西方哲学史读后感
西方哲学史 读后感 人类是一种很奇妙的智慧生物，在酒足饭饱后，面对世界的众多不可知的事物，人类往往充满了求知欲和好奇心。
在其驱使之下，人类一方面通过经验的积累，另一方面通过理性的思考推理，来尝试着解答这些问题和解释一些现象。
这样，一部分解答成为了确知的知识，即科学；另一部分由于时代的局限，不能给出确定的答案，但由于人类对未知事物有着敬畏和恐惧的一面，产生了看似能完美解答这些问题的东西，即神学。
罗素认为，哲学就是介于神学和科学之间的东西，是带着理性的思维去思考科学所不能解答，而神学看似给出了完美答案的问题。
所以“哲学”的人生观与世界观，在罗素看来，乃是两种因素的产物：一种是传统的宗教和伦理观念，另一种是可以称之为“科学的”那种研究。
唯有这两者同时存在，才能构成哲学的特征。
罗素说；哲学是诉之于理性而不是权威（这和文艺复兴时期的新教主观主义是不同的，区别在于罗素诉之于理性，而新教是唯心的。
理性能让人清醒地看到他人的可取之处，而唯心让人傲慢）。
这是我对罗素最欣赏的一句话，有了它，才能让我彻底放下顾忌而去研究哲学，虽然在某种程度上说，我的这种心灵安慰也是建立在对罗素的权威上的，但那不是哲学上的。
哲学是研究人类思辩的心灵所最感兴趣的一切问题，在这些问题中，我所最为重视的，是人为什么活着
我所需要的答案，不是原子论那些家伙所认为的机械式的解释，而是目的论的解释。
即当这个问题具体到某个人时，就成了“你为什么活着
”。
当我懂事后，当我懂事后亲身面对了死亡后，在面对死亡后又知道死亡是不可避免后，我就开始不断的在内心中问着这个问题，失去外公的痛不断的刺激着我，让我联想到几十年后我父母的死和最后我的死，我是如此胆小，以致我一想到这个问题便无法安稳入睡。
首先给我答案的是物理学，世界是平衡的，有生就有灭，当这个理论扩大到整个宇宙时，即整个宇宙都有灭亡的那一天，如此渺小的人类，和更加如此渺小的我，又有什么好抱怨的呢
但这又引出了另一个问题，既然人都是要死的，人类也是要灭亡的，甚至整个宇宙都是会归于零的，那么我们现在所谓的奋斗除了养活自己，苟且偷生外，还有什么价值
当然这也是人类期望永恒的一种思想，如果连饭都吃不饱，当然就没有这个问题了。
天体物理给了我一个类似神秘主义的答案。
宇宙是如此的广袤，有着太多人类所称之为科学的东西，它是如此的寂寞，亿万年来是如此的安静（我用了好久时间才适应用“它”来形容宇宙）。
它需要有什么来理解它，来认可它的存在，而人类作为一种智慧生物，承担起了这个责任。
人类根本的责任，是发展科学，是尽可能的去了解这个宇宙的根本。
在这个基础上，我才展开其他的思考。
为了发展科技，在现今的情况来看，只有保持经济的稳定发展才行。
这样，我的思想难免的流于世俗了。
《西方哲学史》读后感之一：哲学——智慧之美 一、何为哲学 何为哲学
没有定论。
有的人弄了一辈子哲学，且大大地有名，到80岁咽下最后一口气时还不知道哲学是个啥东西。
这是个可悲的现象，对于我们最常见的东西，我们反而一无所知，对于一些简单的问题，不提则已，一提就令人目瞪口呆。
举个最常见的例子：什么是人
对于这个问题的回答，各式各样。
柏拉图，这个古希腊最出色的哲学家，就曾经对学生们说：人，就是两足无毛的动物。
他的学生第二天就拎来只拔光了毛的公鸡过来，在课堂上喊道：看啦，哥们儿，这就是人
后来学历史，学到人类进化论时，历史老师告诉我们：人是能够制造工具的动物。
这样问题又来了：一、能够制造工具的动物就是人吗
二、不能制造工具的动物就是人吗
显然不对，非洲的黑猩猩就能制造工具，它能把树枝从树上折下来，将枝的叶子扒下来，然后伸进洞里去钓蚂蚁吃，它是人吗
如果有个婴儿天生无脑，当然也就不会制造工具，那么，他就不是人吗
所以，什么是人
也无定论，正如什么是哲学一样。
二、智慧之美 我之所以开始学哲学，是因为记得新东方副校长徐小平讲过一句话：“技术只能解决有限的问题，而哲学，可以解决无限的问题。
”仔细想想，的确如此，就像战术之于战略一样。
“哲学”这个词，是由日本人译成汉语的，这个词的英文名“philosophy”。
为什么是由日本人译成汉语的呢
日本人从明治维新开始，就开始广泛地接触西方的文化，包括哲学，而中国当时的封建王朝正过得闭关锁国的生活。
最好的哲学方法，就是将沉思与分析一起用力。
首先，要给思想插上腾飞的翅膀，让她自由飞翔，要勇敢地去想任何东西，让住，是任何东西
从天文地理直到鸡毛蒜皮，包括您家小狗身上的跳蚤，都可以成为您想象的对象。
然后，在您做出任何结论之前，不管这结论是推理得来的还是灵机一动，计上心来，都要对它们进行严格的逻辑分析，尽可能多地找到证据。
这时，您必须给您想象力的翅膀挂上沉重的铁块。
这些用证据进行逻辑推理的过程就好比是建筑大厦时用钢筋水泥进行建设的过程，而结论只是最顶上的那个金光闪闪的屋顶而已。
这就是智慧之美。
《西方哲学史》读后感之二：哲学，都研究些啥
2007-07-03 23:09 分类：读万卷书 字号： 大大 中中 小小 读哲学，就是找罪受。
不过这几天虽然只利用上下班在车上的时间来读，却也速度奇快，一天可读两百来页，囫囵吞栆，但写日志的速度却跟不了，只拣最重要的写罢了。
哲学的三部分 形而上学 形而上学，讲的是世界的本质，是哲学领域最基本的问题，是亚里士多德最早在其著作中提出来的，他自己称为第一哲学或者神学。
而这个词在汉语中则是意译，在古汉语中，《易·系辞上》中曰：“形而上者谓之道，形而下者谓之器。
”唐人崔憬以“形而上”谓用，“形而下”为“体”，他说“凡天地万物皆有形质，就形质这中有体有用。
体者即形质也，用者即形质上之妙用也。
言有妙理之用以扶其体，则是道也。
其体比用，若器之于物，也则是体为形之下，谓之为器也。
”这段我没大弄懂，但我明白大概说的是咋回事：研究地些超自然万物的东西，如灵魂、本质、理念等，就是在搞形而上学，比如：我是一个人，那么人是什么
什么是人的本质
这就是典型的形而上学问题。
类似比较典型的问题还有： 1．世间万物是怎样起源的
是自然进化的结果还是某个神创造的
有没有一种元素，一切万物都是由它组成的
2．人有没有灵魂
3．什么是人的本质
是肉体，还是思想、情感抑或灵魂
今天似乎弄明白了这个“形而上学”是咋回事了，最后自个儿得出一个结论，哲学家就是一帮吃饱了没事干，成天瞎琢磨的家伙。
伦理学 道德伦理，就是伦理学，它是研究与道德相关问题的学问，与我们的生活、与我们每一个人都是息息相关的。
就这点而言，它似乎比老一本正经的形而上学要亲切得多。
本来以为伦理学就这么简单，可是读到以后越觉得看不懂了，是那些吃饱没事干的家伙们跟我们玩儿深沉，什么相对主义伦理学，自然主义伦理学，直觉主义伦理学，非认识主义的伦理学，等等，烦。
看完全文，才知是从不同角度来看伦理，直觉主义：认为道德是事物一种独特性质的表达，这种性质就存在于事物之内，然而却是我们难以把握的，不可能用一种科学的、严谨有逻辑的词语表达出来，而只能凭直觉去领悟，用一句话来说是只可意会不可言传。
