朝花夕拾读后感加画
我个人认为你可以画花，也可以画人在采花，稍微抽象点，更有意境美，背景是黄昏，以体现“夕”字一定要简单，不要繁琐
“画出好成绩-通过思维导图提高分数”读后感
艺术是人类文明共同的结晶，人类分分合合繁衍了几千年，艺术也就跟着发展了几千年，如果一定要把艺术分为东方和西方的概念，那么也将是暂时的概念，因为人类还在发展，所谓“分久必合，合久必分”中国古人早已经明白了事物发展的规律。
因此本文谈的观点仅做暂时之结论。
如果要讨论国画与西画之区别，我认为首先应该谈到的是空间透视问题。
国画是散点透视，西画焦点透视，这是东西方绘画的本质区别。
在二十世纪后期，西方艺术从古典主义走向印象主义再到抽象绘画的产生，西方绘画体系在不断解体，产生了许多受东方精神影响的作品，如毕加索著名的《格尔尼卡》就运用了散点透视法，此外米罗、夏家尔等也习惯于使用这种方法。
由此可见东方绘画给西方绘画的发展提供途径的例子很多。
同样，中国近代绘画不仅学习西方的方法，甚至引进了一个画种—油画。
如果说中国人学习了西方绘画，不如说是学习了西方的透视方法。
请看从最初学生画的素描到后来的各种主题性创作，无不使用着这个方法。
如果比较历史上东西方绘画的其他不同之处，我认为区别还在于西方人发现了光影，东方人发现了线条。
西方人利用光影成像原理在画面上描绘出逼真的图象。
从达芬奇到安格尔再到马奈德加莫不如此，甚至后来发明照相机也是绘画实践的结果。
东方人因为受书写习惯的影响，将书法的线条运用到了绘画中，从吴道子到阎立本再到今天的诸画家依然如此。
近观中国学习西方绘画的历史，以徐悲鸿先生为代表影响最大，他画油画，是用现实主义的手法，也提出了“中体西用”的观点，既用中国的毛笔宣纸为工具，运用西方现实主义的技法了造型。
这种绘画的特点是象安格尔那样，先用线条画出准确的轮廓，再以光影原理用墨的浓淡来画体积。
这种方法目前仍然运用于国内各大美院的教学中。
另一种是以林风眠为代表，其作品借鉴了构成主义、野兽派、纳比派等思想的影响，而上述流派都是在反现实主义的基础上产生的，他们的特点是是打破以往对空间和真实的表现。
纳比派代表人物德尼断言：“所谓绘画，无非是二元的平面。
”与其忠实地再现自然，不如直接地考虑画面的构成。
由此可见林先生学习的是西方发展后的艺术，应该更加具有进步意义。
时至当代，西方艺术在进入二十一世纪后变革更加激烈，从印象派引入决裂的时代以后，对绘画的主体对象的怀疑使艺术仿佛晕眩了。
抽象主义画家特温布利宣称：“今天，每一个线条都是线条本身内在历史的具体体现，它无需做出任何解释，它是它本身存在的结果。
”皮洛克提出了艺术的无限可能性，他用全新的技法从新定义空间，材料。
素描，以及空间布局等关系。
尽管当代西方艺术纷繁复杂，但归结起来有一个共同特点：既这些当代艺术家都在为发明一种新的种类的图象而忙碌着。
正如波普艺术家安迪沃霍尔所言：“我真希望发明一种象牛仔裤一样的蓝那样简单的东西。
”与此同时，中国前卫的艺术家也在忙着做同样的事情，但到底还是中国人，放弃传统材料只能算是西体西用。
要考虑中国未来绘画的发展就不能不考虑中国画的发展问题。
反观中国近代艺术家学习西方的经历，最后还是归结在使用中国传统材料创作上来。
谈到中国传统绘画就不能不谈笔墨纸砚，简而言之笔及毛笔，墨及黑墨，纸及我国特有的宣纸，砚现在有人用，有人喜欢墨汁就放弃了。
中国古人用毛笔沾溶于水的墨写画出图案就是创作国画的基本过程。
目前国内就笔墨问题讨论的很多，其实笔墨作为一种造型手段犹如西画之肌理，并非构成一幅作品的主角；西方人象马提斯也很喜欢中国墨，但他是将墨仅看作颜色的一种使用，相反，中国人过多地强调笔墨的意义就会陷入孤芳自赏的状态，而忽略西方绘画中对于色彩探索的成果。
西方绘画在色彩上曾经成功地借鉴过东方色彩，安格尔曾经被戏称为误入巴黎的中国人，凡高也曾迷恋过日本画，而中国绘画在色彩的借鉴上运不如西方积极。
