如何提高美术素养
画后感（一）：为弘扬民族传统，促进校园文化繁荣发展，展大高雅健康的艺术才情和用心向上的精神面貌，我校在11月1日举办了首届师生书画展。
展出了全校师生优秀作品230幅，其中学生作品154幅，教师作品76幅。
资料包括水彩画、剪贴画、国画、木刻画、书法、摄影、十字绣等。
11月3日，学校组织六年级学生去文化广播中心参观书画作品展。
我本带着一种沉重的工作情绪去到展厅，但当我到达展厅后，我的情绪立刻激动起来。
()哇
展厅里挂满了各种各样的书画影作品，令我目不暇接，眼花缭乱。
首先映入我眼帘的是方桂珍老师几幅工笔画：《微笑》、《三月红》、《遐想》、《树下》，画中的人物描绘得那么温雅娴静，他们姿态像貌眼神各不相同，但都气质高贵、清纯无暇，心灵未被世俗世故扭曲和污染，令人顿生不忍亵渎的爱怜之情。
这时家长带着学生陆陆续续进场了，我带着几位学生、家长到处望了望，看到了各式各样的画，内心开始感起兴趣来。
我仔细观望着每幅画，我发现每幅画笔法都苍翠有力，画的使人觉得实有行云流水，笔走龙蛇之感
让人感到艺术的博大精深，令我感到自豪
再看到同学们的画，那更不用说了，画的栩栩如生，惟妙惟肖
我们又来到书法作品展区，一个个毛笔字清秀俊逸，透露着深深的文化气息，同时也激起了我对书法的兴趣。
我又仔细一看，这些书法作品的作者竟然是年龄那么小的孩子
真是为他们感到自豪。
一位家长观看完这些作品，不禁地赞叹到：“河田小学能够举行这么大的书画展，真不简单呀
”我听了，心里乐滋滋的。
[由整理]看完了书画展，我感觉很不错，能欣赏到艺术，能看到辛苦的杰作，能看到缤纷色彩的世界
同事们和学生们的那些杰作，使我的心里油然而生出一种仰慕之情。
我不禁想起了自我，与他们相比我实在是太惭愧了。
也许我该身体力行地多看多走，刨除自我的狭隘，认真汲取知识的养分，在文化的海洋中徜徉
画展观后感（二）：参观画展观后感这天下午两节课后，我们全班来到B3幢一楼参观黄原奶奶的书画展。
老师带领我们陆陆续续进场了，我四处望了望，看到了各式各样的字画，一下子吸引了我的眼球。
悠悠的古运河水，盛开的牡丹，挺拔的墨竹……中间还镶嵌着几幅书画作品，动静皆宜，相得益彰。
黄奶奶的笔法苍翠有力，又行云流水，让人不禁感叹她高超的技艺。
我课外也在练习书法，觉得个性枯燥，有时都不想写，看了黄奶奶的作品，我想我必须会坚持下去的。
令我印象最深的一幅画就是牡丹争艳图，形态各异的牡丹竞相争艳，黄的、红的、白的……瞧，上方还停留着两只黄黑色的画眉鸟，时而清脆的鸣叫，时而扑打着翅膀，让人赏心悦目。
寓意着我们青少年在老师的教导下用心向上，勇于进取，像花儿一样美。
画展中还展出了一些照片，灵山大佛、江南林园、太湖美景……让人感觉黄原奶奶是那么热爱生活，热爱家乡。
活到老，学到老，热爱生活，享受生活。
我想我们在学习课本知识的同时，也就应身体力行地多看多走，去感受美丽的世界。
画展观后感（三）：这天我们去参观了一个特殊的画展，这个画展的主题是“童心有爱，七彩梦想”。
年少的我们，心中充满了稚嫩的梦想。
我怀揣着这样的情绪，走进了位于科技宫四楼的画展展厅。
一进展厅，我便看见了琳琅满目的绘画作品：素描、水彩画、儿童画、沙画、国画，应有尽有，还有别具风格的手工制品。
一件件美丽而精致的手工作品吸引了我的眼球，但更令我叹为观止的是一副夏日荷花图，是一幅国画。
这幅画画得十分逼真：亭亭玉立的荷花优雅的站在池塘中央，淡粉色的花瓣将柠檬黄的花蕊轻柔的包住，十分美丽。
左侧一朵荷花含苞待放，宛如羞涩的小姑娘。
荷花下方，几片嫩绿的小荷叶刚刚长成，两侧的墨色的荷叶更衬托出小荷叶的生机勃勃。
一只如画龙点睛般的蜻蜓停在盛放的荷花旁，仿佛被荷花淡雅的香气迷住了，久久不愿离开。
池塘中，几条顽皮的小鱼在荷叶下嬉戏，十分生动可爱。
看到这幅画，我便想起了南宋诗人杨万里的一句诗：“接天莲叶无穷碧，映日荷花别样红。
”我觉得，这幅画的作者想告诉我们的和杨万里一样：我们必须要做一个像荷花一样的人，出淤泥而不染，濯清涟而不妖。
这次画展，我不仅仅体会到了大千世界的美丽，还明白了做人的道理。
这次画展，我真是受益匪浅
画展观后感（四）：参观画展观后感这天我们去参观了一个特殊的画展，这个画展的主题是“童心有爱，七彩梦想”。
年少的我们，心中充满了稚嫩的梦想。
我怀揣着这样的情绪，走进了位于科技宫四楼的画展展厅。
一进展厅，我便看见了琳琅满目的绘画作品：素描、水彩画、儿童画、沙画、国画，应有尽有，还有别具风格的手工制品。
一件件美丽而精致的手工作品吸引了我的眼球，但更令我叹为观止的是一副夏日荷花图，是一幅国画。
这幅画画得十分逼真：亭亭玉立的荷花优雅的站在池塘中央，淡粉色的花瓣将柠檬黄的花蕊轻柔的包住，十分美丽。