其它几种变态的我就不举了，因为我不是研究这个的，我只是想清楚是咋回事。
但上述这几种伦理学都属于元伦理学，所谓元伦理学：就是研究何谓善、恶与道德的学问，更具体的说，它所研究的是善、恶与道德等的本质。
与元伦理学相对的另一大块－－规范伦理学。
替伦理制定规范的学问，就是规范伦理学。
如果说元伦理学研究的是善与恶的本质的话，那么规范伦理学就是在这个基础上研究具体的善事与恶事，并且分析它们到底是善是恶。
比如：应不应该堕胎
为什么乱伦是罪恶
是否应该销毁所有核武器
这些问题到底应该听谁的呢
为什么总好像说公说公有理，婆说婆有理呢
到底是公有理，还是婆有理呢
对诸如此类变态问题的回答就构成了规范伦理学。
那么，到底怎么样去制定规范伦理的规范呢
另一个问题引出来了：价值判断。
在事实中加入是否符合道德标准，是对还是错，应该还是不应该。
比如：布鲁托斯然死了凯撒，这是一个事实，但“布鲁托斯是不是应该杀死凯撒”就是一个价值判断。
价值判断，加上类似的无数价值判断仍其分析就构成了规范伦理学。
元伦理这和规范伦理学就构成了伦理学。
认识论 何为认识论
有关知识的理论，就是认识论。
认识论的最根本问题，也是所有有关知识的问题中最主要的一个乃是知识的起源问题。
比如：我们的知识从何而来
唯理派认为知识是神赋与的，是人生来的一种本领，托马斯阿奎就认为，人类惟有通过理智才能得到完整的知识。
而这个理智就是上帝赋予我们的，是上帝在我们心灵的沃壤中种下了“理智之光”。
经验派认为真正的知识来源于经验。
经验主义者们认为，这些经验就是知识的真正起源，一切知识，无论知识，无论最后它多么复杂，其源来就是经验。
我很高兴，读完这些我没有发疯。
并且还知道了哲学大概研究的是个啥。
幸甚幸甚
西方哲学史》读后感之三－－哲学，哲人 2007-07-10 23:28 分类：读万卷书 字号： 大大 中中 小小 研究哲学的人，要么是天才，要么是地道的笨蛋，是天才的那种人，不用去说服别人，别人也会接受他的观点，是笨蛋的那种人，连自己都说服不了自己。
毕达哥拉斯 在我看来，这是一位以勾股定理和平方立方闻名于世的数学家，虽然他的哲学思想影响过一些人。
老毕的那个时代，老毕被神话了，而且被人们当成了神，还有他的灵魂转世的观点，构成了他的主要思想体系。
赫拉克利特 人不能两次踏进同一条河流。
为什么呢
因为河水是流动的，所以万物都在变化着的。
这是他的主要思想，他的这个思想对后来的黑格尔大有影响，通过黑格尔又大大地影响了马克思。
德谟克里特 是他，最早提出了原子论。
他认为原子是万物的本源，也就是万物都是由原子组成的。
千年之后，那些量子学的物理学家们，才真正才提出物体是由分子组成的，但分子又是由原子组成的。
苏格拉底 对于整部西方哲学史而言，很难说有比苏格拉底的死更震撼人心的事件了。
老苏其丑无比，以及他那著名的悍妻，还有他那句“我知道，打过雷后一定要下雨“的名言，老苏最喜欢做的事情就是沉思与辩论，这是他的主要日常行为。
他曾被证明为是最智慧的希腊人，而他自己却说：”我只知道一件事，那就是我一无所知。
“老苏也是伦理学真正的鼻祖。
老苏之死是令人惋惜的，当局者认为他的言行教坏了青年，被捕了他，在法庭上，他为自己做了出色的辩护，根本不承认所指控的罪名，可惜的是，他的辩护太出色了，所以他们就决定处死他。
在狱中的时候，他的学生已经买通了所有阻碍他逃跑的人，但他断然拒绝了，他不愿违反法律，他认为法律一理制定，不管理合理与否，作为一国公民就必须遵守。
苏格拉底就这样死了。
柏拉图 他是苏格拉底的学生，在所有的哲学家，柏拉图是最帅的，也是最伟大的。
柏拉图的理想国是：”一个理想的国家，就是由哲学家做王的国度。
“在他的理想国里，人被分为三等，普通人，士兵和护国者。
他的另一个主要是思想是理念论，他认为，所有个体都是不真实的，那什么才是真实的呢
当然是理论了。
亚里士多德 他是柏拉图的学生，作为伟大的亚历山大大帝的老师，亚里士多德一生享尽荣华，却在流亡中孤独地死去。
他是所有哲学家最博学的哲学家，但也是犯错最多的哲学家，后来的伽利略在比萨斜塔做实验，为的就是要证明亚里士多德的一个说法说错了。
老亚的主要著作主要体现在四个方面：一是逻辑学，如《范畴学》、《解释篇》、《前分析篇》等，这些都是告诉我们如何去思想的著作；二是自然学科，如《物理学》、《论天》、《天象学》、《论颜色》等等，他的博学创立了很多学科，如动物学、植物学、物理学、生理学等等；三是美学，《修辞术》、《论诗》、《亚历山大修辞学》等；四是哲学著作，在哲学著作中，最有名是《形而上学》。
在他的著名的形式逻辑学中，有一个著名的三段论，如：凡人都会死，老莫是人，所以老莫会死。
在三段论中，大前提要正确，不然，结论就错了。
亚里士多德的思想相当丰富。
不是一言两语能说清楚的，苏格拉底、柏拉图、亚里士多德就是传说中的雅典三哲。
从犹太民族悲壮而又悲哀的历史，到耶稣基督的诞生，这些个思想成为整个西方文明的开始。
写给大家的西方美术史读后感1000字
《西方美术史》有感这本书西方艺术的形式与特征等的发展史，其中心问题是美对于人类生活和人类历史的价值和意义。
另外，西方美学与西方的哲学，文化艺术的发展密切相关。
对美学，哲学是关于一切美学问题的最基础的思考，具有元美学的性质。
对美学问题的研究有利于加深和丰富对西方哲学的理解。
西方历史上的文学艺术作品是许多美学思想的源泉。
说起西方美术，我好像走进到了另一个新天地，与中国美术形式意境完全不同的另一番感受。
在兴趣盎然中,乔托的觉醒,波提切利的韵昧,达芬奇的智慧,米开朗基罗的激愤,拉斐尔的优雅,乔尔乔内的建树,提香的追求和丁托列托的视角,感受布勒格尔的气质,丢勒的才情,普桑的力度,华托的情调,大卫的理想,安格尔的柔美,德拉克罗瓦的激情和莫奈的光影，深深吸引着我。
另外，西方艺术流派及艺术形式多种多样：华丽激情的巴洛克艺术；古典优雅的学院派；充满生活情趣阳光的荷兰小画派；夸张扭曲的折衷主义；真实和谐的写实主义；抽象豪放的野兽派；具有戏谑和象征意义的超现实主义„„书的第一部分讲的是古埃及希腊罗马美学。
提起埃及，人们首先想起的是金字塔。
金字塔是古埃及卓越的建筑艺术，它是法老王们的陵墓。
对于金子塔的美丽和雄伟我不多说，在课上学到的最令我印象深刻的是埃及的雕刻、绘画艺术。
从那些作品我们可以看到，埃及人的灿烂文化以及他们对“秩序”的狂热追求，绘画的比例，外形都奇异的保持一致，宏伟的雕像现在虽然有好多残缺，但仍能感受到那埃及的辉煌文明
古希腊的美学思想是在其哲学，艺术，宗教，文化的土壤中产生的。
超凡入圣的艺术，古希腊与古罗马。
罗马人在相当长的时间里直接根据面具制作肖像雕塑。
后来古罗马肖像雕塑的美学追求在于求真美，这同古希腊的宁静、理想化的完美迥然不同，这种特征趋向于个人意志的创造，表现出敢于参与世事争胜的气概。
它是希腊文化的继承者和发扬者，伟大的罗马，璀璨的希腊
充满神话的希腊，雅典卫城，巴特农神庙，这些美丽的地方都给我们不一样的视觉享受。
虽然没有在幻灯上看到十几米高的雅典娜塑像，但是可以想象那是怎样的宏伟美丽。
