学习奥尔夫音乐教学法心得体会
学习奥尔夫音乐教学法心得体会——平罗二幼曹新芳早就听说了“奥尔夫音乐”，可对它却很陌生，这一次，我有幸参加了首届石嘴山市幼儿教师奥尔夫音乐教学法的培训，有机会与幼教的姐妹们一起学习、感受“奥尔夫音乐”。
虽然，培训的时间很短暂，但形式多样，有理论学习、有教学观摩、有亲身体验，使我对“奥尔夫音乐”有了新的认识、新的感悟。
通过这次培训使我简单了解了奥尔夫音乐教育的内涵与方法，但是一种好的教学理念要真正在孩子们身上体现那就需要我们长期不断地探索与实践，因此这次学习不但给了我科学、先进的理念，也给了我无形的压力，因为在今后的教学中要把这种好的东西给孩子们，这需要更大精力去付出，是一个在不断的摸索中前进的过程。
在学习过程中我认识到奥尔夫音乐的教学方法是非常贴近幼儿的，它与传统的注入式教学不同，是一种大众式、体艺式的教训方法，集舞、音、美、语于一体用音乐这一主线来贯穿，孩子们通过肢体动作的模仿和创造来想象音乐，表现音乐，即兴创作是该教学的核心和精髓。
音乐、语言和舞蹈是人类最原本的表达。
每一个人，包括幼儿、少年、成人的身上都存在着艺术地表达自我的能力和愿望。
奥尔夫音乐强调互动教学活动，通过亲身感受、体验，去领悟、感悟奥尔夫音乐，体验奥尔夫教学带来的无穷乐趣。
培训中，郝谢妮老师带领着我们一起做互动练习，通过语言的节奏练习、分声部朗诵，到乐器演奏、乐器的分声部演奏，由易到难，逐层递进，活动气氛活跃，
结合奥尔夫教学法，谈谈自己在教学中怎样去实践的
育本质和目的的认识，有着根本的不同。
奥尔夫认为：表达思想和情绪，是人类的本能欲望，并通过语言、歌唱（含乐器演奏）、舞蹈等形式自然地流露，自古如此。
这是人原本固有的能力。
音乐教育的首要任务，就是不断地启发和提升这种本能的表现力，而表现得好不好则不是追求的最终目标。
而我们传统的音乐教育认识却不是这样，我们的课程一直是把通过学习歌唱和乐理以及相关的音乐技巧和能力作为美育的手段和目标，目光集中在如何学得好上。
其实，学生在音乐学习中，本能的唱、奏、舞蹈并不是很难的，甚至可以表现出一定的水平。
因为出于本能的唱、奏、舞蹈是符合人的天性的，在这样的过程中，学生没有担心“学不会”而挨训或丢面子的精神负担，因而都会得到各种不同程度的满足感。
这种自然流露的形式还有助于促进学生即兴发挥的创造力的萌发。
由于这种创造力的萌发和得到激励，所以造就了学生学习各种音乐技巧和能力的最佳状态，教师在这样的教学过程中，必然成了学生学习的引导者、诱导者和参与者。
愉悦身心、学习艺 术，二者相得益彰。
这正是奥尔夫教学法的重要特点之一。
我国音乐教育原先的模式是单纯地教唱歌 —— 教材也 主要是以一首一首的歌曲出现的，后来有了少量变化，少数学校也学一点器乐技巧。
学生主要是模仿着现成的音乐艺术作品，很被动。
教师呢，也是认真地追求着“出成果”，严厉地对待学生，学生自然会感到一股莫名的压力。
由于在音乐方面人的先天素质客观上有着很大差异，就我国原有的课程要求来说，总会有一部分学生离教学要求甚远，于是他们自然对音乐“敬而远之”，教师也束手无策。
对此，奥尔夫的教学理念和体系应该能使我们从中得到很多启示。
奥尔夫教学法的奥尔夫教学法
奥尔夫音乐教育体系的形成和发展,已有六十余年的历史,早在二十年代,奥尔夫已痛感传统音乐教学的弊病,致力于从根本上改革。
1924年起,他与友人舞蹈家军特在慕尼黑创建了一所“军特体操-音乐-舞蹈学校”,使音乐与动作紧密结合在一起去教与学。
第二次世界大战后,奥尔夫更把重点对象转为儿童,通过广播、电视播放儿童音乐教学实况,引起了巨大的反响。
19 6 3年在奥地利萨尔茨堡建立了“奥尔夫学院”,作为世界性的奥尔夫音乐教育国际中心。