左侧一朵荷花含苞待放，宛如羞涩的小姑娘。
荷花下方，几片嫩绿的小荷叶刚刚长成，两侧的墨色的荷叶更衬托出小荷叶的生机勃勃。
一只如画龙点睛般的蜻蜓停在盛放的荷花旁，仿佛被荷花淡雅的香气迷住了，久久不愿离开。
池塘中，几条顽皮的小鱼在荷叶下嬉戏，十分生动可爱。
看到这幅画，我便想起了南宋诗人杨万里的一句诗：“接天莲叶无穷碧，映日荷花别样红。
”我觉得，这幅画的作者想告诉我们的和杨万里一样：我们必须要做一个像荷花一样的人，出淤泥而不染，濯清涟而不妖。
这次画展，我不仅仅体会到了大千世界的美丽，还明白了做人的道理。
这次画展，我真是受益匪浅
画展观后感（五）：参观画展观后感共青城市“两会”隆重召开之际，在市委、市政府高度重视和市政协的大力支持下，市政协委员曹文军个人画展被安排在了“两会”主会场的入口处，格外引人注目。
这也是共青城市第三位政协委员在“两会”期间成功举办个人书画展，既是共青城市高度重视文化艺术事业的具体表现，也可谓是为“两会”胜利召开而锦上添花之举。
在曹文军个人举办画展期间，共青城市委、市政府领导及“两会”代表与员，利用休会时光观看了曹文军近年来潜心创作的66幅国画作品，其中包括写意山水、工笔花卉等种类。
从这些作品中不难看出，曹文军的山水画创作，不仅仅严格遵循中国画的传统，留足了空白，真正做到了“以白计黑，虚实结合”，其作品更是若现“云在山中飘，水在石上流”之感；而且正如他自我所说，他爱艺术，也爱大自然。
爱艺术也爱大自然的曹文军说，因儿女们都在共青城工作，在星子县中学从事了大半生教师职业的他，便和老伴搬到了共青城里定居，也正是定居共青城后他发现，共青城优美的生态环境让他和老伴安享幸福晚年生活的同时，也再次激发了他书画创作的激情。
于是，他又开始潜心研习中国画，加上长期对自然山水的情有独钟，因此他在山水画创作中投入了更多的精力。
由于儿女们在共青城工作都不错，收入也不菲，加上他和老伴都有退休工资，没有任何生活压力的他在订阅《中国书画报》供自我刻苦研习的同时，还经常到全国各地“游山玩水”，走出去与书画界的名家们交流学习，并先后参观了深圳何香凝美术馆等各大美术馆和书画展，仅去云南省参加书画展就有10多次，尤其是在参观张大千画展时更是让他大开了眼界；在昆明市他还拜访过云岑书画院院长及其他画院多位着名山水画家，使他的山水画创作同样受益非浅。
说到此次在市“两会”期间举办个人画展的初衷，曹文军说共青城市是一座知名高很高的绿色生态美城，近几年来经济社会发生了翻天覆地的变化，文化艺术事业发展也要同步才行，作为一个分享了共青城市经济社会发展成果的普通市民，同是又是一名市政协委员的他，觉得共促共青城市文化艺术事业发展是每一个文化艺术创作者义不容辞的职责。
让曹文军没有想到的是，他在市“两会”期间举办个人画展之举，市委、市政府不但高度重视，而且市委宣传部和市政协更是给了大力支持，让他感动的同时对自我今后的创作更加有了信心。
他表示，在今后的国画创作中不仅仅要传承中华民族的传统文化，还会融入更多“大美共青”元素，用自我的画笔记录并展现共青城日新月异的大变化。
画展观后感（六）：这天我们去参观了一个特殊的画展，这个画展的主题是“童心有爱，七彩梦想”。
年少的我们，心中充满了稚嫩的梦想。
我怀揣着这样的情绪，走进了位于科技宫四楼的画展展厅。
一进展厅，我便看见了琳琅满目的绘画作品：素描、水彩画、儿童画、沙画、国画，应有尽有，还有别具风格的手工制品。
一件件美丽而精致的手工作品吸引了我的眼球，但更令我叹为观止的是一副夏日荷花图，是一幅国画。
这幅画画得十分逼真：亭亭玉立的荷花优雅的站在池塘中央，淡粉色的花瓣将柠檬黄的花蕊轻柔的包住，十分美丽。
左侧一朵荷花含苞待放，宛如羞涩的小姑娘。
荷花下方，几片嫩绿的小荷叶刚刚长成，两侧的墨色的荷叶更衬托出小荷叶的生机勃勃。
一只如画龙点睛般的蜻蜓停在盛放的荷花旁，仿佛被荷花淡雅的香气迷住了，久久不愿离开。
池塘中，几条顽皮的小鱼在荷叶下嬉戏，十分生动可爱。
看到这幅画，我便想起了南宋诗人杨万里的一句诗：“接天莲叶无穷碧，映日荷花别样红。
”我觉得，这幅画的作者想告诉我们的和杨万里一样：我们必须要做一个像荷花一样的人，出淤泥而不染，濯清涟而不妖。
这次画展，我不仅仅体会到了大千世界的美丽，还明白了做人的道理。
这次画展，我真是受益匪浅
如何画好油画半身像和全身像写生
关于中外美术院校之美术教育的现状分析◎周浩然黄婵（四川·成都610101）摘要中外当代美术高等教育在专业设置、课程安排、学校与社会、社会与艺术本质的关系等方面的探索和研究具有自己鲜明的特点。
文章通过比较中外美术高等教育的现状, 尤其是俄罗斯美术教育，对我国美术高等教学进了改革的设想,期望能给予我国美术高等教学改革提供一些借鉴和参考。
