读《钢琴之恋》有感 英文 120字
一个叫托尼的英国小男孩他家很穷，他有五个弟弟妹妹，他是老大，为了帮助父母养家，13岁从学校出来后就到农场里工作，一个以外的机缘他有了一架旧钢琴，他是个天才，一接触钢琴就可以弹美妙的曲子，以后他就偷偷的练琴，小学老师戈登发现了他的音乐才能，无私的帮助他，免费给他上课，他的农场主老板伍德先生也支持他弹琴。
这些在好心人的帮助下，托尼参加了镇上的钢琴比赛并获得第一名的成绩
他走近了音乐学院，他成长为一个钢琴家安东尼埃文斯的，并且当他被邀请到英国白金汉宫为女王演奏后成为了安东尼埃文斯爵士。
小男孩托尼在音乐方面的天才使我想起了王安石笔下的天才方仲永，可他两个的经历不同结果就不一样。
托尼工作之余刻苦勤奋的练琴、学琴，使自己沉浸在音乐的世界里，最终扬名天下
而仲永却依仗自己的才华被他的父亲带着四处拜访、炫耀、赚钱，“不使学”，结果落了个“泯然众人矣”的下场。
天才必须加上自己的刻苦勤奋才能成才
托尼出身贫寒，小的时候在学校克拉夫人在音乐课上的唱歌、弹琴，对他有一定的影响，再有就是小镇上偶尔有意大利流浪歌手的弹琴、唱歌，让他有点印象，可以说他几乎没有受到什么很好的音乐教育。
他对钢琴的爱恋是内心的、是天才的
光靠天才是不等成功、成名的。
戈登老师在托尼的生活中就像伯乐一样，发现了他的音乐天才，并帮助他、教育他。
伍德一家人也在托尼的钢琴学习上给予了很大的物质、生活上的帮助。
这个故事给我的启示很多：成才需要勤奋
一个人的成功是多方面促成的，只靠个人是不行的，所以我们要乐于帮助别人，“给人玫瑰，手留余香”
海上钢琴师500字观后感
永世的温存 ——海上钢琴师 观后感 The legend of 1900. 郭敬明曾说，当他写下他最爱的导演王家卫的时候，笔尖曾尖锐而敏感的疼痛过。
我曾对此一笑置之。
但是当我写下被中国人翻译成《海上钢琴师》的The legend of 1900时，我承认郭敬明说得没错。
虽然我只看过一遍加一点零星。
故事从1900开始。
从1900这个数字开始
不，不是。
它不是个数字，而是一个人名，一位伟大的钢琴家的名字，再准确点，是一位从没有下过船的伟大的钢琴家的名字。
他清瘦，身材修长，永远一身西装革履，对钢琴和音乐有着超于常人的天赋和热情。
他热爱大海，热爱得甚至从未下过船。
或许他对陆地并非惧怕，并非恐惧，有的只是无所适从和一脸的茫然。
他的人生过于悲壮，以至于和那艘从未下过的船同归于尽。
朋友的劝说没有起丝毫的作用。
“城市那么大，看不到尽头。
在哪里 ? 我能看到吗 ? 就连街道都已经数不清了，找一个女人，盖一间房子，买一块地，开辟一道风景，然后一起走向死路。
太多的选择，太复杂的判断了，难道你不怕精神崩溃吗 ? 陆地，太大了，他像一艘大船，一个女人，一条长长的航线，我宁可舍弃自己的生命，也不愿意在一个找不到尽头的世界生活，反正，这个世界现在也没有人知道我。
我之所以走到一半停下来，不是因为我所能见，而是我所不能见。
” “所有那些城市，你就是无法看见尽头。
尽头
拜托
拜托你给我看它的尽头在哪
当时，站在舷梯向外看还好。
我那时穿着大衣，感觉也很棒，觉得自己前途无量，然后我就要下船去。
放心
完全没问题
可是，阻止了我的脚步的，并不是我所看见的东西，而是我所无法看见的那些东西。
你明白么
我看不见的那些。
在那个无限蔓延的城市里，什么东西都有，可惟独没有尽头。
根本就没有尽头。
我看不见的是这一切的尽头，世界的尽头。
” ——Nineteen Hundred 使这部电影深埋我心的不是他那优美而华丽的音乐，虽然它至始至终吸引着我。
真正使我着迷的是他悲厌的人生观和陆地至始至终奇怪的理解。
真是这些，使我夜阑时难以入眠。
他那安慰朋友Max的略带幽默的话语，却是我心中最难过的记忆。
故事中他唯一爱着的女孩无疑是幸福的，虽然她可能永远不知道他爱她，更不知道那个冒险半夜闯进寝室去吻她的人是他，这些美丽的剪影让人落泪。
哪位朋友，如果你看到这里，请一定要去看这部电影，《海上钢琴师》。
那份美丽的悲哀和永世的温存，值得珍藏一生。
什么是雷鬼。
蓝调。
R&B。
还有电音，摇滚，爵士，每种给几首歌听一下
~
雷鬼音乐 一种由斯卡（Ska）和洛克斯代迪（Rock Steady）音乐演变而来的牙买加流行音乐。
事实上，很难在洛克斯代迪和雷鬼之间划出明确的界限。
只是后者较前者更为细腻，更多地使用电声乐器和更加国际化。
如果说斯卡音乐还只是在美国流行音乐的影响下产生的一种拉美流行音乐的话 ，那么雷鬼则已发展成为欧美摇滚乐主流中的一种重要体裁了。
在1968年左右形成于牙买加(Jamaica)起因是在'60年代，美国音乐工程师兴起和引导的一种音乐表现方式，部分音乐工程师因此出走，寻求灵感。
其中有一些来到牙买加。
牙买加境内原本就有一些游唱艺人存在，所以一直有股民谣气息在酝酿著；所以这一批美国音乐工程师的到来，对牙买加而言不啻是个提升音乐水准的契 机。
加上当地的乐师勇于创新，肯於接受外来事物，于是给予新音乐的创造背景。
雷鬼音乐发源于牙买加，其根源来自New Orleans的R&B。
当时牙买加的乐手根据广播中听到的New Orleans快节奏R&B，发展成属于自己的R&B音乐。
这种称为Ska的音乐型态，在当时60年代相当盛行。
然而在一次非常热的夏天， 当地的人无法在高温的户外弹奏如此快节奏的音乐及跳舞。
当地的乐手就将音乐放慢，而形成了 Reggae音乐。
Reggae这个字是源自于「Ragged」，代表牙买加不修边幅的舞蹈形式。
而在'60年代中期，牙买加已形成一种音乐形态「Ska」，基本上已有雷鬼的影子在，但这种音乐的节奏很快；后来又发展成「Rock Steady」，节奏变得比Ska慢，再经转 变之后，并融入「Soul」(灵魂乐)，於'68年左右，「Reggae」正式成形。
雷鬼音乐结合了传统非洲节奏，美国的节奏蓝调及原始牙买加民俗音乐， 这种风格包含了”弱拍中音节省略”，“向上拍击的吉他弹奏”， 以及”人声合唱”。
歌词强调社会、政治及人文的关怀。
雷鬼乐是早期牙买加的流行音乐之一，它不仅融合了美国节奏蓝调的抒情曲风，同时还加入了拉丁音乐的热情。