另外，中国绘画强调萧疏淡远诗情画意符合中国农耕时代的一唱一和的人文精神，但很难适应当前快节奏读图时代人们的审美需要。
尤其是互联网和无线通讯技术的使用使世界变的越来越小，随着国际间的交流频繁人们的审美标准更加接近。
因此要想使我国的传统绘画艺术得到发展就不能忽略对西方现代艺术的研究和借鉴。
东方与西方也许本来是一家，或者起码也是亲家，你中有我我中有你，借鉴是双方都无法回避的前景，只有用科学的拿来主义方法才能找到更加适合的发展道路。
愿二十一世纪里我们的思想更加开阔和自由，我们的艺术更加丰富多彩，我们的绘画事业更加繁荣。
<<西方宗教题材绘画艺术>>读后感
在阅读与学习以前，只知道宗教是欧洲文艺复兴和启明运动以前的主旋律，没曾联想过宗教题材绘画所体现出来的伟大艺术。
自从认真阅读学习了以后，我从中发现了西方的油画艺术与欧洲的宗教有密切的关系，对我的影响很大；因此，我以“宗教绘画”与“以宗教为题材的绘画”这两个命题为切入点，谈谈我对的观后感。
在西方艺术史上,宗教艺术占有非常重要的地位,甚至在中世纪,一切艺术形式都是为宗教办事的.所以,要辨析所谓“宗教绘画”与“以宗教为题材的绘画”之间的异同,首先就要确立两者的概念.假设仅仅根据绘画的内容来考察两者之间的异同是很困难的,由于不管是“宗教绘画”还是“以宗教为题材的绘画”,它们描绘的都是宗教内容.假设圣经中有关的故事,自产生以来就不停被艺术家反复绘制,而圣母、圣子等宗教人物二千年来更是以不一样的方式体现了绘画中.就绘画的形式演变来看,从早期画到中世纪镶嵌画、彩色玻璃画,到后来的湿壁画、油画,这些形式的不一样也只能阐明绘画材质的演变.所以,对“宗教绘画”与“以宗教为题材的绘画”进行概念的界定只能从绘画以外的原因中去寻找,即社会的、历史的、文化的原因.首先,就西方的宗教艺术来说,主要便是指艺术.基督教的产生是伴随着罗马帝国的衰落而兴起的.当时的罗马处在全面的分崩离析之中,道德滑落,信仰缺失,而基督教趁势占据了人们的信仰真空,最终成为罗马帝国的国教.基督教艺术也就从阴冷的墓穴进入到巍峨的教堂中,成为中世纪统治人民最强有力的意识形态.可是,本是追求美的艺术在中世纪“‘美’因被视为哲学的一个属性,成为形而上的本真追求,而与形而下的艺术活动基本上分道扬镳.”就那时的绘画来说,它的目的为有一个,那便是诠释宗教,甚至成为宗教的图解,而绘画的一切表现方式都是服从和办事于这一目的.所以,站在社会功能的角度,可以把从基督教产生到中世纪这一长达上千年时期的绘画称作“宗教绘画”.为有当西方进入文艺复兴时期以后,绘画的社会功能才逐渐改变.由于人文主义思潮的兴起,人自身的价值可以肯定,绘画再也不但是单纯地诠释圣经描绘宗教了,艺术家们往往借助宗教题材表现他们相比人类、相比世界的认识.圣母穿上了时下的衣服,也变成了道德崇高的人.“人充实地发现了自身的创造力,世俗才气及其实现,以及与此相应的人的欲望和情感所以得到毫不不清楚的肯定和称赞.”这样一来,咱们也就可以把自文艺复兴以来的宗教绘画称作“以宗教为题材的绘画”.事实上,绘画的宗教功能被人文主义思潮稀释后,题材也得到了极大的扩展,涌现了大批以神话、寓言为题材的绘画,人物画也非常流行. 其次,西方社会自罗马帝国崩溃以后,经历了一个从野蛮到文明的整个过程.蛮族入侵的时代,是各个民族冲突对抗的时代,直到十世纪前后才开始了艰难地融合.这一时期基督教无疑起了巨大的作用,它整合了欧洲的社会意识,促使走向统一,其内在核心便是宗教性.“宗教绘画”无非是宗教性在绘画中的表现,只是这种表现是绝对的、纯粹的.而随着的统一,欧洲的政治经济也得到了极大的发展,特别是城市的繁荣、市民文化的形成,宗教性原因开始减弱,世俗性原因慢慢浮出水面.“以宗教为题材的绘画”便是宗教绘画中表现出的世俗趣味.