关键词中外美术高等教育改革文章编号1671-0703(2010)10-198-03由于我国“美术学院”作为我国现代专门的艺术教育机构，无论是从其名称还是其制度来看，都属于西方的“舶来品”。
自上世纪50 年代以来，我国的美术教育长期受苏联契斯恰科夫体系影响，虽然在美术改革期间，我国美术高等教育为了适应时代和社会的需要，进行了相关的改革，但是大部分高等美术院校的美术教学在课程设置、教学目标、教学内容和方式等方面仍因循守旧， 学生依然在进行所谓的技术、技巧方面训练，很少地从艺术本质上进行探索和研究。
本来服务于人民，服务于生活的艺术成了少数人的“技巧”，这种趋势不容乐观。
本文通过对中外最著名的一些美术院校的研究，试图通过中外美术高等教育现状的比较、分析，为我国美术高等教学改革提供一些借鉴和参考。
一、我国美术高等教育现状我国的美术院校从八大美院到综合性大学的美术学院或者美术系，美术课程的设置大同小异，除了必修的政治理论以及外语等，在专业课上主要开设艺术史论、美术学、各种设计专业，包括计算机多媒体的应用等课程。
如上所述，技法、技巧的训练以及计算机的运用依然是美术教学的主要内容。
在时间安排上，前一到两个学年主要是基础课，以素描、色彩为主，同时开设国画、油画、设计辅修，目的是学习巩固一些基础知识。
后两个学年进入专业课程学习，一般分为美术学、设计、史论三个专业方向，学生根据自己的爱好和专业能力自主选择。
创作课几乎没有作系统、整体地安排，大多数学院只是在一个相对集中的时间段里进行毕业创作，在日常教学活动中对于创作少之甚少。
当然比较可观的是创作形式现在相对比较自由。
古典、现代、抽象、具象乃至装饰画、多媒体可以全面地运用。
优点是相比以前丰富了形式，但是缺点依然存在：对于审美规范、审美的标准莫衷一是。
对于中国传统的、民间的艺术几乎在学院难以推广，这是中国美术教育的一大憾事，学院派排斥民间艺术，已成为不争的事实。
虽然艺术史论等课程普遍开设， 但由于师资力量的匮乏、开设时间过短，教学模式的僵化等原因，一般每门课程只开一个学期，每周一到两节，学生囫囵吞枣，浅尝辄止，仅仅记住一些艺术家和作品的名字，对艺术品的美学内涵和文化脉络缺乏明确了解和整体把握，不能深刻领会作品所传达的艺术精神，甚至只是简简单单地应付考试，所以面对艺术以及艺术作品常常感到茫然，言之无物甚至不少学生感觉到自己只能机械地做选择题。
加之学生亲临美术馆、艺术博物馆的机会非常少，学生很少有机会看到艺术品原作。
同时学生外出写生、实践的机会非常少，缺乏文化内涵、缺失艺术标准、匮乏源于生活的元素是高等美术教育所面临的主要问题。
最后，所谓的到实践中去，也成了一种简单的形式。
本应该是艺术教育的一个重要环节，有的照本宣科，有的敷衍了事，甚至有的直接弄虚作假，从而实习失去了实践的真正意义。
虽然有关部门意识到了这点，集中安排学生实习，但由于实践基地匮乏，实习学生过多，部分学校老师的片面追求完成任务，最终也没有取得好的成效，这是一个亟待解决的问题。
二、俄罗斯美术高等教育现状列宾国立美术学院是俄罗斯最好的美术学院，它们的美术系代表了俄罗斯美术的最高水平。
美术学院最主要的教学任务是：从事严格的美术专业教学活动和培养俄罗斯一流的美术家。
主要有绘画系、建筑系、雕塑系、版画系和美术理论系。
主要开设素描、色彩、装饰艺术、金属工艺、陶艺、雕塑、造型艺术教学法、、俄罗斯美术史、外国美术史、、哲学等课程。
在教学安排上，素描和色彩教学（主要指油画）是最主要的学习任务。
从大一到毕业都有。
一般是早上9 点至11 点进行素描教学，在短暂的午饭时间后，接着进行色彩方面的教学，下午3 点至5 点又是再次素描教学。
素描教学活动主教育广角2 0 1 0 年第10期安徽文学199要在室内进行，因为在圣彼得堡漫长的冬季使得他们不得不选择室内教学。
解剖课的要求非常严格，经常安排在一张纸上画同一个人头部的正面、侧面和3\\\/4 面，或者在一张头像边上画骨骼和肌肉。
学校有一个专门的解剖教室，陈列着人体骨骼的各个部分以及一部分动物骨骼，学生可以随时来此写生，有专门的教师指导，素描作业一般都用索斯、歇比亚、桑基那做底子，做成各种深度的灰调子，人像与环境融为一体，空间感极强，这也是为了与油画课程进行很好的衔接。
而在绘画材料上也非常广泛：从炭笔、木炭条、炭精棒到俄罗斯特有的索斯、歇比亚、桑基那，包括色粉笔、蜡笔等。
美术教学对构图课极为重视，构图要符合美的规范，反复权衡修改以求获得最佳效果。