另外，雷鬼乐十分强调vocal的部份，不论是独唱或合唱，通常它是运用吟唱的方式来表现，并且藉由吉他、打击乐器、电子琴或其他乐器带出主要的旋律和节奏。
而在雷鬼乐当中，你还会发现电贝斯占了相当重要的比例
雷鬼乐是属于四四拍的音乐，重音落在第二和第四拍。
从音乐中大鼓的部份，我们可以清楚的听出一个明显的节奏和固定的旋律线。
拥有自成一派、懒洋洋的独特节奏。
Reggae的诞生颇为辗转：它演变自Ska，一种急速，结集?古巴\\\/非洲爵士乐及美国节奏蓝调的音乐，后来经美国新奥尔良的乐手改良后变成了雷鬼，再传回牙买加。
雷鬼与摇滚乐一样，只是一个统称，其支派非常多，有迷幻的Dub、类似R&B的Rocksteady、跳舞节奏的Ragga，Dancehall Rapping等等，是牙买加最闻名的出产 推荐雷鬼乐歌手: Bob Marley : 有人尊称他为「雷鬼乐之父」，为牙买加人。
他的音乐到他去世( 1981年5月)之后才广为世人推崇。
UB40 : 英国曼彻斯特起家，致力推广雷鬼乐不遗余力。
有人称他们为「雷鬼乐教父」. 个人推荐歌曲:Bob Marley 的早期专辑的一首歌 <
蓝调起源于过去美国黑人奴隶的灵魂乐、赞美歌、劳动歌曲、叫喊和圣歌。
蓝调中使用的“蓝调之音”和启应的演唱方式都显示了它的西方来源。
蓝调对后来美国和西方流行音乐有非常大的影响，拉格泰姆、爵士乐、蓝草、节奏蓝调、摇滚乐、乡村音乐和普通的流行歌曲，甚至现代的中都含有蓝调的因素或者是从蓝调发展出来的。
[1]在诗歌里这个词常被用来描写忧郁情绪。
蓝调一词是与“蓝色魔鬼”（Bluedevils）一致的意思，意思是情绪低调、忧伤、忧郁。
早在1798年乔治·科曼就写过一部名为的滑稽戏。
19世纪里这个词被用来表示震颤谵妄和警察。
在美国黑人音乐中这个词的应用可能更老。
1912年孟菲斯威廉··汉迪的是这个词在音乐中最早的书面纪录。
蓝调音乐始于二十世纪初美国的南部。
其中亦混合了在教会中类似朗诵形式的节奏及韵律。
这种音乐有一种很明显的特式，便是使用类似中国民俗唱山歌的“一呼一应”的形式进行，英文叫作“Call and Reponse”。
乐句起初会给人们一种紧张、哭诉，无助的感觉，然后接着的乐曲便像是在安慰、舒解受苦的人。
就好像受苦的人向上帝哭诉，而其后得到上帝的安慰与响应
所以蓝调音乐很着重自我情感的宣泄和原创性或即兴性，这种即兴式的演奏方法，后来慢慢地演变为各种不同类形的音乐，如Rock and Roll、Swing、Jazz......所以蓝调亦是现代流行音乐的根源。
至于口琴被广泛用于蓝调音乐中是起始于约二十年代中，那时候在美国当地有很多街头艺人表演音乐，他们常用乐器是五弦琴、鼓、和一种叫“pan quill pipes”的吹奏乐器。
而由于吉他和口琴的性能比这些传统乐器好和更适合于空旷的地方表演，所以渐渐地口琴便常被用作吹奏蓝调音乐。
及后三十年代左右，很多黑人移往大城市芝加哥居住，蓝调音乐和蓝调口琴亦随之在芝加哥这地开支散叶，及后更自成一派名为Chicago Blues。
在听蓝调音乐的时候，你会发觉它们好像都依着一个相同的曲式来进行。
其中原因是因为蓝调音乐会常用到一种标准曲式，名为12 Bar Blues。
由于蓝调成形于其个人表演，因此要指出所有蓝调的共同特征很难。
但在现代蓝调出现以前所有的美国黑人音乐有一定的共同点。
最早的蓝调式的音乐是一个“功能式的表达，其启应的歌唱没有任何伴奏、和谐，不拘束于任何形式，没有任何特别的音乐结构。
”这些从奴隶田野工作时的叫喊和呼唤来源的蓝调以前的音乐逐渐扩展为“简单的、带有感情内容的单声歌”。
今天的蓝调可以看作是基于欧洲的和弦结构和从非洲的启应传统上发展为歌唱与吉他的交替演奏的音乐。
许多蓝调的元素，比如启应的形式和使用的蓝调之音都可以追踪到非洲音乐。
西尔维安·迪欧弗（Sylviane Diouf）指出一定的特征——比如使用花音（melisma）和轻的、鼻音声调——似乎说明蓝调与中非和西非音乐的联系。
民族音乐学家格哈特·库比克（Gerhard Kubik）可能是第一个指出蓝调的一定元素来自非洲的人。
比如库比克指出汉迪在他的自传里所描写的使用刀刃来弹吉他的密西西比技术在西非和中非文化里非常普遍，当地的类似吉他的二十一弦竖琴（Kora）是最常用的歌唱伴奏弦乐器。
这个技术包括吉他手用刀压吉他的弦，它可能是滑音吉他（Slide guitar）技术的来源。
后来蓝调又吸收了黑人音乐中走唱秀（minstrel show）和黑人圣歌（Spiritual），包括其乐器和和弦伴奏。
蓝调与拉格泰姆的关系也很密切，不过蓝调更好地保存了“原始非洲音乐的旋律结构”。
[5]早期的歌的结构非常不同。
在铅肚（Leadbelly）和亨利·托马斯的录音中可以找到这个时期的歌。
但是后来基于主音和声、次属音和声和全桔第五音和声的蓝调形式成为最普及的形式。
今天被看作是典型的12节蓝调是1900年代初在下游的黑人社群中出现的，这个过程既有口述历史也有乐谱的纪录。
孟菲斯的比尔大街是早期蓝调形成的地方之一。
个人推荐歌曲:蓝调女王Sarah Connor的<
融合了爵士乐,福音音乐和蓝调音乐的音乐形式。
这个音乐术语由是美国告示牌杂志（Billboard）于1940年代末所提出。
它衍生了多种不同音乐类型，如我们熟悉的Rock'n'Roll，Disco和Rap，都可算是由R&B发展而成。
R&B的前身，出现在40年代的美国黑人区。
那时，负担得起多姿多采娱乐的人不多，热爱音乐的黑人就喜欢茶余饭后聚集街头，以吉他和口琴等简单乐器玩奏音乐，一抒生活、工作、离乡别井等种种感受。
这就发展出蓝调(Blues)——R&B的前身。
随著录音带的发明，和越来越多的小型电台出现，蓝调音乐开始跳出黑人圈子，在芝加哥流行起来。
不知是否因蓝调音乐说愁说得太久，乐迷都渴望听到节奏感强、调子节拍明快，内容又不太悲伤的蓝调歌曲。
