佛像到郎世宁时代，那时代不但情况产生了交流，而且有了一批知名的画家。
艾启蒙以中西画法融合，受影响的有冷枚、唐岱、陈枚、罗福昱等。
吴历晚年信奉耶稣教，有人说他的画参用西法，他反对如此说，他还有鄙视西画的意思。
他说：“我之画不求形似，不落窠臼，谓之神逸；彼全以阴阳向背窠臼上用功夫——用笔亦不相同”。
郎世宁虽然尽量吸收中国画写意，中国人不成人，外国人说背弃本源，使之进退维谷。
那时中西画没有合二为一，那种画法现在也没有确立传统继承，这是一个历史记载的事实。
\ 反思中国画历史，中国画事实存在确实又在不断变化，只不过千变万化都围绕着一根中轴线就是民族传统。
魏晋南北朝时期，政治上不统一，各种学术思想相应显得活跃，绘画艺术由于佛教的促进，却成了一支生机勃勃的鲜花，产生了一批很有成就一直在历史、过程中大放光彩并受称道的画家，顾恺之就是其中最伟大、最具有代表形的划时代人物。
他不但有不少山水画题材的作品，《画云台山记》这部构思文稿给后人留下了非常珍贵的启示。
还有《洛神赋图》、《女史箴图》。
包括敦煌壁画在内，正因为有很多山水创作，产生宗炳《画山水序》和《画叙》这类理论著作流传，提出了透视比例“竖划三寸，当千仞之高；横墨数尺，体万里之回”。
“以一管之笔，拟太虚之体”。
同时提出了“畅神”及“画之情”这类美学思想。
这些对山水画独立成科起着鸣锣开道的作用。
\ 隋是山水画走向完全成熟的过渡阶段。
唐是我国历史上最强大昌盛的时代，绘画艺术空前繁荣兴旺。
山水画的皱法有了发展，大小李父子的金碧山水为集大成者。
吴道子、王维的水墨山水画法开创了一个新的发展方向。
后期又有王洽的泼墨更发挥了水的性能。
张操善用秃笔，创造新的渲染法，并提出影响深远的“师造化，中得心源”的学说，对中国画创作主客观关系作了辨证的依据。
山水画标致成熟，独立成科。
王维《山水诀》中的透视比例理论，体现中国画理论的完善。
王维创画中有诗，诗中有画的艺术境界，给后来文人画开了先河。
唐代在用笔、用墨、用色、用水、构成中国画精髓的这类技法齐全而成熟。
“外师造化，中得心源”，“丈山尺树，寸马分人，远人无同，远树无枝，远山无石，隐隐如眉，远水无波，高与云齐”。
这类既科学又实用的思想理论和技法理论对中国画发展道高峰的地位作了贡献。
画中有诗，诗中有画的艺术境界为我国绘画确立了东方艺术的高大形象和崇高地位，唐以后千百年来，一直享受使用着丰富的宝贵遗产，凭借这些遗产奠定了深厚而坚实的基础，使花鸟画在宋代兴起并成熟起来。
\ 五代由于政治上的分裂，影响中国画的部同风格，北方的荆浩以雄强之势影响深远，著有《笔法记》一书。
提出“气、韵、思、景、笔、墨六要”，对“六法”有所发展，关
是荆浩的继承人，以江南平淡水墨风格影响久远。
巨然继承了董源的衣钵。
他们一直影响到后来各各时代，以至发展成南北宗说。
\ 郑振铎先生说，谈中国绘画史应以宋为中心，宋代中国画科目齐全，百花争妍，辉煌盛隆，空前绝后。
宋徽宗开办画院，设立“画学”；是世界上第一所国家美术院校，院派思想，院派画风起了开端。
\ 宋初的李成、关仝、范宽他们的画派统治画坛，中国画史评“三足鼎立，百代标程”。
北宋中期，文人画家异军突起，提倡水墨写意画，与院体画对立。
代表任务为苏轼、米芾。
苏轼提出“论画以形似，见与儿童邻”。