它每年为来自五大洲各国的几百名学员传授奥尔夫音乐教育体系,从而使他在世界范围内得到日益广泛的推广。
奥尔夫音乐教育体系的内容丰富,教法生动活泼,深受学生的喜爱,不仅是孩子,连成人也会情趣盎然。
而在教学方法上,其手段、教法更丰富多彩,且永远在发展中,任何一个教法,一个教案都只是一种范例,一种模式仅供参考,万不可硬套。
一、奥尔夫教学法最突出的特点 （一）创造性是灵魂。
心理学研究表明,人的创造性思维是从小发展起来的,奥尔夫教学法正是抓住了这大好时机使一个人从小养成创新的思维习惯,并使创造性能力逐渐得到发展,这对人的一生将起到很大的作用。
同时,原本性——是奥尔夫音乐教育的核心思想,也是这个体系的突出特点。
原本性音乐学习注重人对音乐的最基本的感受,通过人们的自身参与,自发地自然地获得。
人人都可以在轻松愉快的情绪中学习和掌握原本性音乐。
（二）实践活动贯穿教学始终。
奥尔夫教学法认为每节课不用太多的讲述,教师主要引导学生去做,接下来就是实践排练与即兴创作,让学生感到每一节课都在“玩”,在置身于“玩”的过程中去感知音乐的内涵,在“玩”中增强合作意识和在群体中的协调能力。
多年来,音乐教育一直在研究如何激发学生的学习兴趣,在这里有了明确的答案,那就是参与实践活动,把教师怎样讲变成让学生怎样做。
让整节课都在实践中进行，注重孩子在课堂中的感受。
（三）综合性与音乐文化是奥尔夫教学的又一教学特色。
课例的内容和形式是十分丰富的,集演唱、演奏、舞蹈、朗诵、表演于一体,所有的内容又紧紧与音乐文化相联系,处处体现着人文精神,全面提高我们的音乐修养。
奥尔夫认为,在每一节课例后要引导大家去做总结,要求每人都要发表个人的看法。
这时大家将把自己的切身体验提高到的科学理论上认识,并很自信的、大胆的发表自己的见解,不但提高了个人归纳总结的能力,还锻炼了语言表达能力。
二、奥尔夫教学法给我的启示 奥尔夫先生非常重视挖掘和培养每一个孩子的创造力。
奥尔夫说过:“让孩子自己去找,自己去创造音乐,是最重要的。
”他认为每一个孩子都有创造力。
老师从来不讥笑孩子们的创作,而是保护他们的勇气,鼓励他们再创作,在奥尔夫的世界里没有错的，只鼓励孩子勇敢尝试。
这样才能学得主动,发挥想象力和独创性。
奥尔夫一直强调,进行儿童音乐教育,应当从“元素性的”音乐教育着手。
在奥尔夫之前的音乐理论家、教育家,已采用过“元素性”这个名词。
奥尔夫重新采用,并赋予了新的含义。
他说“元素性的音乐决不是单独的音乐,它是和动作、舞蹈、语言紧密结合一起的;他是一种人们必需自己参与的音乐。
所以应当强调指出:在小学里安排元素性的音乐,不是一项外加物,而是一项基本的、奠基性的项目。
或许我们可以这样来概括奥尔夫音乐教育的基本思想原则:1.以自然的本性为出发点;2.发挥即兴性、幻想性和创造性;3.必须自己动手（脚）去唱、奏、演、跳;4.也要求学生自己设计音乐（包括伴奏、合奏的安排和创作）;5.以节奏为基础;6.重视体感（结合动作）;7.强调兴趣。
在教学中具体地贯彻这些原则,即:应用怎样的方式方法和怎样的教材、步骤进行,那还有待于大量的科学实验和实践经验的积累,以及从这个过程中产生大量的、经过实践考验的教材。
在这些方面,奥尔夫和他的合作者凯特曼,以及奥尔夫学说的教师们和各国出色的奥尔夫音乐教师们,均已取得了卓著的成果,值得我们广泛、深人地学习、参考和应用。
三、适当拓宽、兼顾加深 讲评试卷时,如仅仅就题论题,平铺直叙是远远不够的。
只有适当拓宽加深才能有效地激发学生的求知欲望和学习兴趣,才能使学有余力的尖子生“吃得饱”。
考试大都是对某一阶段所学内容的检查和考核,老师在讲评时不应只局限于已学内容,否则有“烫剩饭”之嫌。