创作课从大一开始设置，方式是课上辅导、课下画构图、期末总评，手法要求用现实主义方法，题材范围是现实生活、个人生存体验、普希金诗歌、、俄罗斯历史与宗教，绝对不允许进行现代艺术以及一些“非艺术的艺术”尝试。
教学大纲是高等美术教学的“最高准则”，教学中出现偏差，马上就由教学大纲来纠正，学生学习也有矩可循，老老实实按教学大纲学就是了，可叹的是这种大纲几十年不变。
这也和俄罗斯这个民族的传统息息相关。
学校注重对学生动手能力的培养，美术系设有工业造型、陶艺、雕塑、木工等实习车间，从图纸设计到制作完成都一丝不苟，从中可以看出俄罗斯学生严谨、扎实的学风，这种对学生严肃认真作风的培养不仅仅是为了制作一两件作品，更是为了让学生形成优良的工作品质与生活品质。
其中，他们对中国这种绝大部分的室内教学也曾提过建议，因为中国绝大部分地区都有充足的阳光照射，而不同于俄罗斯。
所以他们建议我们国家的美术院校学生，应该把素描、色彩教学更多的集中于室外，感知大自然最纯真的艺术。
每年6 月，是毕业生的答辩时间，学生作品分成两部分:一是自己的毕业创作;二是在教学实习中收集的中小学生完成的作业。
这是对创作能力和教学能力两方面进行评估。
列宾美院还和各地美术院校进行交流，互派学生，反馈毕业生的工作情况，不断对自己的教学计划进行改进和调整。
三、意大利佛罗伦萨国立美术学院佛罗伦萨国立美术学院为世界美术最高学府，始创于1339 年，是世界第一所美术学院，开创世界美术教育先河，1562 年正式建立。
他们在学院门类较多，有艺术视觉学院、应用美术与设计学院、交流与教育学院、裸体学校。
意大利佛罗伦萨国立美术学院上课是丰富多样的。
学院安排的课程宛如宴席，学校会统计学生的“消费”，如果达到学校的标准，就准予考试和毕业。
学校平时上课时间很多，艺术形式已经不局限于传统，当代的各种艺术形式都有表达和涉及。
学校会安排很多活动、画展开幕、电影会、讲座，等等。
作为一个学生，必须除去上课之外还得参加各种艺术活动。
在各个场所里，这些场所里面有学校的签名单，签名表明学生参加了，然后一块汇总到学院或老师，然后老师和学院再评估学生吸收的养分够不够，作为依据评判、考核学生。
表达形式也是各种各样，有动画设计、行为艺术、灯光、理念。
在这里一切都是开放的，当然日常的固定上课也是必须的，不过课程会分布在佛罗伦萨各个地点，如博物馆、当代艺术馆、画廊等等。
在考试上，每次考试大概有3 名以上的教授在场，然后出示作品、问答、表达观念，教授再讨论、评估、给分。
主要考察各个方面，如学生参加课程以及活动次数的多少，学生艺术作品的层次，对艺术作品理解的观念等。
另外，学院的老师也非常严谨，对学生的要求非常严格，让学生很难“走后门”，蒙混过关。
四、国立高等美术学院国立高等美术学院是法国在美术界最知名的学校，培养了大批优秀的艺术家。
该校除了美术、油画之外，还开设有雕塑、计算机图像与录影图像等专业，学制5 年，学生毕业时可以获得DNSEP，国家承认大学四年级文凭（homologubac+4）。
学校里传授传统和现代艺术的技巧与理念，目的是培养高水平、多能力的艺术家。
学校有1\\\/3 的学生是外国学生，这使得各国的艺术得以充分交流，并积极地影响着学生的艺术水平。
学生在画室中工作，每个学生都有专门的教授指导。
学生在素描、油画和多媒体3 个方向中选择1 个或多个专业。
第一年学生要完成4 个学分，其中一个由教授指定，两个是绘画技术，另一个是艺术理论。
学生在5 年内要修完12 个学分才能毕业，其中包括1 篇论文和答辩。
同时学校招生非常严格，700 名考生中只有150 人被录取。
要求上一年级的学生年龄在18~24 岁之间。
首先要提交自己的作品集，作品应在20 份左右，其中至少10 份为原作。
在通过对作品的选拔后，学生还要经过3 个考试：实物素描、对一件作品的文字描述与评论、面试。
学校接收资格入学，如果考生不到26 岁而且已经完成了大学二年级的学业，那么可以向招生委员会提交自己的作品集，学校根据学生作品的水平在二年级、三年级、四年级中选择一个适合的年级。
五、英国英国，自从1768 年成立以来迄今已有237年，与，美术学院，俄罗斯列宾美院并称世界最杰出的四大美术学院。
表示有意申请的国内外学生必须具备绘教育广角2 0 1 0 年第10期安徽文学200画、雕刻、数码印刷或摄影专业的。
该校是英国提供这些领域三年进修课程唯一的艺术学院。
有数据表明目前该校仅有一名华人学生就读。
进入的难度可想而知。
这所学校所开设专业几乎涵盖了所有美术以及相关门类。
他们追求在于不同寻常地表现在它的艺术并置在一个特定的设计环境和设计在艺术环境。
艺术和设计的原则，是对知识的进步，他们的关注到工业和商业的具体流程并认为知识可以产生信念。
他们的学生通过分析和问题回答获得奖学金。