所谓“世俗”,在中有两层意思,一为“流俗”；一为“非宗教的”.也便是说,绘画中出现了人文主义的、非宗教性的审美趣味.最后,我们还要看到,“宗教绘画”和“以宗教为题材的绘画”并不是两个截然对立的概念.一方面,从“宗教绘画”发展到“以宗教为题材的绘画”在西方绘画史上是一个渐变的整个过程,宗教性和世俗性往往互为混杂.即便如这样的文艺复兴盛期时的大家一生也都在为教堂办事,他的绘画除了称赞人类的英雄主义情结外,还刻上了深深的宗教情结.比如,在中,咱们不光可以看到塑造得如同一样健美的形象,并且还能够看到表现了宗教原罪的、被画成人皮的画家自画像.其他方面,不单基督教,古希腊、罗马时代的艺术成绩也不停在影响着西方艺术.就“宗教绘画”来说,原因是技法方面的影响.假设,人物衣纹的处理方法明显是受古希腊艺术的影响.“正是在希腊发现了表达‘心灵的活动’的艺术,并且不管中世纪艺术家对这一目标的理解有多大的差别,没有那份遗产,基督教就绝不大概应用图画来为本身办事.”对“以宗教为题材的绘画”的影响则更多是精神层面的.下面对“宗教绘画”和“以宗教为题材的绘画”之间的关系做一个总结.第一,“宗教绘画”基本上处于欧洲政治、经济极为落后的时期,整个社会受到宗教的桎梏,人们的思想被宗教束缚,其绘画变成宗教的图解,画家不大会表现宗教以外的内容,所以,“宗教绘画”在内容上表现出强烈的神性色彩.画家变更各种绘画本领去表现神性,即便应用人的形象也是程式化的、没有本性的人,而“以宗教为题材的绘画”则是十四五世纪以来经济繁荣、市民社会长足发展的结果.人们发现,生活的富足是靠人类本身的创造而非完全由上帝恩赐,加之古希腊的艺术开始被关注,对人的称赞代替了对上帝的称赞,神性被人性置换,人文主义思潮产生了,但也要看到,既然世俗权力在不停增长,但神权仍然具有决定性影响,那时的公共绘画仍然是为宗教办事的,所以画家们常常借宗教题材表现人性.耶稣不再作为神表现,他有着一切人类的痛苦；圣母与圣子不再呆板、木讷,就像表现普天下所有温馨的母子关系一样被表现.通过上面的分析可知,从神性到人性的变化正是“宗教绘画”和“以宗教为题材的绘画”在绘画内容上最大的区别.第二,当画家从表现神性变化为表现人性时,他们看待世界的方式也发生了变化.在“宗教绘画”时代,画家要表现的上帝是无所不可以、至高无上的,显然,这样的神在实际生活中是找不到的,唯有对宗教的所谓神秘体验才气获得.无疑,这样的绘画是想象的绘画,越远离真实世界就越能表现神性,一切生机勃勃的对象在画家面前都失去了魅力,对宗教无止境的追求才是绘画的最高目的.到了“以宗教为题材的绘画”时代,对人性的刻画开始摆在了画家面前,怎么样表现人的喜怒哀乐（喜欢、恼怒、悲哀、快乐）、怎么样让人处在更真实的场景中成为画家们探索的目标,而这一切为有在客观对象面前才气找到,画家的眼睛终于回到实际面前.人体解剖学、透视学、色彩学,画家为有追求对世界更真实的反映才气发展出这些学科.因此,“宗教绘画”和“以宗教为题材的绘画”在绘画技法上也产生了质的不一样,前者要画出想象的世界,所以,画家们倾心于抽象的线条、象征性的色彩和繁复的构成；后者是画出对象的世界,这就产生了写实主义的表现方法.第三,以上两点是“宗教绘画”和“以宗教为题材的绘画”之间各自不一样的特点,但也要看到两者之间的联系.宗教思想大概说信仰——在西方原因是指基督教——是推动西方文明的主要原因之一,与古希腊文明对西方的影响不一样,它带给西方的“以弃绝尘世的方式向人们展现了一个无限的超感性的世界,从而在某种程度上开拓并丰富了人类的精神世界.使无限的精神（实体）具体化于个人的心灵之中.”所以,自基督教产生以来,西方绘画就不停存在一个超验传统,即便画家们应用宗教题材表达宗教以外的思想,相比无限精神的追求也从未停止过,如前文所述的米开朗琪罗.甚至到后来,人们即使摆脱了宗教题材的束缚,绘画向多元化方向发展时,许多作品仍然充满着宗教体验.比如19世纪法国实际主义画家米勒和荷兰后印象派画家凡·高的作品.总之,经过对“宗教绘画”和“以宗教为题材的绘画”的研究,西方绘画实际上是在对宗教精神的维护和反叛中可以发展的,这一宗教特质相比整个西方艺术来说已经成为一笔无法抹杀的精神遗产.本文第一段是我从原文更改并添加了新内容，其余段落均为引用原文。