当然,拓宽加深不能面面具到,应根据学生对所学知识掌握情况和答题情况进行拓宽和加深。
四、方法灵活、激发兴趣 由于试题形式多样,讲解方法也应因题型不同而灵活多变。
这可以使原本枯燥无味的讲评变得趣味横生,从而达到预期的效果。
我们平时运用的讲解法、对话法、讨论法、问答法、板演法等等，都有优点也有缺点，我们必须结合实际情况灵活运用教学方法，激发学生的兴趣。
五、善于总结、不断提高 一套试题评讲结束后,学生往往都把试卷放到一边再也不管了,有的甚干脆扔掉了。
其实工作并没有结束。
老师应引导学生进行总结归纳。
通过这次考试,我有何得失,通过讲评,我又有何启发,讲评完之后应让学生回过头来把整张试卷浏览一遍,有些问题和知识点也需要反思。
如能把错题、好题集中起来,作个记录,做成错题集,不断积累,这将对避免重复犯错,提高考试成绩将大有益处。
正如这样，我们学习奥尔夫的教学方法也要善于总结，并结合实际,在课堂教学中,我认为要注重培养学生自己参于音乐,创造音乐的能力,提高学生学习音乐的兴趣。
虽然我接触奥尔夫音乐教育体系的时间不长,但我已深深地认识到了自己作为一名音乐教员的职责的重要性。
以往上音乐课,总是按照大纲该教什么教什么。
课上要求课堂纪律要好,不允许学生乱说乱动,这样就限制了他们的自由发挥,失去了奥尔夫所提到的音乐教育的原本性和即兴性。
奥尔夫教学法全面具体的体现着音乐素质教育的精神,我边学习边实践,直接把一些课例或改编一些课例甚至重新编写课例运用到课堂教学中。
综上所述,奥尔夫音乐体系的确给我们带来了一种新鲜的气息。
做为一名教育工作者,深感教育是未来世界的希望,应更加努力学习,提高自身的文化素质和修养。
把提高下一代的整体素质,作为教育者的坚定不移的追求
奥尔夫教学中培养节奏感的方法有哪些
（一）游戏化方式。
事实证明孩子在幼儿期最感兴趣的活动就是游戏，所以把培养幼儿的节奏感融入到游戏当中来势必会激发幼儿的兴趣，效果自然要更好一些。
主要做法就是普通的节奏谱可以加上有趣的情节和动作，这样可以更好的吸引孩子们的兴趣。
例如：单纯用枯燥的视谱演奏方法来练习的话，其效果肯定不会太好；如果我们加上母鸡下蛋的声音（咯咯哒咯咯哒）来形象的比喻，相信孩子们掌握起来就会很容易。
生活中这样的例子很多，如果留心的话，那么我们就会把节奏课变成有趣的游戏课，孩子们的兴趣一定会很大。
（二）注重音乐性。
进行节奏感培养时要具有音乐性，绝不能只让幼儿机械的打拍子，要引导幼儿感受节奏的美，最突出的例子就是拍子的强弱弱规律，能让幼儿充分的感受拍子起伏的特点，让幼儿获得审美的体验。
（三）动作节奏训练。
主要是通过身体的动作，来感受音乐的节奏。
动作在幼儿的认识活动中，有着重要的作用。
音乐主要靠声音的高低、快慢、强弱等表现手段来表达。
要使幼儿感受这些表现手段所表达的内容，单靠听觉是难以完成的，因此，在培养幼儿的节奏感时，需要有动作的参与，以加深对音乐的体验和感受，尽快让幼儿的运动神经感受和身体动作达到协调。
在律动中运用人体打击乐的方法培养幼儿的节奏感。
律动是音乐的灵魂，是节奏最好的表现方式，幼儿可通过律动感应节奏的快慢及长短。
例如斗牛运动，它是人与公牛之间的一场较量，音乐《西班牙斗牛士》真实地描写了勇士们的激情斗牛。
虽然斗牛舞能很好的表现这段音乐，但这种舞蹈较难不适合孩子，所以我们可以通过斗牛游戏来表现音乐，让孩子分别扮演斗牛士和公牛，伴着音乐节奏做出不同的肢体动作：斗牛士们举着鲜艳的红布雄赳赳气昂昂的出场了，一会向左走一会向右走显示着自己的威风。