在学校里，他们不断试验和艺术品和设计创新例子，注重发展的基础项目的研究，鼓励跨学科学习，以促进了快速增长的研究实效。
以上是该学校的总体理念。
学校的师资要求也很高，绝大多数全职教师，在大学里首先是专业艺术家和设计师。
正是这种高要求，在他们学校，作为艺术和设计工作的专业人士认为，只有不断拥抱和不断发展的新思路，才能够将他们的学术工作向前推进。
学校每年提供各种讲座，研讨会，大师班，以及个别辅导。
他们包括前著名艺术家，设计师，来自在国际舞台的全国知识分子和商界人士会来到大学，因为他们喜欢分享他们的知识和经验。
他们认为学生会从中找到灵感，并受益匪浅。
这所学校正是采用这种高强度，同时也是高度自由的学习、教学模式。
使得他们学制成为世界上最短的。
六、我国美术高等教育的教学改革设想了解中外美术高等教育现状，旨在为我国美术高等教育改革提供一些参考意见，推进我国美术高等教育。
针对我国当前美术高等教学存在的问题，作者认为可以进行以下几方面的改革：1、文学修养的培养。
对于艺术史、文化史，尤其是中国艺术史、中国文化史的学习，应该引起足够的重视。
应该让学生对人类各种视觉艺术语言有一个全面的了解，不仅仅停留在“知晓”这个表面层次上，而是深入了解它的社会背景，分析它的艺术时代语言、造型特点，分析画家的思想，为什么要这样创作，懂得这些造型语言在表达现代人的精神感受上的潜在价值。
应该鼓励学生提高自己的综合知识修养，经常阅读文学作品和哲学著作，理解并欣赏音乐、舞蹈、戏剧等各种艺术。
2、关于绘画题材、内容，我们更应该关注画面所应达到的精神高度，人类艺术从诞生发展到现在，风格手法层出不穷，发生了巨大的变化，但根本的东西没变，那就是质朴、大方、纯正的品格，这种品格在不同的时代通过不同的形式得以体现，每一种形式都烙刻着深深的时代印迹。
无论是造型艺术还是非造型艺术，这是一个真理性的共性。
3、美术基础教育的过程应该是把视觉艺术史上的一切经验和创造全部介绍给学生，让学生看到造型艺术的多元性。
应试教育下的考试制度，使学生过早地甚至一味地陷入单一化、重复化的教学模式中，他们虽然具备一定的造型能力，但通常是闭门造车，形成一种人为的封闭环境。
写实造型训练依然是今日艺术院校美术基础教育的最主要内容，这种严格的规范性教学是必要的，通过写实的训练，培养学生把握控制造型语言的能力也是至关重要的。
我们不能厚古薄今，但也不能反之。
我们应该用更宽泛的眼光审视造型的基础教学，把注意力从准确地再现转移到现代造型语言的认识和掌握上去。
对于诸如素描、色彩、速写等，我们除了关注其本身的语言外，更应该注重其精神表达。
这些应该不只是是在大学低年级反复强化训练的东西。
基本功训练不仅仅是能够准确地再现物象，还应包括结构画面、结构色彩、经营材料的能力，这是当代美术工作者必备的基本能力。
比如，作为油画专业的学生，坦培拉技法、古典油画技法、直接画法等专业语言更是必须了解和掌握的。
自由开放的造型训练，使学生在技能训练中逐步摸索适合个人精神表达的语言手段，把学生潜在的艺术想象力诱发出来。
又如雕塑、建筑等，我们除了掌握最基本的手法、技巧外，应该鼓励学生走出去，学习国内外好的范本，去粗取精，而不是一味地走“样式主义”路线，同时也不是盲目的创新。
应该体现民族自身的文化底蕴和内涵。
正是所谓“越是民族的，越是世界的”。
总的说来，作为美术专业大学生应该掌握以下三种能力：(1)一般具象造型能力，这是指有价值的具象——真正能反映生活的，有价值的特性。
(2)对造型中的抽象规律的掌握，严谨、准确地抽出最基本的绘画语言规律。
(3)认识当艺术世界的能力，通过学习艺术史了解艺术家如何认识他所处时代的社会生活，又是怎样表现那个时代的生活的，并把这种规律运用到认识当代生活中去。
（4）积极主动地学习文化知识，将文化和艺术高度统一。
4、应把传统民间艺术列入必修课程并提高学生的动手能力，增强学生的劳动生产技能和。
5、加强教学实习基地建设。
使美术高等院校与各种艺术单位形成良好的互动关系，及时了解中社会的艺术需求，相应调整学习的教学思路和方向。
6、提升师资队伍自身的素质，只有老师有了深厚的文化积淀和熟练的美术技能，才能将其所学传道授业。
只是非常重要的一点。
参考文献：[1]邢莉.自觉与规范.中国人民大学出版社，2004.[2]李平.俄罗斯学院派素描技法.江西美术出版社，2008.[3]孙韬，叶南.涅瓦回望.人民美术出版社，2000.[4]常锐伦，唐斌.美术学科教育学.人民美术出版社，2007.[5]
神骏图 现代 徐悲鸿简介
我对美术的认识老师：“什么是美术
美术学了有什么好处啊