原文网址：
《为什么读书》读后感10篇
每个人都有每个人的梦想。
苏格拉底说世界上最快乐的事，莫过于为理想而奋斗。
而我的梦想是成为一个画家，我坚守着这个梦想，也为之而奋斗。
这似乎是一个很抽象的词，没交代得很细致因为我想成为一个全方面发展的人。
幼儿园时，我就已经爱上了画画，因为在画画的时候，我就会觉得很快乐。
每次，园里组织兴趣班，我都钟情于我的画。
画画的时候，我格外认真，一笔一划都很认真。
在班里也算是数一数二的了。
步入小学，我开始接触水彩笔。
用水彩笔画画，经常会一团糟。
后来我才知道，水彩笔需要像织毛衣一样井然有序，而不是无厘头的一阵乱画。
我总是从平时的练习中发现许多技巧——这就是我所需要的。
三年级时，老妈开始给我报各种各样的兴趣班。
每当她问起我要报什么事，我总会毫不犹豫的回答，画画。
老妈也没说什么，因为她知道我爱画画，画就像我的命根子。
我离我的梦想又近了一步。
四年级的暑假，姐姐提议让我和她一起去学素描。
我从未接触过素描，但我一下子便喜欢上了她。
吴老师说画画的时候要认真，要把物体观察的到位，还要牢记不要让透视出错。
有一次，吴老师教我们素描。
她画画时很专注，每一下都很认真，仿佛世界上只有她和画。
吴老师总能把明暗画到位，让人一目了然。
哪该轻哪该重，她似乎都知道。
我每每问她为什么，她总是轻轻一笑，说，因为我爱画画。
这句话，也说到了我的心坎里。
现在，我已经五年级了。
家里的书房，房间的柜子，客厅的茶几，到处都是我的画。
彩色笔，颜料，素描，蜡笔……我坚守着一个画家梦，在这平淡无奇的梦想里，有一个身影在默默地努力……
对西方美术作品的读后感
美术作品欣赏特别是绘画艺术欣赏，传统上讲属于美术史的学习范畴，是较深入较全面的认识。
美术作品比较欣赏，则侧重不同，它是以一种全新的文化视角，欣赏、审视不同传统形式的美。
通过对比、参看、交流、勾通的方式，更通俗、更平易的了解认识世界范围内美的形式、形态。
从而更好的挖掘认识我们自己民族的传统美术。
[关键词] 欣赏；认识方式；比较；审美理想；观念思维欣赏，这个词可以从两个角度来认识，其一，个体经验的角度。
其二，典型的，能代表相当部分人共同感受的体验。
毕竟，不论是创作者还是欣赏者都是社会条件下的人，不同时代，不同地域，不同种族，不但是个体主观的而且也是客观社会的。
对于艺术作品，我们要学会欣赏，懂得欣赏。
这里两个欣赏，含义略有不同，第一，看，看什么
第二，作品，怎么看
对于美术作品的认识方式，传统上大多是通过学习美术史的方式，先分中外，后从发源到发展细细密密、美术理论、美术言论、美术年代、美术作品、风格流派等等，精微细致。
这对于专业人士和艺术类学生而言是必要而必须的。
而对于艺术素质教育来说，它面对了更广泛的受教育人群，对非专业人群而言，显然此种方式不合适，不实际。
美，人皆爱之，但面对一股脑的大量美术作品，中国的、外国的、古典的、现实的、浪漫的、具象的、抽象的，加上一大堆的年代，让人不蒙也会被吓跑的。
普及艺术审美教育，不缺少受惠人群，真正缺少的是一种理念和一种确实可行的方法。
这种情况下，中外美术作品比较欣赏，作为选修课程就特别适合，也应该在普通高校，特别是高职、高专类学校中普及开设。
首先比较的出现，说明认识的角度和传统发生了变化。
比较是人类在同外部自然交流勾通中较高的一种认识阶段，它可以同时将两个和两个以上相对独立的参照系统建立联系，从而避免认识上的独立性、静止性和片面性。
其次，比较可以见出异同。