成为写神趣的意象画铭言影响到现在，这个观点和画法还对中国画的革新提供了革命的口号。
苏、米两人的艺术思想又成为文人画的典范和指南。
由于文人画和院体画的对立和忽布，南宋李唐，刘松年、马远、夏圭的画风形成，出现了梁楷的水墨大写意画。
但苏、米没有研究和总结，只是提出了问题。
《林泉高致集》、《山水纯全集》、这两部理论著作是由画院画家完成的。
\ 元代文人画最重要人物是赵孟頫。
他提出“书画同源”，并加以发挥，把书法的功力运用到绘画笔墨中，由此画家必能书，书家也能画的遗风流传书画界。
有人还说，书从画中来，画理在书中。
元代又是一个转折点，画风骤变，文人水墨画如雨后春笋生机勃勃。
青绿重彩、工笔画界那时虽有绚丽机构之作，如精湛的永乐宫壁画，但以接近晚年。
明代初，“浙派”曾在画坛一时活跃，后被吴门画家取代。
董其昌因南北宗说引起画坛密锣紧鼓热闹了两百多年，虽有是非之争，也有一派认为他的成绩是主要的。
陈淳、徐渭是划时代的人物，特别是徐渭影响既大又久远。
郑板桥、齐白石也都钦佩他。
从明到清，能书能画，宜书宜画，诗书画合壁；金石学大盛，诗、书、画、印章融为一体，中华民族这一伟大辉煌的艺术以其完备、宏大、精湛、文采、玄妙使世界其他画种莫及。
\ 从历史看，发展到清乃是按文人画的道路继续往前走。
虽说此时是按文人画的道路发展，但它是集大成的时代。
那时社会内外关系发生变化，画家的生活、世界观、艺术观、技法、学术，给我们留下了既珍贵又现实是艺术瑰宝和经验的全面及丰富，流派分呈、艺术争妍。
有数不清的大师如：“明四家”、“四王”、“四僧”、“八怪”、“金陵画派”、“黄山画派”、“扬州画派”，首创指墨画的高其佩等等大家，他们都是我们这个民族文化的奉献者、创造者、也有个人牺牲者，殉难者。
\ 从历史看，中国画什么时候不再变化和发展
事物在不断变化和发展，运动，继往开来，然而新生事物中，又包含旧事物的许多因素。
庄子说：“其分也，成也；其成也，毁也”。
中国画的发展，传统总是起积极的作用。
没有传统的东西，就没研究的根据，没有根据怎么说发展。
在发展中优秀的、精华得到继承，另一部分被淘汰掉。
“其成也， 毁也”。
变有自然规律，规律在变化过程中，人们可以认识和运用。
但是，中国画变成今天的大泼墨、大泼彩，王维、李氏父子、梁楷、徐渭他们提供了依据。
这是不以人们的意志为转移的，是具体的。
——“其分也，成也”。
画作为实践，有形有象；作为概念，无形无象。
有形无形，无形有形，在运动过程中转化，画家可以自由把握，“妙造自然”。
运动结果，不期然而然，产生于无形，不以画家的意志为转移。
“心中之竹不是手上之竹，手上之竹不是纸上之竹，纸上之竹不是心中原有之竹”。
\ 中国画发展到今天，有如此抽象的形象，毫无拘束的泼墨、泼彩画法，纵情疏狂的意趣等。
再说精神和物质自古就属个人所有，今天才真正成为社会的文化，人类的文明。
古人或者前人，有哪一个预料到了呢
现在人有的在摹汉砖图纹，有的在摹敦煌壁画，有的在摹民间艺术，有的在摹儿童画，都在不同的作历史的反思。
也有人大叫“反传统”，“穷途末路”，“合二为一”，中国画向西画靠拢才有前途。
也有大叫“反传统”的人在偷偷地偷袭传统。
中国画有如其他传统文化那样，在一定时间遭到否定，一定时间又得到重新估价；在一定时间被埋没、毁掉，另一时间又重新得到复兴。