充满了神圣，梦幻般的感觉
这些都给我从新认识了希腊的文化，对希腊的建筑也有了一些了解。
最后另我印象深刻的就是文艺复兴时期的两大天才——达芬奇与米开朗基罗，纪录片记录了他们的生平种种，让我们了解了天才成功的不易与艰辛。
时代造就了他们，他们也成就了时代
他们值得我们现在每一个学生去学习，为之理想而奋斗，因为他们告诉我们，艺术是门伟大的科学
终求一生，值得为之奉献，为之探索
它介绍了几种最早形态的美学思想。
塔塔凯维奇认为美学思想最早包含在艺术之中；鲍桑葵认为人类的审美意识产生于原始宗教向哲学的过渡阶段；吉尔伯特和库恩认为哲学孕育了美学。
综合几位美术家的观点，早期希腊的美学思想是蕴含在宗教，艺术，和哲学当中的。
这几种观点的分歧是美学本身是什么，美学与哲学的关系是什么。
由此可见，美学不仅仅是哲学的一个分支，他们之间还有更复杂的关系。
要理解他们的关系，我想必须要通过深入的学习和探究。
西方建筑历史概况
西方建筑史（之一）——简介 从史前的地中海文化至当今的西方建筑史。
西方建筑的历史以一系列新的建筑问题解决方案的发法为特点。
从文明始初到古希腊文化，这段时期的建筑方法也从最原始的单面斜坡屋顶（shed roof ）配以简支桁架（simple truss ）发展到了竖柱（vertical posts）或圆柱（column）支撑的水平梁（horizontal beams）或过梁（lintel，也叫楣）。
希腊建筑也将众多结构性和装饰性元素形式化为三种经典样式：爱奥尼亚式（Ionic）、多利安式（Doric）和科林斯式（Corinthian）。
此后的建筑在或多或少的程度上都受到这三种样式的影响。
罗马人充分利用了拱（arch）、拱顶（vault）和穹顶（dome）并扩大了承重石墙（the load-bearing masonry wall）的使用范围 。
中世纪后期，尖拱（pointed arch）、肋（ribbing）和扶垛（pier ）体系逐渐出现，到此时，所有砖石建筑的问题才得以解决。
因此，在工业革命前，建筑领域除了装饰发展变化外少有创新。
直到19世纪铸铁和钢结构建筑物的出现才迎来新建筑时代的黎明，更高、更宽阔、更轻的建筑成为可能。
随着20世纪科技的发展，新建筑方法如悬臂（cantilever）得到广泛的应用。
21世纪之交，电脑进一步增强了建筑师的才能并利用其理念创造出新的建筑形式。
写作《西方建筑史》的意义在于，让人们象共享西方文化传统一样共享欧洲的建筑。
例如，本文讨论了早期始于希腊化和罗马时期其后又通过拜占庭帝国持续存在的埃及、叙利亚、小亚细亚、北非和耶路撒冷的建筑传统，这些地区都与欧洲建筑的发展紧密相关。
15世纪后期，欧洲建筑样式传播到新世界（ New World）的国家，因此北美和拉丁美洲的建筑在本文中也有提及，这些国家在好几个世纪里其建筑的发展都与欧洲建筑的发展有千丝万缕的联系。
(美洲原住民建筑传统一般未受到欧洲的影响，他们的历史可以参见《美洲原住民的视觉艺术》（Native American visual arts）) 爱琴海和东地中海 东地中海和爱情海的岛屿形成了中东和欧洲大陆天然的连线。
公元前3000年从西亚和埃及向西扩散的文明在克里特岛、基克拉迪群岛和希腊大陆建立了殖民地。
这些文明和早期的文明有本质的不同，他们使用铜和较轻的青铜取代了新石器时代文化中使用的石制工具和武器。
红铜时代（The Chalcolithic (即黄铜) Age）通常被认为是青铜时代（Bronze Age）长时期中的一段，它在爱琴地区从公元前第三个千年持续到第二个千年初，大约在公元前1200年被铁器时代所取代。
爱琴文明的特点是简易，它将亚洲母题（motif）和技术简化形成了原始的本地风格。
在建筑领域，此时取得最大成就的是克里特岛的米诺斯（Minoan）文明和希腊的迈锡尼（Mycenaean）文明。
克里特-米诺斯文明 克里特是伟大的海洋文明，哺育成了克诺索思（Knossos）,菲斯托斯（Phaestus）,Ayía Triáda, Mallia, and Tylissos的宫殿. 克诺索思的米诺斯宫殿尤为重要，从20世纪初就在亚瑟·埃文斯（Sir Arthur Evans）男爵领导下挖掘和重建。
从新石器开始，到米诺斯中期第三阶段(1700–1580 BC)建筑活动发展的辉煌顶点，最后持续到12世纪亚该亚人（Achaean，即希腊人）的入侵为止，它为建筑和艺术发展提供了完整的依据。
而宫殿只是后两个中米诺斯时期(1800–1580 BC) 的建筑方式。
无所质疑，它与中东和埃及那种庞大的宫殿堪媲美。
从其结构上看，米诺斯宫殿是一个175 × 100 英尺(50 × 30米)的四边形，四周复杂的房间和走廊围着内部中心广场，面向大海的北端是由12根壁柱（pilaster）形成的柱廊，通向中心广场，另一端是一个可能用来举行宗教仪式的矩形露天大剧院。
宫殿的东侧被一条横贯东西轴方向的长廊分成两部分，它原先高出谷坡四到五层。
宫殿东南部分是起居室，精心设计了垂直和水平的供给设施，很像一个避难场所。
有很宽的楼梯通向上一层，但已不存在。
东北部分是办公场所和储藏室。
宫殿西面同样被超过200英尺（60米）的主长廊分为南北两部分。
靠西的走廊后面，在一排排又长又窄的房间里，发现了大量的储物罐（pithoi）或是成人大小的储油罐。
走廊朝向中心广场的一面是典礼用的房间，包括唯一用石膏处理过的王室以及知名的格里芬（griffin）壁画。
光艳的壁画在宫殿内外部都极其重要。
光线从巧妙设计的进光孔中投射近来；在炎热的克里特夏日里，由众多列柱组成柱廊为宫殿提供通风。
其他米诺斯宫殿(Phaestus, Mallia, Ayía Triáda, Tylissos) 的发展大致和克诺索思同时。
每个宫殿都很知名，由于意大利人的广泛挖掘，让菲斯托斯（Phaestus ）展现其独特的魅力。
克里特在海上王国的霸权让他们所建的宫殿不仅低矮而且毫无防卫，因此与美索不达米亚的长城相比，无防御工事的城墙成为其显著的缺点。
由于克里特人外向的活动，使他们不像中东地区那样拜神从而并没有真正意义上的神庙。
而宫殿围绕中心广场部署房屋以及尽可能避免外窗的特征似乎显示了他们早期与中东有过来往。
长而直的宫殿走廊设计，以及高度发展的供水系统或许也是从更古老的文明传至东方而继承过来。
克里特宫殿中的柱廊在首次在欧洲出现，它经常少量的出现在入口大门两侧。
克里特的墓穴建筑从米诺斯早期(2750–2000 BC) 古老的藏尸室发展到中米诺斯后期出现在Mesara平原的巨冢（tholoi）或蜂窝墓（beehive tombs），以及克诺索思精致的墓堂（emple-tomb）。
米诺斯发展的顶峰时期迎来了一场巨大灾难。
大约公元前1400年，来自大陆的入侵者毁灭了宫殿也导致了霸权向希腊迈锡尼的转移。
克里特这些前希腊时代的建筑结构保留了下来，也使这场大灾难后建造的建筑异常珍贵。
众多城市的神庙属于这个后破坏者的时代，坐落在Prinias唯一的神庙建筑最早的日期是公元前700年。