”这是我从事美术教育工作十多年来每新学期来第一堂课众多学生要问我的一个问题，不论小学生、初中生或者高中学生，他们开始都认为美术就是画画，而美术其他的就不知道了，下面就这个问题我谈谈我在这十几年教学中的一些肤浅认识和理解。
美术的范围非常广泛。
从大的方面说，它可以大体分成观赏性艺术和实用性艺术两种类型。
从观赏性艺术来讲，它主要包括绘画和雕塑两大类。
而绘画，由于它使用的物质材料和工具的不同，又可分成中国画、油画、水彩画、水粉画、版画、素描等画种。
雕塑也有圆雕和浮雕等多种形式，所用材料则有石、木、泥、石膏、青铜等。
实用性艺术同样包括两大类：工艺美术和建筑。
目前，国内外对工艺美术这个概念的理解虽有不同的看法，但按照通常的说法，工艺美术包括了传统手工艺品、现代工业美术和商业美术三大部分。
传统手工艺品如玉雕、象牙雕刻、漆器、金属工艺品等；现代工业美术（或称“工业设计”）包括一切为满足人民日益增长的物质生活和精神生活需要的适用而美观的生活用品，以及现代化的交通工具和机械的造型和色彩设计；现代商业美术主要是指商品标志、包装装潢和商业广告等。
建筑之所以也属于美术的范围，那是由建筑本身包含的技术科学和艺术的两重性所决定的。
任何一座建筑物总是以具有某种空间形体的物质结构矗立在大地上的，这就必然有一个造型是否美观的问题。
从这个意义上讲，建筑和雕塑一
根据自己的理解和体验谈谈艺术的审美特征
艺术审美是积极主动的取向活动或者说价值实现活动，是的事物象的观察、感知、联系、想象，乃至理解、判断等一系列思维活动，其内涵是领会事物或艺术品的美。
美术大致分为：国画，油画，版画，雕塑，壁画，艺术设计。
国画分为：写意山水，写意花鸟，写意人物，工笔花鸟，工笔人物。
油画分为：传统油画或古典油画，现代油画。
版画分为：木版画，铜版画，摄影，丝网印刷。
雕塑分为：写实雕塑，抽象雕塑。
壁画分为：工艺壁画，传统壁画。
艺术设计分为：环境艺术设计，平面艺术设计，展示艺术设计，装潢艺术设计等 美术，“美术”这个专门名词，在中国的“五·四”新文化运动中开始被文艺家和教育家普遍运用。
它源于古罗马的拉丁文“art”，原义是指相对于“自然造化”的“人工技艺”，泛指各种用手工制作的艺术品以及文学、戏剧、音乐等，广义的还包括拳术、魔术、医学等。
中国古代所谓“百工技艺”，也是包括同样广泛的范围。
在古代，无论东方或西方，都只有“工艺”、“手艺”这样的概念。
在中国古籍中只有“绘缋之事”、“刻削之道”、“刻镂之术”、“锦绣文采”等工艺术语的运用，却未见类似“美术”这样的专门名词，这是因为人类的美感意识，是首先从满足生存需求的工艺品萌生的。
在欧洲，“艺术”和“美术”这两个概念，直到文艺复兴之际才确立并被公认。
那时人们开始意识到创造纯粹精神领域的产物，更足以使人激昂精神、开阔胸怀，达到互相同情、增强意志、建立信念的目的。
这类思想意识的活动，是人文主义发展的一种重要表现，是人的主体意识的发扬，它涉及到艺术的不同领域和形态，这就是我们现在已经大规模扩展开来的文学、艺术各门类，其中包括美术。
这种精神产品，从物质中提升，和物质相辅而行，成为全面滋养人们心灵所不可缺少的营养。
人类依靠它陶冶情怀，并协同各门类的科学认识世界，普及教育，开拓文明。
它起着组织和协调社会成员的意志和行为的作用。
文明的发展是和艺术创造分不开的，艺术是精神文明的重要而鲜明的标志之一。
在欧美拉丁语系国家，“art”既作“艺术”解，又作“美术”解。
蔡元培早期运用“美术”这个术语时，也包括诗歌和音乐。
其后，中国的文艺界、教育界把“美术”和“艺术”的概念逐渐区分开来。
“艺术”是一切艺术门类的总称，它是用不同的形象化手段来反映自然和表达社会意识的一门大学科，广义上包罗文学、音乐等，也包括建筑和园林等。
综合性艺术有戏剧、电影、曲艺、杂技等，它们不同程度地利用美术，有的和美术密切结合。
“美术”作为“艺术”的一个门类，必然与姊妹艺术有共性，但它的艺术形态具有鲜明的特征。
它和姊妹艺术结合时，极大地丰富了艺术表现力，在一定的社会发展条件下，美术甚至可以和科技相结合，派生出艺术新品种。
人类在创造精神产品时，自然地分门别类，建立起文学艺术的各个分支，使之朝着专门化的方向前进，形成了各种艺术门类的独特性能。
它们在许多场合虽分犹连，有时则分而复合。
每一次的结合和交融（如动画电影、音乐喷泉），便产生艺术的新意向、新品种和相应的艺术感染力。
艺术的分化和复合都是一种发展，在发展中开拓了对艺术的认识，更新了艺术的观念。
其所以有分有合，分而不悖，合而能容，是因为各种艺术品类都受共同的美学原则的支配，有共通的规律可循。
此外，如果从审美和美育的角度谈“美”的问题，“美”这个字眼在汉语中的含义非常广泛，不但概括着整个文艺范畴，而且还介入伦理、哲学等领域。