突然，公牛们奔了出来，勇士们甩动红布引诱着，牛儿们看见红布特别的兴奋，低着头向他们冲过去，勇士们灵巧的躲过了，最后举起长剑对准公牛一下戳过去，公牛立刻倒下；勇士们又挥舞红布向观众示意自己的胜利，最后拖着牛儿下场。
这段表演由于采用游戏的形式，所以幼儿们演的非常投入，对培养幼儿的音乐节奏感起到了事半功倍的作用。
在歌曲中运用人体打击乐的方法培养幼儿的节奏感。
在《peepee poopoo》中，讲述的是一只云妖生气之后乱吃东西，结果拉肚子了的一个故事。
于是歌曲中非常自然的引出：“肚子不舒服”、“厕所在哪里”等歌词，而之后的情境表演，也细致到要蹲进马桶、冲水……虽然是一些简单的模拟，但都是孩子生活经验的回忆和再现，非常的生动有趣。
从教师第一次呈现儿歌歌词到活动结束，重复的遍数是十分惊人的，一般都在二十次以上，这是一般的活动不敢尝试的。
而儿歌的重复同样可以用多种形式开展；教师示范，幼儿节奏——幼儿儿歌——变换动作——道具运用，整个过程又体现了层层深入的原则。
此外该活动的内容选择上，有一定的突破。
一般的课堂教学都会避免“大便”等内容，觉得“不雅”，然而正是这样的材料是幼儿十分喜爱，觉得有趣的。
孩子们十分愿意一遍一遍的重复模范，也非常的快乐，在开心愉悦的过程中，对于节奏的把握又进一步得到提升。
在音乐游戏中运用肢体演奏的方法培养幼儿的节奏感。
“游戏是儿童的伴侣”，因此我们在让幼儿熟悉感受音乐的同时，可通过游戏的方式调动其积极性及其对节奏的掌握。
幼儿需要游戏，同时游戏也是幼儿最喜欢的一种学习形式，它给幼儿带来快乐和满足，在音乐教学中，要注重通过游戏培养幼儿的节奏感。
游戏性在于：有趣、形式多样。
节奏是可以通过拍手、拍腿、拍屁股的，还可以交叉拍、换手拍等。
例如，我班在“精灵国王的生日礼物”的表演活动中表演“变变变”环节时，在音乐游戏中让幼儿手拿星星仙女棒当魔法棒，在空中根据音乐音乐画出“短短长-------”的节奏线条，通过上述肢体动作可训练幼儿感知节奏的长短。
刚开始时，孩子们都显得很兴奋，每个小朋友都在兴奋的挥舞着“魔法棒”，根本没有把注意力放在根据音乐的变化去画节奏线条，有的在音乐的开始部分还控制不住的大喊着玩魔法棒，于是我灵机一动让每个孩子都坐在软垫上，让孩子运用魔法棒在每段的开始音乐部分就只能在地上涂点，并要求幼儿边玩边说“让我们先来画出短泡泡糖、长泡泡糖，看谁画的泡泡糖最好看”，幼儿感知音乐“短短长------”时，孩子有的懂得学别人举起在空中画出“短短长---”的线条边画边唱着“变、变、变------”。
这时有的孩子说“我泡泡糖最漂亮”，于是大家发言说一说自己想在地上画出什么泡泡糖，许多孩子专心的跟着音乐愉快地画起来泡泡糖，有的幼儿在空中画出音乐中的“短短长-------”活动中增强了幼儿的音乐节奏能力。
求一篇柯达伊或者奥尔夫教学视频观后感，最好是小教的~
柯达伊与达尔克罗兹、奥尔夫音乐教育的比较 与达尔克罗兹音乐教育的比较 著名的瑞士作曲家、音乐教育家爱弥儿·雅克·达尔克罗兹（Emile Jaques-Dalcroze）创立了本世纪最早的音乐教育体系。
这个已有将近上百年历史的音乐教育体系对20世纪后来相继出现、形成的各种音乐教育改革的思想、体系都具有深远影响。
达尔克罗兹方法能教给孩子们理解复杂的韵律。
听到音乐时，孩子们会随着节奏起舞。
通过统一调动其视觉、听觉、感觉，并随音乐而动，孩子们会得到完整的音乐体验，同时孩子们还需要集中注意力和记忆力。
达尔克罗兹的教育原则也构成了柯达伊教学法、奥尔夫教学法的基础。
首调唱名法与听觉训练 传统的达尔克罗兹教育体系在视唱练耳教学中采用固定唱名法、强调培养绝对音感。
现在这种教育目标与内容已经发生了很大变化。
今天不但在美国，就是在欧洲的许多国家，特别是对于学校音乐教育，也已经广泛使用首调唱名体系。