这些神庙门口的建筑上有浅浮雕，门楣上两侧坐落着雕塑，而过梁本身的下面也刻有女神和动物的雕像。
门前中间直立的柱子，类似米诺斯宫殿那样，向人们显示着米诺斯的传统并未完全消失。
希腊-迈锡尼文明 希腊大陆迈锡尼建筑的突然崛起与克里特-米诺斯文明的巅峰和衰败有密切的联系，而且也只能把它理解为是克里特长期发展的背景衬托。
不像米诺斯的克诺索思，考古学家在这片大陆上仅发掘了一些碎片，已发掘了至少三处遗址：迈锡尼（Mycenae）, Tiryns, 和Pylos，他们拼凑其了一副迈锡尼建筑的画面。
现在我们能看到的重要的纪念碑建筑大都是希腊铜器时代后期（Late Helladic times ，公元前1580年至公元前1100 ）的，也有少量的早期建筑保存了下来。
防御工事（Fortification） 公元前14世纪巨型建筑的盛行反映出这是一个战争的时代，强大的操希腊语的国王在希腊大陆要口修筑了要塞。
迈锡尼和Tiryns城的巨墙（cyclopean wall，是将不规则且未修饰的巨石不用任何泥浆砌成）以及迈锡尼的战略要地狮门（Lion Gate）都建于这个时期。
后者是由两个巨型门框支撑的独石门楣组成。
门楣上的墙体形成了一个可以减轻压力的三角形，而三角区域则由刻有狮子的石板支撑。
这道门也因此狮而得名。
这种建筑方法巧妙的替代了拱，而后者迈锡尼人尚不知道。
同样著名的是Tiryns城下隐藏的原始石挑拱顶(corbel vault，由很多石层组成，每层略微超出下层一部分，最后两侧在顶部汇合。
见下图)，这种建筑方法在欧洲大陆首次出现。
在迈锡尼、Tiryns、Pylos、Gla和Phylakopi（基克拉迪群岛）都挖掘出了迈锡尼的宫殿。
Pylos城的是一座很典型的英雄时代（Heroic Age）的大陆型宫殿，正像霍默（Homer）在诗集中描述过的那样。
其设计图有四个基本特征： (1) 建筑前方有一个窄院，(2) 入口处有双柱门廊，(3) 有一个前厅(prodomos)，以及(4) 有丰富壁画的房间（domos）或特有的大厅（hall），后者尽头的一端放置王座，中间是由四根木柱组成的壁炉。
木柱支撑着一座敞开式塔形建筑，延伸至屋顶用于通风和照明。
与宫殿相连接的是档案馆，堪与博阿兹考伊（Bo
《西方美术史》朱光潜的读后感，还有对这本书的解释等内容～急，谢啦，加分
没有正襟危坐地写过书评.是看着刚刚台上书页的西方美术史五讲》.感受着书中鲜活的生命和多彩的画卷.思绪万千.眼前突然闳现出巴黎卢浮宫参现时的另一幕:一个火着嗓的导游用汉语对昔?群国人说:主要就看三件,胜利女神雕像,断臂维纳斯和蒙哪丽莎.当然谁都知道.它啊足卢浮宫的镇宫之宝,不可错过,但至迟从8世纪后期卢浮宫的'物室开始直到现.持续两二百年的艺术品收藏,早已使卢浮富成为世界上屈指可数的走馆.名牖汇聚,浩如烟海只看件,岂不足太过粗略?当然也听到过略带法语.音的汉语导游领着一队国人,:足绘莳厅法国巨匠大卫油画前,从时尚的新古典主义细细逋束猜想这样的一批观者.当是啦该会皎为手头选本西方美术史五讲的挚诚睦着的的确与西方人自幼就通过教鼗艺术熏习,开放的博物馆课堂乃至多姿的街头艺术等形式熟知自古而今的西方美术相比.中国人只能更多地借助校园课堂与读本了解相对陌生的异域文化.就此而论,我们感谢着者与出版社,给读者呈上了这样一部纵贯古今,赅括有度的好书我]道,在俸质人类学上,学者们确立现代人的标尺之一是伴之以大量的洞穴壁画和塑到艺术这类反映人类智力突进的现象,从这个意义上说,人类美术史的诞生是与现代人的出现同步的,其历史之悠长也就毋庸多论.若以每周一讲的速率计,西方美术史十五讲刚好是大学大致一个学期的谋程.以四个月的时间上求索数万年,不能不说其纵踌之大.再就其幅员广阔沦,尽管西方美术史是以中国西部的欧洲为主线的,但以欧洲地域的广阔,地理的复杂以及历史与文化进程的差异论,其所呈现的美术发展态势也是迥异的异彩纷呈的.也许着者始韧面临的两难是,如何以有限的篇幅浓缩广阙无垠的艺术世界以及与之相伴的人类心灵智慧.令人欣喜的是,眼前这部西方美术史十五讲*,很好地谐谰了西方美术史中的博与约.它先以绪论的形式,向读者阐述了艺术的旨意与属性以及其形体色彩线条诸要素,使读者在未进入美术欣赏之前,就有一个相应的知识准备,并开始艺术何_为的思索历程.然后顺着西方美术史发展的流线,蓝色的爱琴文明开始,直至20世纪的现代美术,其阃所经悠民迭宕的古代希腊与罗马美术,中世纪的艺术样式文艺复兴的绘画雕塑与建筑,近代不同国度与地域的美术流派和现代主义美术等等,读米有脚流观乎下的酣畅淋漓感.我们当然知道,历史发展历来不是单薄盼,线性的,而是丰满曲折的,但大凡讨论与历史有关的问脚,部必须回到一定的时空框架内,构筑起相应的纵横坐标,其中纵向表现的是时训流变.横向传达的是空闻与并列关系.梳理繁复的历史与文化现象的方法之一,是首先理出一个简约而清晰的框架,枵不同时空的文化事件与人物各就其位,随着人们对历史感悟与体验的深入,这个相对单线的纵横坐标便会渐丰满,复杂多姿起来.从这个角度论,《西方美术史^五讲成功构筑了一个西方美术史发展大略的纵横坐标,引你步人漫漫艺术长廊.美苑006年第1期当然,如果徒有宏阔的结构而缺乏内涵的深度,十五讲就将仅仅是一部概略的西方美术史书,其可读性也就会大打折扣.着者成功的是,舍去冗长的历史背景,艺术运动以及一切枝蔓的叙述,直指构建美术史的人,且在历史上或如北极长明,或似流星划过的众多美术家中,只撷取不同时期与地域中最具代表性者,用笔或浓妆或淡抹,但总能向读者娓娓道来,使你在兴趣盎然中,熟知乔托的觉醒,波提切利的韵昧,达芬奇的纯正,米开朗基罗的激越,拉斐尔的优雅,乔尔乔内的建树,提香的追求和丁托列托的视角,感受布勒格尔的气质,丢勒的才情,普桑的力度,华托的情调,大卫的理想,安格尔的形式,德拉克罗瓦的激情和马奈的光影.而且,在文本中作者还总不忘为每一位艺术家配上一幅肖像,以期为读者提供一个直面艺术家个体并由此洞悉其内心世界的门径.无论中外,美术史的大宗总是林林总总的美术作品,由于这些作品往往是不同时期政治的,社会的,神话的,宗教的,哲学的或文艺的综合,表现在其中的内涵与图像亦就深邃而丰富,解读图像,阐释内涵遂而成为美术史研究的基本方法论之一,也构成对美术史家的巨大挑战.翻阅各类美术史读本,释析作品内涵与图像大都会占有相当篇幅,而不同的解读人对图像深邃意义的探知与体验又会有相当的差异,从而展现出图像意义多重性的魅力.((西方美术史十五讲》作者虽亦将写作重点放在美术名作的赏析与评品上,但他避免对艺术大师众多作品的泛泛而论,而只取其重之又重者,不吝笔墨,从容道来,使读者对历史上如雷贯耳的名人名作留下至深印象.大凡历史上的美术作品,总是或具宗教内涵,政治说教,道德讽喻,或表达个人情感与艺术追求,突现技法技巧等等.