但r&b这个术语最初在1947年的美国被公告牌杂志的Jerry Wexler创造为一个音乐的市场营销术语,取代了种族音乐(最初来源于the black community,但是被战后的社会认为会令人很不愉快的词语) and the Billboard category Harlem Hit Parade in June 1949. 这个词最初被用于定义包含了12种布鲁斯格式and boogie-woogie with a back beat的摇滚音乐，后来这种音乐转变成了一种rock and roll的基础元素。
在 “Rock & Roll: An Unruly History” (1995)中 Robert Palmer 把节奏布鲁斯定义为a catchall rubric 用来refer 任何一种美国黑人创造的音乐。
在他1981年出版的 “Deep Blues”中， Palmer 用 r&b作为跳跃布鲁斯的缩写. Lawrence Cohn, “Nothing But the Blues”的作者, 写到节奏布鲁斯是一个umbrella term industry convenience为所发明的, 除了和宗教音乐，节奏布鲁斯包括了所有的黑人音乐，除了那是一首福音歌并且其销售足以打入流行榜。
在1960年代, 节奏布鲁斯被用于总括灵魂和funk音乐的术语。
而现在R&B的缩写差不多一直被用于代替full节奏布鲁斯，参考有迪士高发展而来的现代灵魂和funk影响的流行音乐， 这个词的主流运用变得不那么流行。
乐手们顺应大众口味的转变，在作品中加入钢琴、鼓、色士风和当时的超新科技——电子吉他，让听众可随著这种节奏感(Rhythm)强的新派蓝调音乐(Blues)起舞，成就了经典的「节奏怨曲」。
我们也不能忘掉经典的new jack swing时代，那时代的r&b是和r&b的大融合，一个个的专辑都是经典的new jack swing快节奏歌曲加上2-3首ballad，这是那时代统一的标准。
个人推荐歌曲:的代表作<>, Usher的, Mariah Carey的`《we belong together》,NE-YO的所有歌曲都可以听听. 电音 用数码信号模拟各种乐器音色，从而制作（或演奏）出来的音乐为电子音乐；通常由计算机或合成器模拟。
有两种方式实现： 1、将乐谱输入计算机，制作成扩展名为mid的文件，由计算机直接可以播放，这是我们通常所说的MIDI；再进一步还可以通过录音制作成MP3、MP4或CD格式，制作成可用于销售的CD唱片； 2、直接由电子合成器模拟乐器音色，有合成器演奏员直接演奏出来。
也属于电子音乐的范畴 这类音乐应该是属於21世纪的新流派音乐. 个人推荐歌曲:Maxim的<
摇滚不仅是一种音乐形态，实际上它是一种“人生的态度和哲学”，也正因为如此，摇滚乐才有别于一般流行音乐(Pop Music)。
真正的摇滚文化至少可以提炼出这样一个缩微的全貌：嬉皮文化、艺术摇滚、朋克乐、先锋音乐、重金属等。
从20世纪50年代起，人们在广播和唱片中熟悉了一种新的流行音乐，这种音乐每一拍节奏都非常强烈，歌词写的也十分新鲜，一下子征服了许多美国人的心。
1951年，美国克利夫兰电台首次播放这类音乐时，为了使听众感到新颖，一位名叫艾伦·弗里德的播音员在播放前介绍时，给这种声音命名为“摇滚乐”。
据说该名取自黑人一首淫秽的歌曲，叫做《我的宝贝以固定的滚动摇曳我》。
1955年，一位名叫比尔·哈雷的歌星演唱并录制了一张名叫《不停的摇滚》的唱片，引起了极大的轰动，前后出售了1500多万张，成为世界上最畅销的唱片之一，摇滚音乐的名称便由此而来。
早在30年代初期美国就有首歌叫做Rock&Roll，但当时并没有这种音乐名称。
此一名词出现最被大家认识是DJ- Alan Freed于1951年在他的广播节目中首先使用了『摇滚音乐会』这个名称，据说纽约现今仍尊称他为摇滚乐之王。
而又在比尔亨利-Bill Haley和他组的彗星乐团-His Comets以一曲Rock Around The Rock于55年在排行榜呆了8周之久，在此曲大放异彩的推波助澜下，Rock便为世人所熟知，是故有人称1955年为Rock Era，而比尔亨利也得摇滚之父的雅号。
早期摇滚的音乐来源非常广泛，主要的包括布鲁斯、R&B、和乡村音乐，其它还有福音音乐、传统的流行乐、爵士、以及民间音乐。
所有的这些影响加在一起构成了一种简单的以布鲁斯为基础的歌曲结构，它是快速的、适于跳舞的、而且容易让人记住的。
第一批摇滚明星们 — Chuck Berry, Elvis Presley, Little Richard, Jerry Lee Lewis, Buddy Holly, Bo Diddley, Bill Haley, Gene Vincent, the Everly Brothers, Carl Perkins,还有好多其它的明星 — 确立了摇滚乐的模式，并且在以后的四十年内都一直为人们所追随。
在每一个十年当中，总是有很多艺人复制着第一批摇滚乐手们的音乐，而剩下的那些艺人，有的扩大了摇滚原先的定义、有的则彻底打破了这种流派被限定的模式。
从英式入侵、民间摇滚、迷幻摇滚，再到硬摇滚、重金属、华丽摇滚，再到朋克，事实上每一种摇滚的分支流派在产生的最初都是忠于摇滚最基本的结构的。
但是一旦这样的改变发生，传统的摇滚就从流行榜上渐渐消失了 — 当然，也有一些艺人始终都保持着光芒。
有一些乐队，比如 the Rolling Stones 和 the Faces,他们始终坚持着传统摇滚最基本的规则，但他们把音乐做得更加快速更加自由。
其它的一些乐队，比如原型朋克the Velvet Underground, the New York Dolls, 以及 the Stooges,他们保留了基础的音乐结构，但他们的行为中有了更多威吓性的元素。
还有一些艺人成为了摇滚的传统主义者，比如 Dave Edmunds 和 Graham Parker, 他们写的歌出的唱片，从来就没有离开过50年代末60年代初的摇滚模式。
虽然在摇滚出现后的这几十年里，摇滚这个词已经开始指代越来越多不同的音乐风格，但是这种音乐的本质从未改变过。