概括地讲，首调唱名法把无论在什么高度上建立的大调统统归结为从do开始，小调则是从la。
我国普遍采用的“简谱”实际属于这种唱名体系。
首调唱名法与调式音级相统一、与调式运动相适应，它使调式中的音级相对“固定”，会使学习者形成一种典型、稳定的心理反应，使音乐成为容易理解的语言，有利于促进儿童音乐思维的形成。
首调唱名体系作为适应民族民间音乐有调性、调式的传统，适应儿童的歌唱、音乐活动实践，在发展听觉、发展音乐思维、进行即兴的音乐活动、学习识谱等等方面都有重要的作用。
现代的达尔克罗兹体系的教学活动中吸收了柯达伊体系的一些方法，例如采用了五声音调歌曲的学习、手势的使用、音级学习的先后进入顺序等，目的是为了更符合儿童的心理、生理发展特点，而不再长时间停留在C大调音阶上追求绝对音高的巩固。
这也说明当代几个重要的音乐教育体系之间互为吸收借鉴是普遍存在的现象。
柯达伊与达尔克罗兹都认为不应该让儿童跟着钢琴学习歌唱。
使钢琴成为儿童歌唱学习离不开的拐杖，不利于听觉能力的发展，并且都强调稳定拍感的培养。
当然，这需要对儿童进行认真培养，当儿童能够唱准音调、又有稳定的节拍律动感时，可以说他具有了基本的音乐能力，这是音乐能力进一步发展的必要基础。
有特色的综合性教学活动的发展 达尔克罗兹的音乐教育特色就是体态律动教学，体态律动的教学活动现在更趋向于综合化。
在教学内容和理论上通常分别阐述的视唱练耳、体态律动和即兴创作等，在教学实践中则往往是综合的、紧密联系的、互为影响和作用的。
柯达伊音乐教育的特色就是歌唱教学，但并不拘泥于歌唱这一种单一的形式。
而是将歌唱、动作、游戏、表演、即兴创作等形式相结合，给儿童的创造获得全面、丰富、综合的审美体验和表现表达的机会。
两者在保有各自特色的同时都向综合性教学发展。
即兴创作教学活动的发展 两者都强调即兴活动在创造性音乐教育活动中的重要性。
即兴活动是即时作出音乐表现、音乐判断的创造性音乐行为。
在即兴创作或表演中，不仅需要具有一定的音乐表现力，还需要有丰富的想象力、灵敏的反应能力和流畅的音乐思维。
要对同时出现的音高、节奏、音色、力度等问题给以权衡和处理，其中最重要的是听觉判断、灵敏性和创造性。
这项学习内容体现了音乐学习的本质，也体现了音乐教育对人类最高层次的能力——创造性能力培养的作用。
今天的即兴创作已不仅仅是在钢琴上的即兴作曲，它已经成为利用各种教学手段、伴随音乐学习的各个环节、整个过程，培养想象力、创造性的教学实践活动。
即兴的音乐活动可以始自儿童音乐学习的第一天。
活动中，教师要善于启发、诱导，使儿童进入状态、引发兴趣，最终使他们能够出于自发、自然的情绪创造出自己的想象、表现，这是即兴音乐活动的目的。
从教学实践中可以看出，即兴的音乐活动在儿童音乐潜能开发训练中具有无限广阔的发展前景。
与奥尔夫音乐教育的比较 奥尔夫音乐教育体系由德国作曲家卡尔?奥尔夫（Carl Orff，1895-1982）创建。
奥尔夫音乐教育倡导元素性的音乐思想。
他认为元素性的音乐决不只是单独的音乐，而是一种融合音乐、舞蹈、语言为一体的整体的艺术。
通过这些整体的艺术活动，加上鼓、木棰、木块以及钟等节奏感强的乐器，孩子们学会了音乐结构，以及如何保持同一个节拍。
这种方式是团队体验，孩子们通过歌唱、游戏、合韵脚、跳舞等活动学会了参与团队工作。
音乐教育的根本目标 在这一点上，柯达伊与奥尔夫都是惊人的一致，都是为了人的全面发展，为了社会的进步。
奥尔夫认为，在音乐教育中，音乐只是手段，教育人、培养人才是目的。
音乐是人类思想情感的自然本性的表达，人人都有潜在的音乐本能，因此，音乐教育应该面向全体人。
原本性是奥尔夫音乐教育的核心思想。