在具体作品的阐释中,作者往往首先会为读者提供一个理解作品的简骸的知识背景,包括人文的,心理的,社会的,艺术家个体的等等;其次集西方美术史家研究之大成,将各种已知的,可能理解作品的途径提示给读者,展现出一个多视角,多维度的认知视界;复次对图像各要素进行精当的分析,以华彩而又凝练的文字描述,饶有兴致的故事叙说美苑2096年第1期书评以及极富个性的语言风采,启迪读者的艺术灵智,向人们敞开一扇共探艺术玄机与美妙的大门.最后,除图像阐释外,注重调动画面一切表现的,技艺的要素,将读者视野拓及甚至是画外的表现空间,使人们在谙悉图像主题与寓意,理解作品形式语言与内涵关系的同时,理清历史各时期艺术表现语言的发展流脉,考索图像而外的,更为广阔的人类精神世界,进而挖掘艺术作品深邃的意义.对书中的众多名品,如贝里尼《众神之宴)),提香((巴科斯和阿里阿德涅》,委罗内塞迦拿婚礼》,博斯((愚人之船》,布勒格尔通天塔》,((尼德兰的寓言》,小荷尔拜因使节》等等,作者都不吝笔墨,对其中的或宗教故事,神话寓言,或世俗生活,民间风情,做精微细致的分析与介绍,对耐人寻味的画面细节做生动可信的描述与阐发.至于像普桑((阿卡迪亚的牧羊人》,伦勃朗((巡夜》,大卫(《贺拉斯兄弟的宣誓》,贝尼尼《阿波罗与达弗涅》,席里柯((梅杜萨之筏》,德拉克罗瓦((萨尔丹那帕勒斯之死》,毕加索((格尔尼卡》这类绘画,雕塑上的巨幅宏篇,更是倾尽笔力,进行全面深入的分析与探讨.无可否认,
简述西方建筑史上工艺美术运动“新艺术运动“现代主义运动”的发展脉络，并阐述他们对后现代建筑设计的影
19世纪初期，欧洲各国的工业革命先后完成，与此同时也给社会带来了一个新问题：大批工业产品被投放到市场上，但设计上却非常粗糙和拙劣。
在1851年的英国伦敦举办的第一次世界博览会上，这一问题就被充分的暴露出来。
当时的展品中工业产品占了很大的比例，外型全部相当粗陋。
工匠们尝试用一点装饰来加以弥补，硬是把哥特式的纹样刻到铸铁的蒸汽机上；在金属椅子上用油漆画上木纹；整个展品一片庸俗，完全体现不出美学功底以及装饰原则。
一些关心艺术的人通常都把这一问题归罪于机器。
其实仔细推敲会发现问题的根源所在。
中世纪那些受过行会训练，有教养的工匠阶层在所谓的“理性时代”被一扫而光，导致所有产品的外观造型都交给了那些缺乏教养的制造商来胡乱处理。
然而这些粗俗的产品由于非常廉价，反而受到广大群众的青睐。
而这些群众没有受过良好教育，他们要么有钱没时间，要么既没钱又没时间。
这就将导致大众的艺术品位受到严重的污染。
而此时的大部分艺术家受席勒（Schiller）的艺术哲学以及浪漫主义思想的影响，轻视实用价值和广大公众，他们把自己禁锢起来，远离时代的真实生活，退居到他圣神的小圈子里，创造为艺术的艺术，为艺术家自己享用的艺术。
事实上，这次展览的组织者当中的艺术团队亨利·科尔(Henry Cole,1808-1882)、欧文·琼斯(Owen Jones,1809-1874年)、马修·迪格比·怀亚特(Matthew Digby Wyatt,1820-1877 )和理查德·雷德格雷夫（Richard Redgrave，1804-1888）都十分重视上面的问题，想通过这个展览尝试对美学方面进行一次改革。
在1849年，科尔创立了一本名为《设计与制造学报》杂志。
这本杂志所推崇的理念就是“装饰……与被装饰物相比必须是次要的，”“装饰对被装饰物而言必须是适当的”。
而这些都来自于，几年前普金创立的信条。
普金(August W. N. Pugin)在他的著作《尖拱顶或基督教的真实原则》中开宗明义“设计的两大原则……其一，去掉与建筑的方便性、可建设性和适用性无益的特征，”“其二，所有的装饰都应是建筑的精华浓缩而成”①。
普金出生于法国移民家庭，后来信奉罗马天主教。
他以维多利亚建筑史上哥特风格复兴先驱而著称于世，同时倡导设计与制造业的诚实和直率。
他的这些思想在很大程度上影响了英国艺术理论家和散文作家约翰·拉斯金(John Ruskin,1819-1900)。
作为一位社会主义者的拉斯金，他的设计理论具有很强的民主色彩，他认为真正艺术必须为人民创作的，否定造型艺术——所谓大艺术（纯艺术）与被称为小艺术的手工艺、室内装饰等之间存在着什么差别。
主张艺术家从事美术设计，让美术和技术相结合。
普金对中世纪艺术的道德内容的倡导也对拉斯金产生了重要的影响。
拉斯金同样反对装饰的过度，认为装饰应当适当并且真实。
他在1849年所著的《建筑的七盏明灯》的第二盏就是真实，对拉斯金来说，真实就是用手去制作，而且必须是愉快的去做。
如果像希腊以及埃及的工匠那样，那还是卑屈的不真实的，因为“这儿的工匠地位低微，他们的技术和能力完全受上司意志的支配”。
只有中世纪时期的手工制作才是真实的、美的，特别是基督教装饰“彻底摆脱了这种奴颜婢膝，因为基督教不管在大事还是小事上，都认识到个人的价值。
但他除了承认这种价值外，还承认这种价值是不完善的，因为这种价值认为只有承认微不足道的事才具有尊严……哥特学派中最值得羡慕的也许是它们接受低等人的劳动成果,指出其中不完善的地方,宽容地树起一座完整、庄严而又无可指责的艺术之宫。
”②，他在题为“生命之灯”这章中也写到“最宝贵的正是那些生命的迹象”。
拉斯金在装饰上推崇自然主义，反对维多利亚的繁琐矫饰的装饰。
他认为“不是源于自然界的形式必定是丑的”③。
他对机器的否定，他把机器产生的单调看成是死亡的东西，而把手工制作的东西看成是生命的表现。
拉斯金的这些理论思想最后成为英国工艺美术运动的主导思想。
而将他的理论付诸实践的是英国工艺美术运动的倡导者、设计家、画家、诗人和社会改革家威廉·莫里斯(William Morris,1834-1896)。
莫里斯的家庭很富裕，家里也非常重视他的教育，使得他能够在牛津大学建筑系学习。
在大学期间莫里斯听过拉斯金的讲课并深受普金影响，也读过拉斯金的著作《威尼斯的石头》。
他对此书非常痴迷，并对哥特式建筑产生了兴趣。
曾在一个暑假和大学同学也是他后来的合伙人爱德华·伯恩·琼斯(Burne Jones,1833-1898)一起到法国旅游，目的是调查哥特式建筑。
这次旅游让他们大开眼界，也是他们毕生热衷于哥特复兴的设计活动的开始。
毕业后莫里斯进入专门从事哥特风格建筑设计的乔治·斯特里特设计事务所（George Edmund Street）研究建筑。
后来在好友但丁·罗西蒂（Dante Gabriel Rossetti）（拉斐尔前派的发起人之一）的竭力劝说于1857年离开了斯特里特工作室，来到伦敦，开始他的设计生涯及拉斯金理论的实践。
1859年莫里斯在布置他的新婚住房时，因为市面上找不到理想的住宅，和像样的桌子与椅子。
家庭富裕的他又是学建筑出身。
于是冒出了自己动手设计住房及家具的想法。
他请他的朋友、也是斯特里特工作室的同事菲利普·韦伯（Philip Webb,1831-1915）为自己设计房屋。
起初韦伯画了一个对称结构的房子图纸给莫里斯看。
由于莫里斯深受拉斯金的影响，以及他自己的反叛思想，硬是把它改成不对称的结构。
也正是他这种反叛思想，在韦伯想要给房子墙面粉饰时遭到阻止。
直接就把红墙露在外面。