西画也如此，印象派曾受到学院派强烈的攻击，印象派曾激进地打着反传统的旗帜，它后来又成为传统。
印象派画家之一德加说：“对自然的研究是没有意义的，因为绘画是一种传统艺术，去学会跟着荷尔拜因那样来画就更有意义得多”。
野兽派、表现派、立体派、未来派、达达派、超现实派曾受到塞尚、高更、凡高、修拉的影响，吸收他们的经验。
中国文人大写意画，对宋代院体画来说是个反动，传统文人画现在又成为某一部分人革命的对象，这都是自然而然的。
老子说：“道，可道也，非常道。
名，可名，非常名”。
“道生一，一生二，二生三，三生万物”。
事物总是对立，互补，统一，矛盾向前发展。
高更说：“画家在他的画架前面，既不是过去时代的奴隶，也不是现在的奴隶；既不是自然的奴隶，也不是他的邻居的奴隶。
他是他自己，始终是他自己，永远是他自己。
”（《印象派画史》）\ 宗白华说：“中国画法不全是具体物象的刻画，而倾向抽象的笔墨表达人格心情与意境。
中国画是一种建筑的行线美，音乐的节奏美，舞蹈的姿态美。
其要素不在机械地写实，如花鸟画写生的精妙，为世界第一。
”中国画不是西画先找好了题材，再找模特儿照着画，总有一个对象的束缚，天地的限制，虽然也有形神兼备，但“意”就不够了。
中国画是画家在生活体验中体味万物的形象，“深入生命节奏的核心”，以自由谐和的形式，表达出画家最深的意趣。
石涛认为他的画不象古人也不象今人。
“我思我画，自有我在。
”说中国画千人一面，没有变化，须要横向联系，学习西画，也许是学而不深，言而不精吧。
中国画家是用“澄怀观道”的宇宙观来认识世界，体察万物，写胸中逸气，求得一种心灵的解放。
西画的境界与中国画的抽象笔墨具象结构是不同的。
就是印象派也是非常准确地目睹描摹对象。
凡高、马蒂斯在他们的画里重视线的作用，他们说：“我的灵感常来自东方的艺术”，他们还说：“我的风格是手塞尚和东方影响而形成的”。
“东方的线画，显示出一种广阔的空间，而且是一个真实存在的空间，它帮助我走出写生画范围之外”。
（《印象派画史》）。
马蒂斯、毕加索自己说是受了中国画的影响而改变的。
“纵观环宇，第一，唯中国人有艺术；次为日本，而其艺术亦源于中国；再为非洲黑人。
”（毕加索晚期创作展览序言）他们对线的运用始终不及中国画的线流动变化，多姿多态，藏有意蕴，意义丰富，中国画的线不仅是表现形体，更表现精神，表现生命的运动，它的内容有广阔的时空哲理，中西画家各有宇宙观，确立了两个独立的系统。
对这两个系统无论近代的和现代的前辈都曾经提出“合二为一”的设想，也算革命的口号吧。
他们不仅高喊口号，还从事革命实践苦心经营，又一个有意思的事实是，至今都没有成功地确立一个传统作为可供学习的典范而未见生机勃勃的遗传开来。
\ 任伯年开始是学西画的。
法国著名画家达仰称赞任伯年的作品“多么活的天机，在这些水彩画里，多没微妙的和谐，在这些如此密致的色彩中”。
老一辈月份派画家杭稚英、金梅生等人曾学水彩画，张聿光是推广水彩画最积极最活跃的人。
吕凤子、陈秋草、潘思同、方云鸪、李叔同、张大千都是由西画开始，终年以中国画获得声誉受到人们的怀念的。
\ 特点篇：相对西洋画来说，中国画有着自己明显的特征。
传统的中国画不讲焦点透视，不强调自然界对于物体的光色变化，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。