缘于美国的摇滚乐在60年初终于发生了巨变，那就是由The Beatles开始一群英国乐团在一瞬间打进了美国市场，就有人将这件事称为第一次英伦入侵，不过还好当时在美国仍有一些团和他们分庭抗礼，如组合相似披头而曲风充满沙滩、阳光、美女、浪板等加州美景的Beach boys 。
此外充满民族曲风的名谣摇滚亦紧接而生，但除了Bob Dylan外，以居尔特或爱尔兰等曲风鲜明的英国歌手亦不乏其中，但在60年代末美国乐团又再次主领大局，那就是以3J(Jim morrison、Jimi Hendrix及Janis Joplin)引领而起的迷幻摇滚成为当时最受欢迎的摇滚乐，不过除了Grateful Dead外大部分的迷幻团都相当早夭，在迷幻摇滚势微后，随即迈入风光的摇滚年代。
经由60年代的铺陈，遂使70年代的摇滚曲风丰富至极，由David Bowie引领而起的华丽摇滚就是在70初崛起的，此外为了不囿于既有的摇滚类型，前卫摇滚、古典摇滚和艺术摇滚也随即而起并成为当时乐界的新像，既而爵士摇滚亦逐渐扬名，此外横跨整个70~80年代最受欢迎且最长寿的重摇滚（重金属）产生了，或许在现在而言Led Zeppelin、Deep Purple、Black Sabbath的分贝solo，然而在当时可说是震耳欲聋的摇滚类型了，此后经由不断的演进heavy metal一直受摇滚迷的青睐，此外在70年代还有跟HM曲风迥异的乡村摇滚、加州摇滚和南方摇滚亦深受欢迎。
假若我们说60年代的盛事是英伦入侵，那70年代的盛事非瞬间窜起于70年代末的庞克摇滚莫属，但就如60年代末的迷幻摇滚般，庞克亦不长命。
进入80年代除了初期仍还有庞克风外，夹着70年代余威的重金属便成为领导地位，且几乎风光的80年代都是由重摇滚(重金属)拢断，但他们仍是求新求变的，风格决不同以往，故又有新浪重金属的称号，在重摇滚的强势下，除了蓝领摇滚、流行摇滚和融合雷鬼曲风的摇滚外，要能闯出一片天就得以技巧取胜，所以一些强调速弹和速度的摇滚遂应运而生，而他们引起的风潮亦不容小觑，至今速金仍然有广大的听众。
接着90年代初期引领摇滚潮流的即是西雅图之声油渍摇滚，但随即被充满电子音乐的英伦摇滚所淹没，而因这些来自英国各地的乐团很快的征服新一代的摇滚迷，故将之称为第二次英伦入侵。
此外90年代末期带有庞克风或充满电音的的一些另类摇滚也虏获相当多的歌迷。
或许摇滚风潮不在，承如麦克阿瑟所言老兵不死只是凋零，但摇滚新血不断产生，电音、工业、嘻哈...，或许摇滚曲风已不若以往，但至少是另一种摇滚型态的延续。
个人推荐歌曲: The Beatles的<
爵士 爵士乐：是爵士舞起源的重要原动力，但现代爵士舞也受到古典音乐、摇滚乐、迪斯可和hip hop得影响，发展出modern-jazz、disco-jazz、rock-jazz、new-jazz等。
爵士的起源(1)：Ragtime Blues与已有形式融合 事情发生在1917年的一个夜晚，在纽约的一家名叫赖森威的夜总会里出现了一个由五个白人组成的乐队，他们自称为“正宗狄克西兰爵士乐队”，他们演奏着一种十分新奇的音乐，这种音乐似乎有一种特殊的魅力，使跳舞的人感到十分轻松，而且越跳越高兴。
第二天一家杂志对这一事件进行了报道和评论，立即在社会上产生了很大反响。
随后，这一乐队录制的唱片也被人们竞相购买，同时，爵士这一次也成为美国词汇中的常用词了。
它们还鲜有那种衍生出现代爵士乐的基本特征(即兴，音色、音高与时值上的微妙变化)。
一些热衷于报道爵士音乐的专栏作者与观察者，通常本身并非是受过专门训练的音乐研究者。
当我们想从他们的报道中了解些专业的知识时经常会陷入困窘之中，因为访谈中记录下的对话通常很少涉及实质性的问题(从早期爵士乐手演奏角度提问的)。
采访者几乎不会问及这些早期音乐家有关音乐方面的关键性问题，而把采访角度倾向于个人经历与社会话题上。
即使采访者问及探索音乐方面的问题，被采访者的如实回答也比不上一段真实的音乐资料来得准确与有价值。
爵士乐的起源问题始终笼罩着一层迷雾，然而，接下来我们还是尝试着整合一下从各个角度对这个问题的研究成果。
当你阅读时，始终要记着爵士乐并不是完全这样起源的，即使这些观点看上去多么得合理与符合逻辑。
爵士乐源自于二十世纪初期新奥尔良一带民间音乐、流行音乐、古典音乐的融合。
它至少是由两股潮流演变发展而来，一是美国黑人在音乐上的创造性的贡献－Ragtime和Blues，这在后面我们会谈到；其二是一些已有的音乐形式(当时的流行音乐、进行曲、四对舞曲quadrilles等等)表演上往两个特殊方面的不断探索。
一种是强调色彩化地变换音高，这种音高变换在正统的欧洲音乐中会被视为离调、走音，但在爵士乐中却很常见不被看作为是出错或非正规的演奏技巧；另一种是强调音色的粗犷与变化。
这两种以外还有一种特殊的演奏方式被称为Ragging，Ragging是指为了选择音符切进或强调重音而抢拍、拖拍的手法，它把本不切分的音型进行切分处理来造成Ragging的效果。
这使得音符与音符以一种含糊不清的方式来连接，而重音则起到一种推动音符和使之生动化的作用，最终导致我们现在视作为爵士乐的特殊节奏效果的形成，也是爵士摇摆感的构成基础之一。
但是一般的学者在这一点上不全这么认为，他们中大多数把爵士乐的摇摆感看作是非洲或美国黑人的一大贡献。
个人推荐歌曲：卡桑德拉·威尔森的《新月的女儿》，Sade的那张《Lovers Rock》的专辑所有歌曲都可以去听听。
爵士 小提琴
一提起Jazz小提琴人们都会联想到Stephane Grappelli,这位多产的一代Jazz小提琴宗师.在他漫长的音乐生涯中,给人们留下了一笔丰富的音乐遗产,为Jazz小提琴作出了卓越的贡献。
1997年12月1日,这位大师因疝气病症辞世，享年八十九岁。
Stephane Grappelli 1908年1月26日生于法国巴黎,三岁时母亲便去世了,一战时曾经被送进孤儿院,战后才和他父亲搬进了巴黎一所公寓。
开始时学键盘乐器,10岁那年看上了小提琴,然后非常努力学习小提琴技术,15岁便在巴黎街头演奏小提琴,20岁时加入了巴黎舞蹈乐团演奏小提琴。
由于经常巡回演出,那时就听到一些Jazz,然后偿试着把它们加进古典曲目里。