这就是艺术史上至今依然赫赫有名的“红屋”（图1）整个红屋完全没有学院派的清规戒律；从背面规划，把建筑的正面作为次要的考虑；同时整个建筑的内部结构完全展示出来了，建筑与环境达到完美的结合与统一。
与此同时，他们在设计屋子里的炉壁时，甚至将各种风格混在一起。
莫里斯还动手设计了家具及壁纸，窗帘，帷幔的图案，并且由莫里斯的妻子珍妮亲手刺绣完成，风格上都追求哥特式的统一。
红屋的设计可以说是对拉斯金理论的首次尝试性的实践，为后面的工艺美术运动打开了通道，也成为新艺术运动的早期样板。
莫里斯考虑到社会上还有很多人也同样需要一个像“红屋”一样的住宅，同时也为了实现和发展拉斯金的理论思想，1861年他与好友马歇尔（Marshall）和福克纳（Faulkner）及工艺美术工匠们成立了一个制造和装饰公司（简称MMF）。
公司的业务分五大类：绘画、雕刻、家具、铁件制造。
真正实现了拉斯金的“艺术家从事美术设计，让美术和技术相结合”的理想，充分显示了“艺术应取之于民，用之于民”的观点。
这也标准着西方艺术新纪元的开始1874年左右，公司由于财政问题，莫里斯将其他两个两个合伙人的股份买了下来，单独经营，改名为“莫里斯公司，并扩大了公司的规模。
同时莫里斯自己在设计上也获得了国际名声。
然而当他要想艺术能有更广泛的大众化的市场，他却失败了，因为他和拉斯金一样否定机械，也就不能批量生产，而通过艺术家手工制造的产品必定是贵的，也就不能更广泛的服务于大众。
因此他的产品也还是只能服务与那些有钱的人。
19世纪70年代，莫里斯为了艺术能更广泛服务于大众，并提高和引导大众的艺术品位。
他开始慢慢转向政治活动，“他以公开从事当时已精神失常的拉斯金的社会主义和文物保护事业为己任。
”并于1877年成立了古建筑保护协会。
1883年他开始阅读卡尔·马克思的著作，并在同年加入社会民主同盟，1887年社会民主联盟解散后，和马克思的女儿艾琳娜在埃夫林和巴克斯的帮助下成立了社会主义联盟，同时担任联盟机关报《公共福利》杂志的主编。
他在该杂志上发表了很多有关于艺术和社会问题的文章，其中包括他那本带有空想社会主义色彩的小说《乌有乡消息》。
他早年在受拉斯金理论影响下形成的民主思想，以及后来的社会主义思想得到了清晰的阐述，而在阐述的同时，形成了他关于工艺美术的理论体系。
在他1877年至1894年间发表的35篇讲演中，逐渐将艺术问题扩展到社会科学的领域中去了。
他对艺术家们所谓的个人情感，和创作上的灵感感到厌恶。
“说什么‘灵感’完全是胡扯”，说“根本没有这回事，有的仅仅是技术。
”④他痛恨艺术家们脱离现实的日常生活，“用希腊和意大利之梦把自己紧紧地包裹起来……对于这些东西只有极少数人还在假装受到感动，或不懂装懂”⑤。
莫里斯告诉我们“如果不是人人都能享受的艺术，那艺术跟我们有何相干
”⑥在论述大艺术（纯艺术）与小艺术（手工艺）的关系时，他和拉斯金的观点（前面已经提过）几乎是一样的，他说“我们没有办法区分所谓的大艺术和小艺术，把艺术如此区分，小艺术就会显得是毫无价值的、机械的、没有理智的东西……失去小艺术的支持，大艺术就会失去了为大众服务的价值，而成为毫无意义的附庸，成为有钱人的玩物。
”真正的艺术必须是“为人民所创造，又为人民服务的”⑦。
他的希望是“想起了野蛮主义能再度泛滥全球，使世界能再次变得既美丽动人而有富于戏剧性效果”⑧。
在莫里斯的影响下，一批年轻的艺术家开始组织自己的公司，称之为行会。
从而掀起了一场复兴手工艺的艺术运动——工艺美术运动。
其中有五个行会在当时非常著名：1882年阿瑟·海盖特·麦克默杜（A.H.Mackmurdo）成立的“世纪行会”、1884年成立的“艺术工作者行会”、同年成立的“家庭艺术与工业协会”、1888年莫里斯的学生查尔斯·罗伯特·阿什比(Charles Robert Ashbee )组织的“手工艺行会”以及同年的“工艺美术展览协会”，工艺美术运动便由这个协会而得名。
工艺美术运动在轰轰烈烈地进行的同时也孕育了另外一场运动。
在工艺美术运动打下的基础上以及日本和中国产品的引进。
艺术家正处在一个艺术革命的年代，他们所面临的是一个在艺术领域需要全面改造和设计的社会，包括建筑、家具、工艺、珠宝设计、平面设计等等。
艺术家们为了争夺他们在不同领域的席位，个个标新立异。
甚至一个人占据好几个席位。
这就是从19世纪80年代一直延续到第一次世界大战，波及整个欧洲和北美的新艺术运动。
可以说这场运动的主导思想继承了工艺美术运动的思想。
以反传统、反维多利亚的繁琐矫饰装饰风格为主，但比工艺美术运动更加强调自然主义和东方风格国际上公认的新艺术运动的第一件作品就是“世纪行会”的创始人麦克默杜于1883年为《雷恩城市教堂》一书设计的封面（图2）。
画面中充满了不对称的、细长的曲线，画面两边分别立着一只细长的公鸡，这正是新艺术运动中的一种普遍风格，但这本书的诉求不是新艺术运动。
在英国北部的苏格兰的一位插图画家对新艺术运动的发展起到很大作用。
他就是比亚兹莱(Beardsley,1872-1898)。
算得上个传奇人物，他七岁就被确诊患有肺结核，26岁就死了。
但是他在插图画上的影响却是无人可比。
他仅仅在艺术夜校受过两个月的正式训练，完全靠自学；在他20岁到22岁这两年与拉斐尔前派有过接触。
他的插图画中，完全看不出学院派的教条“他把世上一切不一致的事物聚在一起，以他自己的模式来使他们织成一致”。
从他的画中也可以看到很多东方与西方相结合的痕迹。
比亚兹莱所处的时期正是新艺术运动的“摇篮时代”，而当新艺术运动进入繁盛时期时，英国却从我们的视野中消失了。
新艺术运动的发祥地是在法国。
19世纪末，法国艺术家已经开始对当时的维多利亚式风格的感到厌烦。
1900年的巴黎世界博览会新艺术开始崭露头角。
当时参加展览的一位法国南斯市的设计师埃米尔·加莱(Emile Galle,1846-1904)，早在1884年就开始展现一种完全不是维多利亚的造型雅致、色彩奇妙的玻璃制品。
他的设计思想具有强烈的自然主义倾向，他深信大自然是获得灵感的唯一来源。
1893年美国设计师路易·蒂凡尼(Louis Comfort Tiffany)开始生产他的玻璃制品。
蒂凡尼是美国新艺术运动大本营的蒂凡尼百货公司的奠基人，他把工业生产和艺术表现结合起来的做法给萨穆尔·宾很大的启发。
萨穆尔·宾(Samuel Bing)是一个出版商、贸易商，曾于1875年赴远东游历，对日本艺术产生了浓厚的兴趣。
在1888年出版了一份杂志《日本艺术》，他自己也被公认为日本艺术鉴赏家。
之后1895年在巴黎普罗旺斯路开了一家“新艺术商店”，目的是“为那些渴望展出他们带有现代倾向的作品的热情的年轻人和所有渴望看到我们时代艺术中蕴涵的能量的艺术爱好者们提供一个聚会的场所。
”⑨在商店开业时，展出了伯纳尔、劳特雷克、比亚兹莱、加莱等一些具有强烈自然主义的作品。
在巴黎世界博览会上“新艺术宾”展厅展出了新艺术商店的展品，在当时引起了广泛的关注，报刊也开始用“新艺术”来代表这种新的风格。
1896年巴黎成立了一个“六人团”也同样推崇“新艺术”风格。