美术的形态和特性 古今中外的美术品类丰富多彩，形态各异，千变万化。
现代美术因受科技和工业生产的影响，新思潮不断涌现，前所未见的新样式、新品种层出不穷。
美术要求发展个性，发展的总趋势是走向多元化，所以对它的共同特征难于作条理明晰的概述。
世界上的美术品类，按物质材料和制作方法来区分，大体上可分为绘画、雕塑、工艺美术、建筑艺术等几个大门类。
绘画的品种又可分为中国画、油画、版画、水彩画、 水粉画、粉笔画、 丙烯画以及多种塑料和化学颜料的画种。
版画品种又可分为木版、麻胶版、金属版(铜或铅)、石版、网版等。
木刻的印刷材料有油墨、油画颜料套色和水色套印之分。
金属版有腐蚀、干刻之分。
油画有有光术、无光术之分。
欧洲最古老的蛋彩画和中国古老的矿物质颜料，至今保持着色泽历久不变和技法运用上得心应手的优点。
油画和版画在20世纪已成为世界性画种，从表现形态来看，在许多文明国家中，版画已显现出民族和地区的特点。
现代油画和雕塑的开拓创新，步子最快，形态变化最大。
绘画按样式可分为壁画（按物质材料又可分为湿壁画、描金沥粉、磨石嵌、有色水泥及木材、玻璃、金属板的拼镶等。
无光油画、丙烯以及其他塑料颜料也被普遍运用）、细密画、磨漆画、漆画、年画（运用木刻水印、水粉、水彩等方法)、连环画、 宣传画、漫画（卡通）、插图等。
中国画又可按艺术技巧分为工笔重彩和水墨写意两大系统；按题材样式又可分为人物画、 山水画、 花卉、草虫、翎毛（禽鸟走兽）、鳞介（鱼贝类）等画科。
日本的绘画受其影响很深。
书法和篆刻一向是中国画的姊妹艺术而自成系统，也在日本广为流传。
书法艺术在当代被认为是一种抽象艺术。
雕塑的品种可分为石材雕塑（大理石、花岗石等），金属雕塑（包括铸铜、不锈钢、铅、镍、铝等），玻璃钢及塑料、白水泥等雕塑。
按体裁、形制又可分为圆雕、浮雕（有高、低之分）、纪念碑雕塑、人物雕塑、动物雕塑、装饰雕塑、民间彩塑等。
现在有直接从人体翻制后再作加工的等身大的彩塑，有利用电和光效应原理产生颤动美感的“效应雕塑”，这两种雕塑可说是写实形态和抽象形态的两个极端。
工艺美术(又称实用美术)的品种最为丰富多彩，大的分类有金工、木工、漆工、陶瓷、彩塑、玉雕、牙雕、景泰蓝、珐琅、料器、染织、刺绣、编织等。
各国各地区的特种工艺，大多数源于民间手工艺，它有雅俗共赏的特点，与人民群众有密切联系。
设计的门类有书籍装帧、广告、 商品包装、服装、家具、工业产品设计、室内装璜、环境美术（庭院、园林及建筑群体美术）等。
设计也包括图案、字体及利用摄影与电子计算机进行设计的科技性美术。
就美术创造的形象化手段来说，造型性是重要的形态特征之一。
所以又称为造型艺术。
如绘画通过描画彩绘的手段，雕塑通过塑造、刻镂的手段，建筑艺术通过间架营造的手段，工艺美术通过镂、蚀、切、削的手段等。
造型的含义很广，有立体造型，也有平面造型；有色彩造型，也有黑白造型。
造型这个概念是不断变化、发展的，在现代观念中，既有具象形式的造型美，也有抽象形式的造型美。
大体上，西方的美术，其发展的轨迹以形体块面的造型为主，线的运用是附属于形体块面的；而中国的美术，线描造型却占着重要的地位，形体是通过线描来体现的。
所以西方常用“塑造”这个术语来描述绘画性造型，而且推崇在绘画中体现雕塑性。
中国的美术正相反，线的描绘统率着造型，即使在雕塑艺术中，线的作用也占主导的地位；形体块面在中国雕塑上表现得概括浑成，它通过线条的刻画而完成造型的任务。
美术又称空间艺术。
西方的美术传统，基本上按物理学的观念，把长度、高度和深度称作“三维空间”。
存在于现实空间的有纵深感的三维美，是雕塑和建筑之类立体造型形象产生生命和力度感的重要依据。
在平面上表现三维美，是再现性具象绘画的真实感所不可缺少的重要依据之一。
空间艺术，通常被认为是一种不可能或不长于表现时间性的、凭借视觉来创作和感受的艺术。
它的特点是长于具体描绘，塑造和刻画生活中或想像中的事物或情景，有明显的再现性和描摹性，它不随时光的流逝而消失，除非受到外力的破坏和本身的朽蚀，可长期存在于世上。
空间艺术在创作上也有弱点，特别对情节性绘画和雕塑造成了局限，例如独幅画只能表现一个瞬间的形象，这就难于从纵向展开事物和情节的发展。
然而，正因有此局限，绘画创作便朝着形象的深层开掘，追求造型的凝练和运动感的凝聚，从而形成了绘画所独具的魅力。
绘画和雕塑的构图，常选择人物动作过程中某一生发性的瞬间，以加强力度感，并在欣赏心理上，造成动作起迄的越进效应，如画射箭引而不发，使空间艺术产生时间感觉，中西绘画和雕塑中都有这样的例子。
凝练的人物形象之醇厚和深刻，决不是瞬间印象所能摄取的；空间艺术形象的凝练和凝聚也意味着时间的浓缩。