中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉：而西洋画呢
则讲求“以形写形”，当然，创作的过程中，也注重“神”的表现。
但它非常讲究画面的整体、概括。
有人说，西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术，这是不无道理的。
\ 中国画与西洋画相比有着自己独特的特征，还表现在其艺术手法、艺术分科、构图、用笔、用墨、敷色等多个方面。
按照艺术的手法来分，中国画可分为工笔、写意和兼工带写三种形式。
工笔就是用画笔工整细致，敷色层层渲染，细节明彻入微，用极其细腻的笔触描绘物象，故称“工笔”。
而写意呢
相对“工笔”而言，用豪放简练的笔墨描绘物象的形神，抒发作者的感情。
它要有高度的概括能力，要有以少胜多的含蓄意境，落笔要准确，运笔要熟练，要能得心应手，意到笔到。
兼工带写的形式则是把工笔和写意这两种方法进行综合的运用。
\ 从艺术的分科来看，中国画可分为人物、山水、花鸟三大画科，它主要是以描绘对象的不同来划分的。
而中国画中的畜兽、鞍马、昆虫、蔬果等画可分别归入此三类。
\ 中国画在构图、用笔、用墨、敷色等方面，也都有自己的特点。
中国画的构图一般不遵循西洋画的黄金律，而是或作长卷，或作立轴，长宽比例是“失调”的。
但它能够很好表现特殊的意境和画者的主观情趣。
同时，在透视的方法上，中国画与西洋画也是不一样的。
透视是绘画的术语，就是在作画的时候，把一切物体正确地在平面上表现出来，使之有远近高低的空间感和立体感，这种方法就叫透视。
因透视的现象是近大远小，所以也常常称作“远近法”。
西洋画一般是用焦点透视，这就像照相一样，固定在一个立脚点，受到空间的局限，摄入镜头的就如实照下来，否则就照不下来。
中国画就不一定固定在一个立脚点作画，也不受固定视域的局限，它可以根据画者的感受和需要，使立脚点移动作画，把见得到的和见不到的景物统统摄入自己的画面。
这种透视的方法，叫做散点透视或多点透视。
如我们所熟知的北宋名画、张择端的《清明上河图》，用的就是散点透视法。
《清明上河图》反映的是北宋都城汴梁内外丰富复杂、气象万千的景象。
它以汴河为中心，从远处的郊野画到热闹的“虹桥”；观者既能看到城内，又可看到郊野；既看得到桥上的行人，又看得到桥下的船；既看得到近处的楼台树木，又看得到远处纵深的街道与河港。
而且无论站在哪一段看，景物的比例都是相近的，如果按照西洋画焦点透机的方法去画，许多地方是根本无法画出来的。
这是中国的古代画家们根据内容和艺术表现的需要而创造出来的独特的透视方法。
\ 在用笔和用墨方面，是中国画造型的重要部分。
用笔讲求粗细、疾徐、顿挫、转折、方圆等变化，以表现物体的质感。
一般来说，起笔和止笔都要用力，力腕宜挺，中间气不可断，住笔不可轻挑。
用笔时力轻则浮，力重则饨，疾运则滑，徐运则滞，偏用则薄，正用则板。
要做到曲行如弓，直行如尺，这都是用笔之意。
古人总结有勾线十八描，可以说是中国画用笔的经验总结。
而对于用墨，则讲求皴、擦、点、染交互为用，干、湿、浓、淡合理调配，以塑造型体，烘染气氛。
一般说来，中国画的用墨之妙，在于浓淡相生，全浓全淡都没有精神，必须有浓有淡，浓处须精彩而不滞，淡处须灵秀而不晦。
用墨亦如用色，古有墨分五彩之经验，亦有惜墨如金的画风。