其中最为出名也最为有趣的就是建筑师赫克托·吉马德(Hector Plumet)，他直截了当地将新艺术运动的风格运用于巴黎地铁入口建筑（图3）。
充分发挥了自然主义的特点，这些入口的顶棚和栏杆都模仿植物的形状，特别是扭曲的树木枝干，缠绕的藤蔓，顶棚还有意地采用海贝的形状来处理。
比利时的一位著名建筑师霍尔塔(Horta,1861-1947,比利时新艺术运动的代表人之一），在1892年设计建造的布鲁塞尔保尔·艾米利·占森路6号即原来的都灵路12号住宅（图4）。
比起吉马德则更完美地将新艺术运动的风格运用于建筑当中，也是建筑史上的首次尝试。
新艺术中的细长曲线、模仿自然中的藤蔓等风格在他这里得到了完美呈现。
整个建筑风格统一，屋内也显得非常透亮、唯美。
霍尔塔是于1894年成立“自由美学社”的重要领导人之一。
自由美学社的前身是于1884年成立的“二十人团”。
当时该组织主要介绍先锋派艺术家的绘画作品，比如劳特雷克、高更、塞尚、梵高等。
到1891年左右受霍尔塔的好友凡·德·维尔德(Van de Velde)的影响，开始介绍英国工艺美术运动的作品，慢慢放弃绘画走向适用美术，并于1894改名为自由美学社。
展览的内容变得更加丰富，包括比亚兹莱、莫里斯、阿什比等等。
那么维尔德是个什么人物呢
他在比利时就类似于英国的莫里斯。
维尔德早期是个画家，1891年左右开始注意到英国的工艺美术运动。
于是放弃绘画从事设计工作。
他和莫里斯一样是个社会主义与民主主义者。
维尔德在设计上强调理性思维，装饰上在对自然形态的吸取时，必须要经过选择、分析和概括，最后变成一种抽象形态的过程。
“根据理性结构原理所创造出来的完全实用的设计，才能够真正实现美的第一要素，同时也才能取得美的本质”⑩。
他的这种理性使他注意到莫里斯学说的不足之处，因此他不反对机器，对机器持肯定的态度。
这也使得他成为现代设计史上最重要的奠基人，他的影响远远超出了比利时的国界，在欧洲各国，特别是在德国有很深刻的影响。
1895年，德国著名艺术评论家格拉夫（Meier-Graefe）创办了一份介绍德国当代艺术与文学的杂志《潘》，同年格拉夫与萨穆尔·宾一起发现了维尔德自己设计的住宅，他们都十分欣赏。
1897年维尔德的室内设计作品在德累斯顿实用艺术展上展出，他设计的家具上富有创造力的曲线更是深受格拉夫的推崇。
与此同时，一些怀有与维尔德相似的改造艺术的目的的青年艺术家，在慕尼黑成立了“艺术和手工艺联合工厂”。
这些人当中包括奥布里斯特(Hermann Obrist,1863-1927)、奥古斯特·恩德尔(August Endell)、彼得·贝伦斯(Peter Behrens)等。
他们同样不反对机器，相反希望能通过机器来生产艺术作品。
设计风格也开始转变为一种更加抽象和几何化的风格。
同样奥地利维也纳的一批前卫艺术家和建筑家共19人，也组织了一个自称“分离派”的团体（主创人员包括：克里姆特，约瑟·霍夫曼(Jose Hoffmann,1870-1956)、约瑟夫·玛利亚·奥尔布里奇(Joseph Maria Oibrich)和科罗曼·莫泽(Koloman Moser)）。
思想上和德国非常相似，不过分离派受建筑师奥拓·华格纳(Otto Wagner,1841-1918)的影响。
设计上更加强调功能性，而把装饰放在次要的位子，形态开始摆脱新艺术运动的曲线风格。
分离派定期的举办展览来推动他们的学说。
1900年，英国设计师查尔斯·雷尼·麦金托什(Charles Rennie Mackintosh,1868-1928)的作品通过分离派的展览被介绍到奥地利。
引起了强烈反响。
麦金托什的设计完全放弃了新艺术运动中的自然主义装饰风格，采用简单的几何图形，特别是以纵横的直线为基础结构，色彩上以黑白为主（图5）。
而在西班牙的一个建筑师与麦金托什正好相反，他是将新艺术运动的曲线风格发展到极致。
他就是安东尼奥·高迪(Antoni Gaudi,1852-1926)，他的建筑充满了想象，他使用破碎的瓷片和杯、碟当作装饰材料让人感到不可思议。
高迪成熟期的建筑更是体现了他对自然的崇拜，他对自然有机形态的模仿已经达到了疯狂的地步。
他的一生在不断的求新，不断的创造个性。
坚决反对对传统模仿。
这也使得他的建筑很少获得官方的认可。
甚至到群众都无法忍受的地步。
但是，有一个人非常欣赏他，就是长期支持和赞助他的一个企业家古埃尔(Guell,古埃尔家族是卡塔兰地区的新权贵），这个因素对他的建筑生涯是非常重要的。
高迪早期是一个高度个性化的哥特复兴主义者，这从他的1878年设计巴塞罗那文森公寓就可以看得出来。
直到1883正式为古埃尔家族设计建筑后，开始出现一些有机形态，比如古埃尔别墅的入口处大胆而任性的曲线。
到了1900年为古埃尔设计庄园，他的创作已经步入成熟阶段，完全抛弃了哥特式的影子，他成功地将大自然与建筑有机地结合成一个完美的整体。
这里的一切——小桥、道路和镶嵌着彩色瓷片的长椅，都充满了新艺术运动蜿蜒曲折的风格，甚至很多随意处理的地方都已经超出了新艺术运动的范畴。
而于1910年建成的米拉公寓（图6）的风格已经达到了新艺术运动的极端。
是高迪自己认为最好的一座房子。
整个建筑内外，包括里面所有的家具和装饰完全采用有机形态。
连墙面都是弯曲凹凸不平的。
这种极端的做法引起了巴塞罗那市民的愤怒。
报纸上以“蠕虫”“大黄蜂的巣”等字眼来形容他的建筑。
圣家族教堂（图7）是高迪从1884年接手直到他死后的今天都未完成的建筑，高迪一生建筑风格的转变几乎都显现在这座未完成的教堂上。
他做建筑有个特点，就是没有工程图纸、没有预算、没有设计方案。
完全不把建筑当项目来做而是当艺术作品来做，随意性非常大。
工匠们被鼓励将工作做得粗糙大意，以至于很多地方他都要亲力亲为。
这个建筑以及上面介绍的古埃尔庄园和米拉公寓在1984年被联合国教科文组织宣布为世界文化遗产，这在世界建筑史上都是十分罕见的。
从总体上来看，英国是工业革命的发源地，他们是第一个面临工业化带来的危机，面临如何处理艺术与工业的关系、艺术与人的关系、艺术与社会发展的关系等问题。
他们选择了艺术改革，于是就有了工艺美术运动。
而改革后之后在艺术领域必然会带来许多空位（前面已经介绍过）。
比如英国工艺美术运动就出现了莫里斯、韦伯、比亚兹莱等大师。
而随后欧洲大陆以及美国也同样面临大工业化。
他们的目的和选择都是一致的，他们从工艺美术运动中吸取经验。
对艺术进行改革，进行新艺术运动。
这也是为什么新艺术运动在英国没有产生强烈的反应，因为英国已经改革过了，大师已经出现了，而麦金托什只能算是新艺术运动到现代主义运动的过度人物。