之后他看上了钢琴并弹了四年钢琴,听朋友劝告后又开始演奏小提琴,Grappelli同许多的爵土大师一样是通过自学成材的。
1924年到1928年期间，Grappelli进入了著名的巴黎音乐学院深造,1933年在法国南部一个小咖啡馆里认识了比利时的吉他大师Diango Reinhardt。
这也是他事业的转折点,他们在音乐上找到了共同的语言,并组成了五重奏组开始演奏Jazz。
在1933年到1939年期间,他们演出并录制大量的作品,成为了欧洲Jazz的代表,他们一直到二战爆发才分手。
之后Grappelli在伦敦找到了新的伙伴,年轻的钢琴家George Shearing,两人的新乐队一直工作到大战的结束。
在五六十年代，Grappelli在欧洲各地的俱乐部里演出，Grappelli在欧洲已经成为了家喻户晓的人物，而在爵士乐的故乡美国，人们对于他仍然是知之甚少。
直到70年代他才开始了他定期的全球巡回演出，才真正让美国的爵士乐迷亲眼见到了这位摇摆乐时代的小提琴大师的风采。
也正是从70年代起，人们才开始接受并喜爱上这位大师的音乐，他的定期环球巡演成为了人们谈论的话题。
Grappelli技艺超群，视野开阔，在他超过70年的演奏生涯里前后和很多大师和高手有过广泛的合作，例如古典小提琴家Yehudi Menuhin,颤音琴大师 Gary Burton,小提琴大师帕尔曼,Jazz钢琴大师Duke Ellington,Oscar Peterson,小提琴手Jean-Luc ponty, Jazz钢琴天才Michel Petrucciani等,并出版发行了大量唱片.Stephane Grappelli的演奏具有很独特的摇摆风格，活泼的跳弓，迷人的颤音，以及连续上行的滑音极具歌唱性，有如黄莺出谷般婉转。
我很喜欢听法国老头的东西，写意的乐风风趣幽默，自由即兴的音符又略带一丝揶揄之味，你会在他美妙的小提琴音下漫漫沉醉。
在他77年的音乐生涯中将小提琴创新的应用在了爵士乐中，这一创举给后来的音乐家和作曲家带来了许多灵感。
1997年获格莱美终身成就奖.George Mraz低音提琴手,George Mraz是捷克人，他曾是著名的奥斯卡彼得生三重奏、泰德琼斯三重奏和汤米富拉纳根三重奏的中坚人物，在当代爵士乐坛的地位和知名度都是少有人能比的。
Roy Haynes鼓手为洛伊．汉斯（Roy Haynes）Michel Petrucciani 热爱爵士乐的朋友，凡是听过了法国爵士钢琴家米榭‧派卓契亚尼（ Michel Petrucciani ）的钢琴独奏，大概都不会忘怀从他弹奏的史坦威钢琴中，流泄出来的美好音符，与那种聆听过后，性灵彷佛被重新洗涤的悸动感吧
就拿一九九七年二月德国法兰克福现场的「 Solo Live 」专辑为例，每一段乐句都倾诉着一种情绪，一个故事，若将这些美好的片段全部组合起来，你听到的是，更像是吟游诗人（ troubadour ）以钢琴说书：米榭的左手先往低音走去，复又往高音攀升，制造如陀螺般回旋不已的流畅爬音，他的右手，则快速反复地弹奏琴键，似是批注，似是评论，有时，更像是浪漫地朗诵诗词，从细微的琴音吟颂中，我们听到的，不单是音色质地（ tonal qualities ）巧妙的变化，更是米榭以钢琴吟唱诗歌的极致表现。
萨克斯风手查理斯‧洛依德（ Charles Lloyd ）说，米榭‧派卓契亚尼是钢琴的化身（ the avatar of piano ），一点都不为过。
这位钢琴化身，却拥有人世间最残酷的缺陷。
米榭‧派卓契亚尼天生罹患成骨不全症，也就是台湾俗称的玻璃娃，由于基因异常的关系，抑制了他的骨骼生长，不但行动不便，视力、听力也大受影响。
终其一生，米榭只长到三呎高，五十磅重，身高体重都不及成年人的一半，他不但须要辅助器才能控制钢琴踏板，连走路都备觉吃力，常常得靠别人抱着他上下台。
若仔细看他现场演出的 DVD ，不难发现米榭演奏时，左手已经变形，手掌，手腕都往内倾斜，令人不禁想问，米榭究竟如何超越残障之躯，编织出震撼力如此强大的音乐篇章
一九六二年十二月二十八日出生于法国南部小镇的米榭，家里经营唱片行。
他从小浸淫于爵士音乐中，与父兄组成三重奏，在南方附近的城市演出。
耳濡目染的关系，米榭年幼时就开始学习钢琴，生长于法国之故，老师教的自然是古典音乐，但他对爵士乐的兴趣更为浓厚。
由于残障的关系，他并不能像其它的孩子一样出外玩耍，总是待在家中不停地练习钢琴，或是等着哥哥从楼下的唱片行带几张唱片上来听。
或许是因为父亲偏好摇摆味道浓厚的音乐，米榭曾经很自豪的说，曾有一段时光，他可以将吉他手 Wes Montgomery 至少十来首的作品独奏旋律倒背如流。
一九八二年的瑞士蒙特娄音乐节，复出的洛依德偕同米榭、贝斯手 Palle Danielsson （后来成为米榭单飞后，现场演出的固定成员之一）、鼓手 Son Ship Theus 组成四重奏，以洛依德的作品「 The Call 」作为开场，那气势不凡的萨克斯风独奏开场，证明了洛依德宝刀未老，虽然继承了后期约翰‧科川（ John Coltrane ）的调式演奏（ modal playing ）与高亢快速的即兴乐句，但洛依德从来没有忘记「作球」让他的节奏组合，特别是米榭，有亮眼的表现机会。
米榭在此充分展现他的威力弹法（ power play ），略带异国情调（主要由五声音阶构成）的和弦重击在琴键上，然后是快速爬音，与洛依德那时而嘶吼、时而咆哮，气魄与力道十足的萨克斯风音色互为搭配，将现场气氛带到了最高点。
复出的洛依德四重奏在蒙特娄音乐节大放异彩，名声远播，美国的唱片界很快就注意到米榭的风采。
一九八三年，原美国新港爵士音乐节的筹办者，也是知名的音乐制作人 George Wein ，为二十一岁的米榭在纽约卡内基厅的钢琴独奏（这场演出是 Kool Jazz 音乐节的节目之一）作现场录音，隔年发行专辑「一百颗心」（ 100 Hearts ）。
「一百颗心」可能是最受乐迷称颂的专辑。
在这张专辑中，米榭充分展现了他钢琴独奏的魅力。
此时的米榭，不但摆脱了早期受 Bill Evans 的影响，更青出于蓝地，将钢琴的诗意风格提升至另一个出神入化的境界。