用墨还要有浓谈相生相融，做到浓中有淡，淡中有浓；浓要有最浓与次浓，淡要有稍谈与更淡，这都是中国画的灵活用笔之法。
由于中国画与书法在工具及运笔方面有许多共同之处，二者结下了不解之缘，古人早有“书画同源”之说。
但是二者也存在着差异，书法运笔变化多端，尤其是草书，要胜过绘画，而绘画的用墨丰富多彩，又超过书法。
笔墨二字被当做中国画技法的总称，它不仅仅是塑造形象的手段，本身还具有独立的审美价值。
\ 中国画在敷色方面也有自己的讲究，所用颜料多为天然矿物质或动物外壳的粉未，耐风吹日晒，经久不变。
敷色方法多为平涂，追求物体固有色的效果，很少光影的变化。
\ 以上谈的中国画的特点，主要是指传统的中国画而言。
但这些特点，随着时代的前进。
艺术内容和形式也随之更新，并不断地发生变化。
特别是“五四”之后，西洋画大量涌入，中国画以自己宽阔的胸怀，吸收了不少西方艺术的技巧，丰富了中国画的表现力。
但是，不管变化如何，中国画传统的民族的基本特征不能丢掉，中国画的优良传统应该保持并发扬光大，因为中国画在世界美术领域中自成独特的体系，它在世界美术万花齐放，千壑争流的艺术花园中独放异彩。
中国画是我们民族高度智慧、卓越才能和辛勤劳动的结晶，是我们民族的宝贵财富。
西方绘画所有流派的特点和代表人物
你的美术教育论文准备往什么方向写，选题老师审核通过了没，有没有列个大纲让老师看一下写作方向
老师有没有和你说论文往哪个方向写比较好
写论文之前，一定要写个大纲，这样老师，好确定了框架，避免以后论文修改过程中出现大改的情况
学校的格式要求、写作规范要注意，否则很可能发回来重新改，你要还有什么不明白或不懂可以问我，希望你能够顺利毕业，迈向新的人生。
毕业论文怎么写
毕业设计和毕业论文是本科生培养方案中的重要环节。
学生通过毕业论文，综合性地运用几年内所学知识去分析、解决一个问题，在作毕业论文的过程中，所学知识得到疏理和运用，它既是一次检阅，又是一次锻炼。
不少学生在作完毕业设计后，感到自己的实践动手、动笔能力得到锻炼，增强了即将跨入社会去竞争，去创造的自信心。
这里仅将我们教研室老师近年指导本科毕业生论文中的体会整理出来，希望能对学生毕业论文有所帮助。
选择一个相关的题目，应该是你感兴趣并且和你所学的专业相关的。
进行文献检索，查找有关这个主题的所有研究成果，并且进行深入的研究。
在广泛的吸收别人的成果的同时，思考自己在这个问题上的观点和看法，这是你能做的最重要的一步。
参考科技论文的写作规范，先写出大纲，再增加内容形成草稿，反复修改，最后定稿。
需要注意地问题：标题是文章的眉目。
各类文章的标题，样式繁多，但无论是何种形式，总要以全部或不同的侧面体现作者的写作意图、文章的主旨。
毕业论文的标题一般分为总标题、副标题、分标题几种。
一般说来，篇幅较长的毕业论文，都没有分标题。
设置分标题的论文，因其内容的层次较多，整个理论体系较庞大、复杂，故通常设目录。
参考文献又叫参考书目，它是指作者在撰写毕业论文过程中所查阅参考过的著作和报刊杂志，它应列在毕业论文的末尾。
列出参考文献有三个好处：一是当作者本人发现引文有差错时，便于查找校正。
二是可以使毕业论文答辩委员会的教师了解学生阅读资料的广度，作为审查毕业论文的一种参考依据。
三是便于研究同类问题的读者查阅相关的观点和材料。