①.《现代设计的先驱者》第二章25页②.《威尼斯的石头》第十章189页③.《秩序感》第二章45页④.Mackail,op.cit.,i,p.186⑤.The Collected Works of William Morris,London,1915,xxiii,p.147⑥.Mackail,op.cit.,ii,p.99⑦.Ibid.,xxii,pp.47⑧.Ibid.,p.144;I,p.305⑨.Mario Amaya,Art Nouveau,The Herbert Press Limited,1985⑩.《世界现代设计史》第三章71页参考书目：《现代设计的先驱者——从威廉·莫里斯到格罗皮乌斯》英 尼古拉斯·佩夫斯纳著，王申 王晓京译 中国建筑工业出版社2004年版《现代建筑与设计的源泉》英 尼古拉斯·佩夫斯纳著，殷凌云译，范景中校，生活·读书·新知三联书店，2001年12月北京第1版《欧洲19世纪美术》下，吴敢著，中国人民大学出版社，2004年版《世界现代设计史》王受之著，中国青年出版社，2002年9月北京第1版《秩序感》，[英]贡布里希，译者：范景中等，湖南科学技术出版社，2000年1月第1版
求西方艺术史感受
读《西方艺术史》有感艺术的寂寞与孤独最近，读了一部《西方艺术史》，首先，我就为这部书引言里的一句话所震动。
著者说，我们从艺术的起源之处就可以找到艺术家的那种主要动机：通过打上记号而投身于世界和把世界据为己有。
而在此话之前，著者又提出这样一个设问：人难道不始终都是通过艺术向死亡挑战的吗
这一设问已道出艺术所具有的宗教意义和她的永恒目的
纵观整个西方艺术史，从古希腊的巴底农神庙到古罗马的哈德良万神庙，从早期基督教艺术到罗曼艺术，从哥特艺术到文艺复兴，从样式主义到巴洛克和古典主义，从罗可可到新古典主义，从浪漫主义到现实主义和印象主义，一直到二十世纪各艺术门派与主义，我们不难看出，最初因对神的膜拜和服务于宗教，艺术在神庙与教堂的建筑以及宗教绘画方面创造了辉煌的成就；同时艺术所创造的美以及艺术本身，也像宗教一样，一直指引着人的灵魂向上升华，而在这种指引的过程中，艺术家们却常常陷入了不为人知的寂寞与孤独……真正的艺术是最心灵的东西，也就是最为宗教的东西，所以一切真正为艺术献身的艺术创作者所要背负的寂寞与孤独，绝对不能为一切凡夫俗子们所能体悟。
这一点是我在读到《西方艺术史》“浪漫主义”一章时最为感慨的。
浪漫主义出现于十八世纪中，兴盛于十九世纪二、三十年代，至五十年代左右进入衰微。
浪漫主义艺术抛弃了希腊罗马典范，表现为对新古典主义专制的逆反，对往昔的一切想法实行彻底的决裂，它宣告了人和个性先于一切的地位，它以强烈的感觉、激情和想象回答了冷酷的理性王国。
正是浪漫主义的这种冲击性，导致了浪漫主义艺术家们比以往任何时代的任何门派的艺术家们更深地陷入了艺术的寂寞与孤独。
在此，仅说一说浪漫主义杰出代表欧仁·德拉克罗瓦的艺术创作。
作为画家的德拉克罗瓦最初的作品是《但丁与维吉尔游地狱》和《希阿岛的屠杀》，这两幅作品表现出自由的嘲弄与挖苦，成为浪漫主义的宣言，并使德拉克罗瓦因此成为浪漫主义的领军人物。
德拉克罗瓦一生都从浪漫主义文学中汲取灵感，并从中取材。
1827年他画出了《萨达纳巴尔之死》，以纪念三年前死于梅索朗吉昂的拜伦。
萨达纳巴尔是显赫无比的塞米拉米斯女王子孙中最 后一位 君主，在被米底人围困了两年的都城巴比伦，萨达纳巴尔在宫院内堆起柴垛，将自己和财宝、骏马、女人、宦官一起付之一炬，而拒绝投降。
这幅画给人一种死亡与毁灭之感，让人极为强烈地感觉到作者对于死亡与毁灭的思考与挑战，以及因为这种思考与挑战而有的内心寂寞的燃烧。
1830年，德拉克罗瓦又画出了《自由指引人民》。
此画因作于1830年革命的翌日，几乎成了政治宣言。
在这幅画里，画家就在自由女神的右边，以起义者的形象出现，充分表达了他在不自由的围困中对自由的渴望。
德拉克罗瓦从青年时期开始一直到1847年撰写了一本日记，详细阐述了他对艺术创作的思考。
1863年8月，他因病而寂寞地离开了人世，完成了一生对艺术的追求，虽然浪漫主义在他死后几乎销声匿迹，但他的画作，尤其是他的《萨达纳巴尔之死》和《自由指引人民》，却是不朽地留在了这个世界。
读罢这部《西方艺术史》，我久久不能平静地想，当我们捧读一部伟大的作品而潸然泪下时，当我们在一幅名画前恋恋不去时，当我们怀着无限崇敬的心情瞻仰一位已故艺术家塑像时，我们是否想到那些伟大的艺术创作者一生献身艺术的精神
是否想到他们为艺术献身所承受的寂寞与孤独
夏绿蒂·勃朗特一生没有过一次爱情，却写出一部催人泪下的《简·爱》；凡高一生穷困潦倒，一生只为他的《星空》与《向日葵》寂寞而疯狂地燃烧；曹雪芹呕心沥血一生，终未能完成他的红楼巨著，寂寞地死于灯下，死时竟连一口棺材都没有。
尽管我们有所欣慰，无数伟大艺术创作者的艺术创作终使他们得以永生，但他们寂寞孤独的悲惨，又无不令我们痛心疾首
梁思成 为什么研究中国建筑读后感
读后感之《梁思成谈建筑》篇 作为一名土木工程专业的学生，首先要对所选专业即建筑要有浓厚的兴趣，其次还要知道对新中国建设起巨大作用的一代建筑宗师——梁思成。
所以，在图书馆寻找书籍的时候，看到这本书，读完这本书后，我有了很深刻的感受。
下面，我就两个方面来谈谈我的感受。
首先从梁思成先生对中国建筑史分析中来分享一下我的一些感受。
建筑，在中国古代就渐渐形成了一种形式，但是中国古人却从未把建筑当成一种艺术，而西方则不同，西方人一直视建筑当成艺术之母。
在古老的中国，建筑主要是以木制建筑为主，然而存留下来的木制建筑却了了无几，非常出名的中国古代木质建筑代表为“山西省应县木塔”，这座木塔可谓是历经风雨而不倒。
梁思成先生在提到该木塔时，尤其提到了中国木质建筑特有的一个结构——斗拱。
通过查询资料得知，斗拱本是结构中有功能作用的部件，它承托了木梁又使屋檐伸出得远一些。
它作为中国古代木建筑特有的结构，一直随着中国古代建筑的发展而不断发展着。
它的历史可追溯到秦汉时期，至今为止的木建筑还有当年的原型。
梁思成先生认为：若是想系统的了解中国建筑，就要好好的研究中国的建筑史。
中国的建筑不仅仅反映了中国古代技术的高超，而且也反映了中国古代封建的思想，尤其是古代帝王家的建筑，那种帝王的气派与恢宏更加显露无疑。
中国建筑是一种延续了两千余年的工程技术，它本身已造成一个艺术系统，许多建筑物便是我们文化的表现，是艺术的大宗遗产。
除非我们不知尊重这古国灿烂文化，如果有复兴国家民族的决心，对我国历代文物，加以认真整理及保护时，我们便不能忽略对中国建筑的研究。
其次，我再谈谈梁思成先生对我们这些从事土建行业人的一些建议的感受。
对于我们土木工程专业的学生来说，又“土”又“木”好像已经成为了我们的代名词。
但我认为，对于我们专业的学生来说，我们要做到“博”而“精”，我所说的“博”并不是漫无边际的无所不知，无所不晓。
我们可以从两个要求的角度去培养自己。
一个方面是以自己的专业为中心的，建立“外围基础”的知识。
另一个方面是为了个人的文化修养的要求，可以对于文学、艺术的各方面进行一些业余的学习，以此丰富自己的知识，陶冶性灵。
而对于“精”，就是“专”，但这里的“专”不代表钻牛角尖。
我们要对于自己所学的专业知识灵活运用，并不是死记硬背，并且作为工科类专业，我们还要在理论的基础上加以实践，从书本中走出去，最后以实践经验为本再回归于课本中来，以丰富自身的能力。
梁思成先生对建筑认识的独特眼光以及对我们年轻人的教导使我受益匪浅，感受极深。