对所比较的事物有更明确、更客观的认识。
而使得在对纷繁浩瀚的艺术作品欣赏时，能够更为透彻，更加从容自由。
再次，比较不是以高低优劣为目的。
它通过对大量丰富的美术观念、美术作品的比较，能从中发现中西美术的不同之处，从而更深刻的认识和保护世界范围内的文化遗产，更准确、客观的认识我们民族美术的长处与不足。
中西古代审美理想的异同从先秦哲学家和美学家的著作中，我们了解到儒家思想是汉文化不同与世界其它民族的基本特质。
中国古代审美理想的认识首先要从对儒道思想的认识作为开宗。
儒家理想人格的形成是把宗法体制的共同性要求内化于自我人格的形成，“克己复礼”而“成教化，助人伦，”“兴于诗，立于礼，成于乐”是为艺术、教育的目标。
使得自我与社会的关系从外在的约束转化为自在自觉的遵守，实际就是要求艺术的情感须自觉的由道德伦理来节制以达到情与理的和谐统一。
那么道家的审美理想是什么呢
“夫虚静恬谈寂寞无为者，万物之本也”。
“天地与我并生而万物与我一”。
明确了在心与物浑然一体的体验中，人的精神将从实用、利害、因果的束缚中超脱出来，达到一种“虚”、“静”、“明”的自由审美境界。
人作为生命的存在本应与自然一体。
“淡然无极而众美从之，此天地之道，圣人之德也”。
“朴素而天下莫能与之争美”。
这里真正的美是一种大美至美是天地之美，宇宙本体所显现出来的质朴、自然、恬淡之美。
这些思想不但内涵丰厚，同时还具有深厚的美学意味，对中国书画美学产生极大影响，为中国古代审美理想构建了一种独特的宇宙观，这种宇宙观表现在艺术上就是以类取之，以虚带实，以实带虚，实中有虚，虚中有实，虚实相生，情理统一，物我和一。
对照西方，从古希腊时代开始，西方造型艺术就是以模仿自然为目的，古希腊哲学家们认为“数”是万物之源。
自然界事物存在就是“数理”的存在。
艺术家在模仿事物外在形象的时候，通过比例、对称、完美、表现存在的本质和规律，从一个物体美的认识到集体的、全部的美的认识,从美的形体到美的制度美的知识,一直到彻悟美的本体。
由此，在对和谐美的追求过程中有了“一切立体图形中最美的是球形，一切平面图形中最美的是圆形。
构成长方形比例协调感的“黄金比”。
人体美同样取决于不同数之间的比例和谐”。
从希腊神话到希腊雕刻，大量雕像也佐证了艺术对真实物象立体性的模仿和美化。
比较中西美术，如果说中国古代哲人对美的认识，主要侧重于审美的“心理”方面，那么西方则重于对象的外在形式，关注“美”与“真”的联系，把艺术的审美创作和欣赏看作是追求知识和真理，乃至追求上帝的过程。
《我们对于一棵古松的三种态度》读后感
我们对于一棵古松的三种态度 ——实用的、科学的、美感的 作者在此段中谈及人对事物的不同态度，或者说每个人的出发点不同，其观察 事物的立足点就不同， 同样的事物在不同心态的人的心理或视觉上都会有其独特 的反应。
一棵古松，木材商是商业的心态去看，科学家是研究的心态去看，而画 家用欣赏的心态去看，古松在不同人眼里映衬了三种效果，只有画家不是从“用” 的角度去看，而是如朱先生讲的：“无为而为”的欣赏眼光去看，欣赏的同时也赋 予了其画家内心世界对古松的完美概念。
美的东西需要人们用审美的眼光和欣赏 的心态去看去想，如只讲实用，那么美是最不实用的经验。
但如果说人类历史生 生不息，而真正能触动你我心灵深处的唯有那些给予美好情感的艺术作品，无处 不在深邃的夜空中如同指路的星星闪着光，指引人们的灵魂、净化人们的思想。
再次引用朱先生的话：“美是事物的最有价值的一面，美感的经验是人生中最有 价值的一面”。
美术作业听到命运交响曲然后画一幅抽象画
用颜色堆积色块。
色块堆积出来组成一个图形。
可以是一双手。
因为命运掌握在自己手上。
记得色块之间的关系。
就是颜色的协调性。
。
互补色可以多用。
但是要用到突显的部分上。
还有就是手的形态不要太形式化。
记得抽象一点。
。