柯达伊追求的目标是“让音乐属于每个人”。
这个教育目标的提出是基于他对音乐与人的全面发展关系的理解。
他认为音乐和人的生命本体有着密切的关系，人的生命中不能没有音乐，没有音乐就没有完满的人生。
音乐教育在学校的重要性，甚至超过音乐本身，培养音乐的听众就是在培养一个社会。
二者所处的国家不同、民族不同，因此所提出的内容与侧重点有所不同，但是在音乐教育的根本目标上，都站在了人类学与社会学的高度，道出了音乐教育的本质。
这也是每一个音乐教育者需要坚定不移地坚持的方向。
关于创造性能力的培养 柯达伊认为，创造能力实际是人与生俱来的一种潜能，只要有适合的环境和方法，就能够开掘这种能力。
他强调只有建立在民族民间音乐的基础上创作出来的作品才具有世界性的魅力。
柯达伊体系的教学实践对于创造力的培养主要抓住了两个环节：民族音乐音调的感性积累和对音乐结构的初步感知与实践应用。
并且在实践中让孩子为他们熟悉的歌谣即兴地编配曲调歌唱。
奥尔夫体系中最突出、最重要一项就是即兴的原则。
奥尔夫认为即兴是最古老、最自然的音乐表现形式，是情感表露的最直接的形式。
奥尔夫的教学活动通过儿童的积极参与和唱奏实践，以即兴活动形式发展儿童的音乐体验、尝试创造音乐的能力。
两者所采用的方式不尽相同，但都强调了音乐教育所应重视的是创造过程对人的影响和审美经验给人带来的感受、体验。
这正是和专业音乐教育的区别。
在音乐创造性活动中没有对错，而是能够使他们体验到发现、探索的乐趣，成功的喜悦，表达了自己的独创、个性，丰富了自己的经验。
在采用创造性活动的研究中我么也发现，凡是能够自由地表达、表现自己，情感得到充分宣泄的儿童，他们容易解脱心理的紧张压力，获得情感的自由和对环境的适应能力。
而这会给他们带来终生的快乐、自信和成功。
这也是柯达伊与奥尔夫的创造性音乐活动给我们带来的最有价值的启示。
民族民间音乐的运用 民族民间音乐的运用是柯达伊所最为强调的。
他曾和著名的匈牙利作曲家巴托克一起，进行了大量的工作，收集民族民间音乐素材。
之后柯达伊教育很大的一部分内容就是把这些优秀的作品交给孩子们。
柯达伊还强调音乐教育首先要牢固地建立在本民族的音乐基础上，这是柯达伊教育思想的重要原则之一。
同时柯达伊也重视世界其他各民族音乐广泛学习，他强调民族音乐为基础、为出发点，并不是狭隘的封闭，而是要是其根基首先扎在民族音乐土壤中，进而在更广阔的领域接受人类一切优秀的音乐文化。
柯达伊始终把音乐教育做了文化的定位，明确音乐教育具有文化发展的使命。
而奥尔夫的元素性思想使音乐真正回归于人的本性的追求。
奥尔夫的家乡是德国，因此，许多教学活动是以他家乡的语言、童谣、谚语，民歌和舞蹈为基本教材的。
他提出每个不同的民族和地区都应采用这种方式。
看来两者都是很注重民族民间音乐的运用的。
教育教学活动的比较 两者的教育体系有很多的共同点，比如都有高标准的教育要求、艺术要求、审美要求。
但也有显著的不同： 奥尔夫体系并没有严格地要求教师按照规定的教学进度、固定的教材进行教学，他强调教育教学的创造性、灵活性，认为每个国家、民族、地区的教师都可以根据他们自己对奥尔夫体系的理解来进行有个性的教学。
所以，奥尔夫的教学质量与教师的素质有直接的关系。
柯达伊体系是在国家的支持下，从幼儿园到中小学全面地贯彻柯达伊的教育改革思想，通过系统全面的音乐教育，使匈牙利在几十年间一跃跨入世界音乐教育先进的行列。
它具有大量的高质量的教材，有较为严格艺术标准。
柯达伊也强调教师的培养，但是与奥尔夫不同的是，支撑柯达伊体系的是大量的高水准的音乐教材。
从现实的情况来说，实施有特色的幼儿音乐教育，教材建设问题更显得尤为迫切。
希望对您有帮助吧～