如此年轻但却早熟，天资聪颖却又异常敏感的米榭，不顾一切地，忘情地演出，那肉体的病痛，早已升华为对于美好事物的歌颂，时间在此停格，只有那随着意识之流翩翩飞舞的琴音，清晰地回映在听众的脑海中。
那是你听过之后，绝对不会忘记的音符，因为他不再是用「双手」，而是用「心」在演奏
被誉为「美之使徒」的英国诗人约翰‧济慈（ John Keats ），曾经写过一首名为「 A Thing of Beauty 」的诗： 一件美的事物就是一份永恒的喜悦： A thing of beauty is a joy forever: 它会越来越令人喜爱；它将永不 Its loveliness increases; it will never 落入虚无；且仍将为我们提供 Pass into nothingness; but still will keep 一个祥和的庇所，和一场安眠 A bower quiet for us, and a sleep 充满了甜美的梦，健康与平静的呼吸 Full of sweet dreams, and health, and quiet breathing. 济慈以诗作颂赞生命美好时，身患当时无药可救的肺结核。
然而，济慈与米榭一样，不惧死亡威胁，全心投入创作，或以文字，或以音符，让世人感受他们发自心底深处，最喜悦的，最明亮的，对于美感的见证。
「一百颗心」专辑中的同名曲，是整张专辑的最高潮，当时正在阅读科川传记的米榭，选择以科川的名曲「 My Favorite Things 」部分和弦作为左手弹奏的基础。
曲子一开始，米榭先反复弹奏同样的和弦，将故事铺陈开来，然后进入右手即兴，再左右合奏，每一小节的即兴篇章，乍听之下似乎神似，却如小火炖煮，音乐的味道开始产生细微变化，每一次的峰回路转，都在诉说一个故事（「一百颗心」刚好由一百个小节所构成），米榭以琴音押声韵，扮演着吟游诗人的角色，为听众敞开玄妙的意识之门。
弹到末了，米榭的左手，仅简单地交替弹着两个和弦，右手弹奏的高音则与口哨合而为一，那是整首曲子的最高潮：米榭，爵士钢琴的守护天使，邀请深深入迷的听众，一同走进即兴音乐的应许之地。
「一百颗心」发行之后，米榭开始与「蓝调之音」唱片公司合作，参与了一九八五年「蓝调之音」唱片公司东山再起的音乐盛会，与洛依德同台演出「 The Blessing 」、「 Tone Poem 」、「 Lady Day 」、「 El Encanto 」等四首曲子。
「蓝调之夜」（ One Night with Blue Note ） DVD 收录了其中的「 Tone Poem 」，米榭带劲的钢琴弹奏，引出了色彩缤纷的拉丁旋律，洛依德一百八十度上下摇动的肢体，略带夸张地吹奏萨克斯风，音乐仍是一贯地正点，由米榭以琴音加以润饰。
镜头下的米榭，全身浸满大汗，双眼微微阖闭，他自信满满地反复右手的单音，一段即兴变化后，又回到主要的旋律，充分展现大将之风。
Cecil McBee 此时也是不惶多让，旋律性十足的贝斯，响应着米榭「丢」出来的，律动感十足的音乐。
九○年以后，米榭与法国唱片公司 Dreyfus 签约，陆续发行了许多专辑，大部分为现场演出，极受好评。
此一时期的作品，仍以钢琴独奏及三重奏最具特色。
其中又以德国现场「 Solo Live 」和巴黎香榭里剧院的现场演出最为脍炙人口。
此时米榭的三重奏组合已经换了乐手，但新加入的 Anthony Jackson （低音贝斯）与 Steve Gadd （鼓）等乐手，为米榭的诗意风格，注入了一些更为活泼的元素。
然而，此时米榭的身体已经一日不如一日，一九九九年一月六日，米榭因肺炎病逝于纽约市曼哈顿，享年三十六岁。
综观米榭一生，成长于法国，走红于北美。
早在猫头鹰唱片时期，他就已经与美国重要乐手合作过。
与洛依德的戏剧化邂逅，更奠定了他在乐坛的地位。
刚过二十岁不久，米榭就已经录制了足以流传后世的不朽专辑「一百颗心」。
全世界大概没有任何一个年轻的爵士钢琴手能比他更幸运，但可能也没有任何一个乐手比他的命运更为坎坷。
每当米榭的琴音响起，不论身在何处，那永恒之美，就如渥兹华斯笔下的金色水仙，总是在我心海中摇曳起舞，满溢着悦。
如何才算爵士乐
如何来区别音乐是不是爵士呢
旋律变化随性，节奏不固定吗
可能用词不够专业 请
你的这些问题太多太大，不可能用几句话来概括，爵士乐发展了100来年了，不可能是几个简单的和弦或者节奏型，旋律就可以判断是爵士或者不是爵士，单单从技术上判断是不是爵士乐，永远没答案的，因为单单从技术上去归纳，你总能在爵士乐里找到反例，有时有很多很多反例，要不然这100年里这些伟大的爵士乐手们都在忙活啥呢，伟大也就谈不上了。
没有一定量的听和阅读，不可能做到你要求的这样。
如果你真的对爵士乐有兴趣，那你需要看一些爵士乐历史方面的资料，最好还对爵士乐中的一些乐理知识有个大概了解知道，同时这些历史资料提到的这些乐手或者歌手肯定得听个遍，一般能给提到的就是很有名，很有代表性的。
一边看一边听，才能慢慢摸出门道，听爵士乐其实就是听个门道，这些工作做到家了，对爵士乐兴趣大了，你讲的“区别是不是爵士乐，爵士乐与布鲁斯的区别”等等这些问题就迎刃而解了，如果单单去问这些问题，得到大段大段的答案依然是消化不了白搭，简单的答案又是不可靠，不准确的还是白搭。
钢琴好学吗
《构建生态音乐课堂》读后感 海顿曾说过“艺术的真正意义在于使人幸福，使人得到鼓舞和力量。
”创建“生态”音乐课堂的最终目的是为了激发学生学习音乐的兴趣，使孩子真正领悟到艺术的真谛，并通过审美原则的实施，加强学生对生命的热爱，珍惜现在拥有的美好。
1、互动交流原则，焕发肢体语言的魅力 生命的美在于其本身所存在的价值，为焕发起学生对自己生命的热爱，作为一名音乐教师首先就要让学生认识到自身的魅力。
在课堂中，我十分注重师生、生生间的互动交流，通过各种方式的交流让学生学会与人交往、看到自身肢体语言的无限活力。
每堂课的初始，我会采用不同的旋律让学生在教室内翩翩起舞，并有机的结合不同拍子的音乐情绪，教会孩子基础的舞步，从给孩子范授、到让孩子自己编创。