在中国的传统美术理论中，对空间观念有不同的阐说，宋代郭熙所说的“山有三远：自山下而仰山巅，谓之高远;自山前而窥山后，谓之深远;自近山而望远山，谓之平远。
”这不单是单纯的物理空间观，而是置身天地间的诗意般的空间概念，也就是有回旋余地的“神游”意境。
中国画论倡导时空的统一观，它以有限的画面，表达无限的空间意象；相应地又以散点透视法代替焦点透视法（虽然南朝宋人宗炳早在公元 5世纪已经发现了物理透视原理），这是在中国文化背景中形成的视觉心理空间，即所谓“心视”。
这种审美观在19世纪末受到西方的重视，提出在美术上打破时空界限，以拓展表现功能。
美术又称为视觉艺术，这是从审美主体与对象之间的感知媒介主要是视觉来说的。
造型艺术被人们感知的时候，一般通过视觉渠道（除了一些工艺品可通过手的摩挲，用触觉加强审美体验外）。
视觉艺术这个界定，涵盖面很广，凡是主要通过视觉媒介完成欣赏的一切可视的艺术门类、样式、形式或符号，都可包涵在内。
至于可视的综合性艺术如戏剧、舞蹈和通过视觉阅读的文学作品等，自然不在此列，因为它们的被感知，还要而且主要是通过行为和动作（表演）、语言和文字以及其他各种感觉渠道。
美术还被区分为纯美术和工艺美术两大系统。
所谓纯美术（fine art），是指纯粹精神性、欣赏性的绘画、雕刻、音乐等，有时也包括诗歌。
蔡元培曾把它称为文艺美术，指明其中凝结着社会文化意识和审美意识，以区别于实用功能与审美意识相结合的工艺美术。
文艺美术的提法比纯美术妥贴，因为“纯”的意义不太明白，如果是指纯属欣赏性的美术，那么工艺美术中也是有的，而所谓“纯美术”中，也并不都是纯属欣赏性的。
然而，纯美术这个词汇已经用惯，虽然它和外文的原意并不符合。
设计（design）是20世纪中叶兴起的一门美术学科，虽然它并不是新名词，而且早已被运用在建筑艺术和工艺美术上。
在建筑和工业设计中，决定大局的是形体块面的空间设计，其次是局部性的门窗、墙面、各项部件的装璜等设计。
在工艺美术中，有形体、纹样等设计。
绘画作品的构图，实际上是整体结构设计；在一定形式的图像中，都有线、形、色、块等平面设计；在雕塑中，最重要的是形的空间设计。
现代的设计，首先在商品包装、家具、室内装璜等方面发展起来，然后从轻工业产品扩展到重工业产品，如汽车、轮船和飞机等造型设计。
许多工业产品的设计是和科学技术密切结合在一起的。
设计现已渗入到整个美术领域，成为一项重要的造型学科，设计思想和设计技术极大地影响着美术品的艺术魅力。
设计是一种研究用点、线、面、体、光、 色、 质、材及一切造型因素构成种种美好形象和感觉，并把它运用到各种美术创作上去的学科。
简言之，设计是研究造型构成的学问，其中主要的对象是研究视觉空间，通过空间设计，传达视觉艺术的效应。
平面构成、立体构成、室内空间构成、环境空间构成等专业，都是从空间设计的角度来探索美术造型问题的。
设计的发展，已经介入纯艺术领域，在近现代的绘画和雕塑中，产生了很大的影响。
广义地说，中国画的笔墨、油画的质感和肌理、雕塑和工艺的材料美，都属设计(抽象造型形式)范畴。
在有些科技先进国家，已把美术学院改称“美术设计学院”。
“具象美术”和“抽象美术”是20世纪初形成的新名词，虽然这两种形态的美术，自古以来一直存在着，但是只是在现代，抽象美术才得到了大发展。
具象泛指表现具体的物象。
古今中外的写实主义的美术，都依靠具体可视的形态，通过事物的现象和外部形式，反映事物的本质和内在联系。
它基于具象观念，主要运用形象思维的方法，通过对生活中的创作素材进行提炼、概括、集中、夸张等手段，达到典型化审美目的。
“抽象”这个词，可以从两个方面去理解。
其一，艺术家运用提炼、概括等手段，把生活中的形象进行艺术加工，从而创造艺术形象。
这个过程称为艺术抽象，表达着艺术家对客观事物本质的感受。
从生活形态到美术形态，无不需要始终贯串这种抽象的形象思维活动。
在这里，抽象是“艺术的抽象”。
具象和抽象并不相互矛盾，而是统一在艺术形象中的。
P.毕加索对“牛”的一系列形象探索，展示了艺术抽象(从具象、半抽象到抽象)的多种变体，从这里又可以看到从“艺术的抽象”走向“抽象的艺术”的某种轨迹。
中国现代雕塑家杨冬白创作的《饮水的熊》就是一件较好地寓具象于抽象的作品。
这是一种半抽象的美术，作者巧妙地运用了“艺术的抽象”手段，同时又很好地表达了“抽象艺术”的意向。
其二，认为抽象和具象是两个相反的意象，抽象是纯意识、纯形式的东西，但是也不绝对排斥与具象相融合，形成形式夸张的、在抽象中隐现出具象性的或者半抽象的美术。
世界上各种派别的抽象主义美术家，对“抽象”的含义抱有各自不同的观念。