久而久之，学生不仅喜欢独舞，而且还迷上了邀请舞伴合作跳舞，甚至是自己创造经典的合作舞步，因为他们在合作中看到自身肢体的魅力。
每节课学生盼望着与他人互动交流，在交流中欣赏各自的优美舞姿。
我曾尝试取消这个活动，不料学生立即提醒我忘了教学的这个环节，我一下感受到此年龄段学生的心理特点，由此，我保留了这个常规环节，让学生在互动交流中学会彼此关心和欣赏，从而感受生命在音乐旋律中的和谐，而肢体语言也是表达自身热爱生命的一种情感体验。
2、创设意境原则，领悟生命存在的快乐 音乐学习是抽象的，在教学中不仅要培养学生的形象思维，同时要培养学生逻辑思维的能力。
而“创设意境”原则为学生提供了音乐的理解与服务支持。
根据不同的教学内容，教师尽可能创设不同的意境，可借用“媒体”“声像”“图片”以及“真声”，让学生在“音乐情景教学”中，展开学生想象的翅膀。
从而感知不同音乐作品中表现人物、动物的滑稽、可爱、伤感的各种背景，加深对作品的理解，学生只有在意境创造、亲历实践中才能感受生命存在的快乐，他们在歌唱中、在倾听中感受到自然、社会的生态和谐之美。
3、激发兴趣原则，创造生命价值的动力 兴趣是孩子学习的基础，因此，音乐课堂的生动性、有趣性是激发孩子学习音乐课程的原动力。
针对学生的学习心理特点，可以在音乐课的每个教学实施环节都设计不同的激趣活动板块：例如练声活动中固定及自由选择声部的活动板块；歌曲新授中的学歌、编歌和演歌的实践板块；音乐欣赏中小品短剧的创造板块，以及拓展学习中的“音乐擂台”等活动板块，包括学生把从不同渠道学得的各种乐器的演奏，名人模仿秀表演、歌唱的表演（如歌唱组合）、自发创编的曲艺、游戏表演等等一一带到课堂中进行展示。
而音乐课为他们搭建了一个展示才艺、学习互动的大平台，从而使其越发喜爱上音乐课。
因为你激发起了学生学习音乐的内需动力，体味出生命价值的意义。
创建生态音乐课堂，不仅能培养小学生的审美能力、合作能力、交往能力、创新能力和良好的学习心境，而且使学生在潜移默化中感受到生命的真谛——“美”无处不在。
《青春之歌》读后感 事实上，那个时代离我们并不遥远，依稀地，身上似乎还留有那个时代的伤痛。
可是，那个时代的精神却离我们远去了。
我们是健忘的。
可是，正如别人说，我们有些事情是不能选择的。
比喻：我们是怎样一个人，相貌如何，生活在什么时代，父母亲是谁等等。
我们可以说我们有权选择我们的生活，但是我们又是不能选择的，我们不可能都变成唐吉珂德去。
更悲观一点，苔丝说：“我们生活在一个坏的星球上……” 我们依稀还记得《钢铁是怎样炼成的》中的那段名言，可是我们对着那段名言却无言。
我是个易冲动的人，尽管在表面上看着很平静；我又是一个极易冷却的人，我希望的能和林道静一起，并肩走在北平的大街上，去面对着凛冽的寒风和闪着寒光的刺刀。
但是我没有了信仰，我不会再像她一样，看见“中国共产当”几个字，就会象婴儿见了母亲一样，感到亲切和伟大，我们听贯了什么“当性”、“原则性”之类的话，对当，也是另一种感受。
在《青春之歌》中我领略到了林道静对于当的真挚的依赖的象孩子见到母亲一样的情感；领略到他们那一群象火山一样喷发的热血的爱国之情；领略着那个动荡的、轰轰烈烈的时代的风云。
一星期以来，每个晚上，我都沉浸在那个时代中。
但是，毕竟，我还是从那个时代中走出来了。
书看完了，我看了杨沫的再版后记。
这一本书，它经过了另一个轰轰烈烈的时代----文化达歌明的时代。
它听取了众多的意见而改变了一点，增加了林道静在乡村农民运动中锻炼的七章，这表明了“歌明者要与工农商相结合”的歌明思想，也给整部小说展示了更广阔的天地。
同时，林道静的思想发展、成熟之路也就更加合情合理。
我虽反感增写的理由，但却还比较喜欢这几章。
最喜欢的是开头道静和余永泽生活，和卢嘉川接触的一段，在狱中和林红接触的一段，写得很成功。
可是后来，却很难理解一个成功的歌明者的真正的斗争和歌明的情节。
这种内部的“左”和“右”的斗争，也许是因为某些人的批评，也许揉进了文革的一些影子，更也许，我自己天真地没有预料到当时斗争的复杂性。
总而言之，杨沫是一个成功的作家，但同时又是一个有太多责任的作家。
作品不应该为历史去背上沉重的包袱。
我欣赏的是那种“自由”的作家，他没有任何责任和工作的目的需要而去写作，他的作品就应该是他自己最强烈的感情，是他心底最强最高亢的呼声。
杨沫的作品，也许是，也许不是，但是她毕竟写出了，成功地写出了一代人最壮美的青春
<谈音乐>读后感 我不大喜欢音乐。
不知为什么，颜色与气味常常使我快乐，而一切音乐都是悲哀的”，真是出语让人意外，但作者不喜欢音乐，并不意味作者不懂音乐，要知道作者小时也学习过钢琴的，但最后终于放弃了（这未必不是文坛一大幸事）。
“而一切音乐都是悲哀的”，细想也何尚不是
中国古代音乐多“苦调”，西方古典音乐中也大半是“悲歌”。
“我最怕凡哑林（即小提琴），水一般流着，将人生紧紧把握贴恋着的一切东西都流去了”，“凡哑林上拉出的永远是‘绝调’，回肠九转，太明显地赚人眼泪，是乐器中的悲旦”。
最怕，恐怕不是反感，而是说小提琴有一种难以抗拒的魅力，也许是小提琴那如泣如诉的声音总勾起作者心中无限惆怅，而生出“自是人生长恨水长东”的感慨吧
“悲旦”的比喻也非常贴切，我们不是常常把小提琴比着歌剧中的女高音吗
作者还觉得“凡哑林与钢琴合奏”（既小提琴奏鸣曲），就象两人合画中国画，一人画美人，另一人补上背景，往往是无情调可言而令人讨厌。
此论更是惊人了，现在的爱乐者恐怕是难以苟同吧
不过，把小提琴奏鸣曲比作中国画，倒很新鲜别致。
最佩服的还是谈交响乐：“大规模的交响乐自然又不同，那是浩浩荡荡五四运动一般地冲了来，把每个人的音乐都变成了它的声音……然而交响乐，因为编起来太复杂，作曲者必须经过艰苦的训练，以后往往就沉溺于训练之中，不能自拔。
所以交响乐有这个毛病：格律成份过多”。
真不知道交响乐大师贝多芬听了此言会作何感想，但作者对交响乐的描述却是生动形象之极。
格律成份多，这正是交响乐的一个特质，抽象复杂而富有思辩性的交响乐在今天都难以为好直觉重实在的中国人所喜欢，何况半个世纪以前初染西乐的女作家
作者又说不喜欢交响乐“里面慷慨激昂的演说腔太重，倒是比较喜欢十八世纪的宫廷音乐，那些精致的Minuet（即小步舞曲），尖手尖脚怕碰坏什么似的”。
这又恰当地道出了巴洛克典雅精致的风格，在今天厌倦了浪漫派的矫情的时候，巴洛克音乐也许就别有韵味吧
我们再来看作者是怎样看歌剧的：“歌剧这种东西是贵重的，也止于贵重，歌剧的故事大都很幼稚，譬如象妒忌这样的原始感情，在歌剧里也是最简单的妒忌，一方面却用最复杂最文明的音乐把它放大一千倍来奢侈地表现着，因为不调和，更显吃力，‘大’不一定是伟大，而那样的隆重的热情，那样捶胸脯打手势的英雄，也讨厌”。
说实话，初听威尔第和普契尼的歌剧正有这种感觉，中国人那内敛含蓄的性格和歌剧中放大的情感倒真有些格格不入，这又何怪
然而我们今天最终还是接受了歌剧了。
作者在谈到音乐家时，说最喜欢的不是贝多芬和肖邦，而是巴赫，“巴赫的曲子并没有宫样的纤巧，没有庙堂气也没有英雄气，那里面的世界是笨重的，却又得心应手”。
这使我想起《鲁宾斯坦缤纷录》里的一个故事：鲁宾斯坦在中国演出时，演奏了很多古典音乐作品，但观众唯独对巴赫的作品反映热烈，事后鲁宾斯坦问主办人原因，主办人回答说，我们中国人喜欢巴赫音乐中那种简洁朴素，鲁宾斯坦听后不禁有些惭愧。
看到这里，想到作为爱读中国传统文化书籍中国人，却不迟迟不能对大音希声的巴赫产生共鸣，自己倒真是应该感到惭愧的
张爱玲此言也让自己产生了深深触动。
作者还论及了民歌，爵士乐，拉丁美洲音乐，流行音乐等等，都无不是乐感中带着“通感”，平淡叙述中夹杂几分敏锐，作者谈音乐的姿态不象个大作家，倒象一个旧中国的小女人，不是四平八稳，没有装腔作势，给人一种平和与亲切。
中国文人自古就和音乐有不解之缘，可惜近代文人对音乐总有几分疏离。
此文算是文人谈音乐中难得的一篇吧，它映照出那个时代文人对音乐，尤其是古典音乐传入中国时的初步而新鲜的感觉. 《音乐树》读后感 我读了一篇文章——《音乐树》。
它的主要内容是：贝西希望成为一名音乐家，他一天到晚都在练琴，一次偶然的机会，在贝西汗水浇灌的土地上长出了一棵音乐树，使贝西出了名。
从此，他放弃练小提琴，应酬各种采访。
当一位总统来了时，贝西不得不拉起小提琴，这时才知道，音乐树失去了生命。
一棵大树，能够奏出美妙的音乐，多么神奇呀
我正是怀着这样的心情继续往下读的，当我读到音乐树上的提琴果发出美妙的声音时，仿佛在我耳边回响起大海深沉的声音，春风在山谷里吹动的声音，山权泉静静流怅淌的声音，还有云雀在高空鸣唱的声音。
当我读到贝西不停地拉着提琴果时，我仿佛看到了月光下，有无数的蝴蝶、蜜蜂在飞舞，在树枝上，停歇着无数的鸟儿。
那些会唱歌的鸟儿，全都配合着乐曲，唱起了婉转动听的歌儿。
还有那些小虫子，也都在草丛里蹦蹦跳跳。
园子里所有的花儿，也都发出沁人的芳香，都更加艳丽了。
草儿们全都摇摆婀娜的腰肢，陶醉在音乐声中，多美呀
我不禁这样想：音乐树是神奇的，但是音乐树需要热爱音乐的人用心血来浇灌，它不是简单的表演工具。
它是需要音乐家赋予它灵魂的神奇的树，享受荣耀和优待终究不是它希望得到的，所以，它枯萎了，向人们展现了它独特的一面。
《音乐之声》观后感 有趣的故事，悦耳的歌曲、温馨的人情、天真无邪的笑料，是《音乐之声》最吸引人的地方。
它也是一部长青的家庭电影，也是电影史上传颂最广的一部活泼、温馨的音乐电影 。
相信看过它的人一定不会轻易的忘掉，我想自己已经被这部电影感动了。
它的音乐，它的主题，它经过精雕细琢的台词，充满艺术的美感，音乐的内涵，更重要的是爱的主题，真正打动每个人内心的纯真的爱。
电影讲述的是一个知真、向善、求美的故事。
女主角玛莉娅生性活泼率真，走出修道院投身世俗生活，大胆追求真爱，以童心，爱心去照料七个过早失去母亲的孩子，尽显生活之真；故事中人际的宽容与亲情的和谐，冯·特里普上校一家不畏纳粹爪牙高压的正气，宁可流亡不做亡国奴的爱国情愫，无不昭示了人类向善的意愿；故事场景阿尔卑斯山麓的湖光山色，音乐之乡萨尔茨堡（莫扎特的故乡）的艺术氛围，尤其是贯穿整部电影的妙曼歌曲（出自音乐大师理查德·罗杰斯之手），经过近半个世纪，仍传唱不衰，让人充分体验到艺术和自然之美。
在影片的开始，天真烂漫的玛莉娅老是不遵守院里的作息，偷偷跑到山头外嬉戏、歌唱，我们很轻易的感觉到“美”，有自然之美，有歌声之美，还有玛莉娅那种积极向上的美，而不是感到不安或尴尬。
每个人都有自己快乐的位子，只有能够让自己内心自由的释放才是真的快乐，在这影片开始，已经埋下向观众表达知真的伏笔。
玛莉娅也会在迷茫时问自己我的未来将会怎样?,更会唱着好听的歌告诉自己我会让别人看之俨然,触之温暖,我会让别人改变对我的看法,我对自己有信心.;她用快乐的善良的心感染别人,改变别人,甚至七个个性怪异从小失去母亲的孩子和他们那个严肃的上校爸爸...这样的人你会不喜欢
这样的人你会不为之感动
以简单的心态，积极向上的面对生活又何尝不是艺术
上校的性格，表现的很自然。
作为一个监长国恨当然不能忘，独自带着七个孩子，以他的身份，对孩子的爱表达的不细腻也很正常。
最后是音乐让他变成一个慈祥的父亲。
看来音乐的力量是巨大的，这也符合了音乐之声的主题。
当然也向观众暗示正确的家庭教育也是一种艺术。
在舞会中两人的感情得到了升华，在最后的音乐会中歌声使上校完全变成了另外一个人，在那饱含真情的歌声里，玛利亚发现了一个男人丰富、博大、敏锐的内心世界。
这种内在的美通过歌声表达了出来。
还有孩子的歌声，蓝蓝的天空，嫩嫩的草原，清澈的湖水…… 你听到的，看到的，想到的，感受到的都是美，这就是成功影片的根据
《音乐之声》来自生活，高于生活，它以乐抒情，以乐动人，到处充满阳光气息与温馨浪漫，它把抽象的音符、大自然的和谐美景和人文景观完美结合，体现出人与自然和谐融洽、相互依托的关系，鼓励人们乐观向上，追求纯洁美好，争取自由和享受生活，消除杂念，达到真善美的理想境界。
优美的音乐可以说是音乐剧的灵魂，在音乐剧中流传最广的几首经典音乐有：表达玛利亚对大自然热爱的主题曲《音乐之声》；轻松愉快的《孤独的牧羊人》；比托普演唱的深情无限的著名《雪绒花》；欢乐大方的《哆来咪》；以及可爱的孩子们在比赛和客厅里演唱的《晚安，再见
》等，都成为了最值得珍惜和细细回味的艺术佳作
